Crítica: Millenium 2 - La Chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina El Regreso de Lisbeth




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Flickan som lekte med elden (The Girl Who Played with Fire)
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Suecia
DIRECTOR: Daniel Alfredson
GUIÓN: Stieg Larsson
MUSICA: Jacob Groth
REPARTO: Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto
PRODUCTORA: Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television
GENERO: Thriller. Intriga.
WEB OFICIAL: www.millennium2.es




ARGUMENTO

Lisbeth Salander es la mujer más buscada del país. Dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia, han sido brutalmente asesinados y las huellas de Lisbeth están en el arma homicida, lo que añadido a su historial de comportamiento vengativo e impredecible, la convierten oficialmente en un peligro para la sociedad. Sin embargo, nadie puede encontrarla. Mientras, Mikael Blomkvist, editor jefe de Millennium, no cree lo que se dice en las noticias y sabiendo que Salander es feroz cuando se siente amenazada, está desesperado por encontrarla antes de que la acorralen...

TRAILER

CRÍTICA



Cuando intentamos disertar sobre una adaptación al lenguaje cinematográfico de una obra literaria, cualquiera que esta sea, a menudo se plantean las mismas cuestiones: si tal traslación es fiel al texto original y se incluye toda la información o los pasajes allí narrados , si la elección de los personajes y los entornos es la adecuada, etc., incluso a veces cayendo en el purismo y en el integrismo filológico más recalcitrante…

Voy a dejar todo este tipo de consideraciones aparte por una sencilla razón: aunque soy lector frecuente y en su momento adquirí dos de los voluminosos volúmenes de la susodicha trilogía (decidí posponer la compra del tercero hasta finiquitar aquel par) aún no he tenido el placer de haber leído ni una sola línea de la prosa de Larson, así que no sería menester hacer apreciaciones en tal sentido.

Comencemos con el argumento del film: la historia comienza tal y como la dejamos en la anterior entrega, con Lisbeth desaparecida tras estar viajando por medio mundo y haber establecido su residencia en una localización caribeña. Roto cualquier contacto con Mikael Blomkvist, decide retornar a Estocolmo para saldar cuentas con su detestable tutor de la condicional y reencontrarse con una antigua relación, su amiga Mimi. Mikael, por otro lado, sigue su exitosa carrera profesional con Millenium, al que se incorpora un joven periodista con un importante reportaje sobre una oscura red de prostitución que implicará a relevantes nombres de la sociedad sueca.

Dag Svensson, el joven reportero, junto con su novia Mia, repentinamente son encontrados muertos en su apartamento por Blomkvist, y poco después el tutor de su antigua amiga Salander es localizado en parecidas circunstancias. Todo apunta a que Lisbeth puede ser la autora de los crímenes, hecho que Mikael niega hasta la saciedad y que le hace ponerse a investigar el suceso para exonerar a su amiga del trance; mientras, Lisbeth desde su escondite decide también localizar a quienes están tratando de implicarle en tales asesinatos, investigación que le llevará a recordar oscuros sucesos de su pasado, un pasado de pesadilla y un sueño recurrente: ella intentando acabar con la vida de su padre arrojándole gasolina y prendiéndole fuego con una cerilla…

En una trama que aúna acción, drama, intriga y mucho thriller, el realizador Alfredson (sí, seguro que el apellido os suena familiar, ya que su buen hermano fue el encargado de dirigir esa maravilla que es Déjame Entrar) condensa un capítulo que sirve de transición entre la presentación de su personaje clave, Lisbeth Salander, digna heredera en carácter a todos esos roles femeninos fuertes, resueltos e independientes (habría que ver a Maureen O'Hara y Katharine Hepburn en su tesitura), y el final que se prevee (y así se anuncia) espectacular desenlace de la saga. Y es que Noomi Rapace, Lisbeth ya para los amigos, es Millenium, es la piedra bascular donde se sustenta la trama, una heroína resuelta, impasible, guerrera, independiente, dura, traumatizada por su pasado pero no bloqueada por el mismo, leal pero no afectuosa y siempre pragmática y natural y explícita en sus relaciones (también sexualmente hablando, sexualidad que en todo el transcurso de la historia se muestra descarnada y visceralmente realista).

La trama funciona sin problemas cuando ahondamos en el oscuro pasado de Lisbeth, de sus motivaciones, de los sufrimientos que la han marcado en el devenir de su existencia, pero flojea en cuanto entramos en el terreno del thriller más convencional, dejando a un lado la profundización en los personajes para centrarse en la acción en si, acción en partes demasiado dilatada (la incursión nocturna final de nuestra tatuada guerrera en el escondite de la granja se ve ralentizada en exceso por largos planos vacios en exceso, quizás la hieráticamente pausada mirada sueca sea responsable de ello), pero que en términos generales es correcta sin llegar a aburrir en ningún momento. Por útimo destacar las luces en toda la historia, un estupendo trabajo de iluminación por parte del responsable de fotografía Peter Mokrosinski.

En resumidas cuentas, un correcto thriller, acicate para finiquitar una más que interesante saga. Pero para eso habrá que esperar. Mientras soñaremos con muchachas con dragones tatuados en la espalda...

Pedro García










Crítica: Moon Yo, yo mismo y Selene




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Moon
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Duncan Jones
GUIÓN: Duncan Jones, Nathan Parker
MUSICA: Clint Mansell
REPARTO: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
PRODUCTORA: Sony Pictures Classics / Liberty Films UK
GENERO: Ciencia-Ficción
WEB OFICIAL:




ARGUMENTO

Moon está ambientada en un futuro no muy lejano, y nos presenta a un astronauta (Sam Rockwell) que se encuentra aislado en la luna durante un periodo de 3 años en una excavación minera. Su contrato está a punto de finalizar, pero algo empieza a ir mal y descubrirá un terrible secreto que le concierne.

TRAILER

CRÍTICA



Desde siempre el ser humano, por su condición, valga la redundancia, humana se haya planteado el origen de su existencia y el sentido de la misma, el fin último y sus designios, ya fuera de creencias ideológicas, filosóficas o religiosas. En este primer largometraje del realizador británico Duncan Jones, hijo del prolífico artista David Bowie, se plantea básicamente esa misma cuestión, la de la existencia del ser y su devenir, el enfrentamiento con tal pregunta y su demoledora respuesta en el aislado escenario de una estación minera ubicada en la luna en un futuro no tan lejano, que pone aún más de manifiesto la soledad universal del individuo.

Sam Bell es un trabajador que ve transcurrir sus días en su confinamiento en una de las plantas mineras que Lunar Industries mantiene ubicada en el satélite lunar. Como única compañía cuenta con Gerty, un mecanismo robótico que se ha convertido en su único amigo en Sarang (nombre de la planta, "Amor" en coreano) y que vela por él en todo momento. Pero la excitación de Sam va en aumento, su contrato de tres años en la estación está próximo a su fin, podrá volver a la Tierra y reencontrarse con su esposa y su pequeña de casi tres años de edad, con las que mantiene un precario contacto a base de vídeos pregrabados, ya que las comunicaciones están restringidas a su uso en diferido. Pero días antes, en un reconocimiento rutinario a la explotación de Helio-3 sufre un accidente, despertando horas después aturdido en la enfermería, desorientado, torpe. No conforme con las explicaciones de Gerty y escuchando lo que parece una comunicación en directo con los responsables de la compañía, finge una falsa emergencia para abandonar la planta y encaminarse al lugar del accidente, donde encuentra en el vehículo siniestrado y en su interior la impactante e increíble realidad, realidad que cambiará todos sus esquemas, una verdad que acabará con todo su mundo y lo que creía conocer...

Narrada con un ritmo pausado e intimista, esta parábola con tintes de ciencia-ficción clásicos (se respira Alien, 2001, Solaris en cada uno de sus decorados, en sus diseños, en su desolación, su tristeza) está confeccionada a mayor gloria de su protagonista, un Sam Rockwell en una doble (o múltiple) interpretación que conmueve en momentos, angustia en otros, pero que da una auténtica lección de contención y minimalismo en su trabajo, haciendo buena la máxima de "menos es más", un Rockwell casi recién llegado de los textos de Palahniuk en Asfixia, allí con una razón existencial esencial y básica, su adición al sexo; aquí con otra búsqueda, la de su yo individual, la de su propósito, la de su fin. La alienación que supone descubrir su papel, mero engranaje industrial que ya adelantó Chaplin con su genial Tiempos Modernos, se une a su fundamental mensaje humanista, un mensaje de amor, ya que nuestro protagonista vive por amor, por el amor de una familia que anhela, por unos recuerdos que le aguardan, recuerdos que comienzan siendo su esperanza para convertirse en su tormento, en el tormento de una mentira de bienestar inteligentemente urdida por la Corporación, ese Gran Hermano (en clara referencia al 1984 de Orwell) que controla sus actos, su vida, una vida efímera y cronometrada, una existencia con fecha de caducidad al igual que la del Roy Baty de Blade Runner, existencia que será finalmente salvaguardada por el menos sospechado, el elemento menos humano y carente de humanidad de esta historia, el robótico Gerty (con voz de Kevin Spacey en el original), en oposición a la deshumanización del elemento empresarial, claro que, friamente analizando, Gerty obedece a una mala programación ya que, no nos engañemos, sus órdenes son proteger a Sam, todo lo demás son consideraciones de nuestra todavía humanamente sensible condición...

Una hermosa parábola de lo que es la vida, la esperanza del mañana, la alegría de estar vivos, la eterna pregunta del devenir de nuestro gran viaje: de dónde venimos, hacia donde nos dirijimos... Todo eso y mucho más en Moon. Y no esperéis más, id a verla.

Pedro García










Crítica: Truco o Trato Piruletas letales




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Trick r' Treat
AÑO: 2008
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Michael Dougherty
GUIÓN: Michael Dougherty
MUSICA: Douglas Pipes
REPARTO: Quinn Lord, Brian Cox, Dylan Baker, Leslie Bibb, Rochele Aytes, Anna Paquin, Moneca Delain, Tahmoh Penikett, Lauren Lee Smith
PRODUCTORA: Coproducción Canadá-EEUU; Bad Hat Harry Productions / Little Sam Films / Legendary Pictures / Warner Bros. Pictures
GENERO: Terror. Thriller. Comedia
WEB OFICIAL: trickrtreat-movie.warnerbros.com




ARGUMENTO

Truco o Trato nos relata cuatro terroríficas historias de Halloween interrelacionadas: un director de colegio (Dylan Baker) que por la noche se convierte en un brutal asesino en serie, una joven (Anna Paquin) que busca perder su virginidad con alguien especial con horribles consecuencias, un grupo de adolescentes que llevan a cabo una cruel gamberrada con terribles resultados y un anciano cascarrabias (Brian Cox) que libra una espeluznante batalla contra un descarado demonio de Halloween...

TRAILER

CRÍTICA




En esta noche en la que es menester reunirse en torno al fuego del hogar y contarse historias tenebrosas sobre seres que se arrastran reptando de sus tumbas reclamando venganza, donde criaturas de la noche aúllan a la oscura noche festejando su victoria sobre los vivos... Pero que digo... todo aquella tradición la han sustituido los nuevos medios, vías que difunden aquellos miedos ancestrales, pesadillas y leyendas que se citan en las redes internautas y en múltiples vídeos y películas a la sazón.

Pues bien, un título que de seguro se convertirá en un clásico de esta víspera de difuntos en el que hoy traemos, la oscuramente divertida Truco o Trato que, finalmente, llega a nuestro país después de la desidia de su productora, la poderosa Warner Bros, que tuvo a bien posponer indefinidamente la distribución de la cinta según se rumorea en pago a los servicios del ejecutivo Brian Singer, que no funcionó con su Superman todo lo bien que se esperaba, y que, como decía, llega a nuestras tierras como un directo a dvd, castigo inmerecido para una historia que hubiese merecido un mejor tratamiento con un lanzamiento para su exhibición en salas... En fin, caprichos de las productoras / distribuidoras...

Volviendo a la cinta en cuestión y su argumento en la línea de producciones como el Creepshow de George Romero, formado por una serie de historias cuyo nexo común es el marco en el que suceden, la misma noche de difuntos en el mismo lugar, un pintoresca ciudad que no tiene nada que envidiar al Haddonfield de Carpenter, y en la que pululan por sus oscuras esquinas seres incluso más temibles que el mismo Myers.

Cuatro historias que si bien acontecen en un principio desordenadas y sin concierto alguno, al transcurrir de la historia se van encontrando argumento, ligando tramas hasta conformar unos deliciosos cuentos de terror, macabros, destilando un gratificante sentido del humor negro. Y en todas ellas se respira ese aire de cuento de terror gótico y añejo que nos gustaba oir cuando eramos niños, gracias sobre todo a un cuidado diseño de producción del artista, además de director, Michael Dougherty, dejando bien patente su firma en los ambientes del film.

Con una presentación propia de, como mencionaba, Creepshow o la controvertida Repo, The Genetic Opera, a modo de viñetas y globos del cómic, nos adentramos en la oscura magia de la fiesta pagana del Samhaïn y las consecuencias que tendrá para cada uno de nuestros protagonistas: un director de escuela que en esta noche adopta unas costumbres de lo más sádicas; una joven que se ve apremiada por sus atrevidas amigas a perder su inocencia; unos niños que aprenderán una lección al gastar una pesada broma y, por último, la encarnizada lucha que un desagradable anciano sostendrá con Sam (¿diminutivo de Samhaïn?), un malvado diablillo guardián de la tradición de Halloween, estupendo personaje icónico salido de la pluma del realizador y protagonista del corto "Season's Greetings" que sirviese de germen para este largo, que le dará su justo merecido.

Vampiros, Hombres-Lobo, Zombies irredentos, demonios, todos ellos se dan cita en los rincones de una deliciosa Trick r Treat, donde todos su protagonistas realizan un trabajo de lo más correcto (hasta la inexpresiva Anna Paquin está soportable), todo sumado al dinamismo de su montaje y a lo cautivador de sus ambientes hace que estemos ante un clásico instantáneo, un clásico que nos abre el apetito de más historias oscuras, de más divertidos diablillos vengativos, en definitiva, de encender con renovada fuerza nuestro espíritu de Halloween.

Pedro García










Crítica: DreadEl juego del Terror




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Dread
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Anthony DiBlasi
GUIÓN: Anthony DiBlasi (Historia corta: Clive Barker)
MUSICA: Theo Green
REPARTO: Jackson Rathbone, Shaun Evans, Hanne Steen, Laura Donnelly, Jonathan Readwin, Vivian Gray
PRODUCTORA: Matador Pictures / Midnight Picture Show / Seraphim Films / Cinema Three / Entertainment Motion Pictures (E-MOTION) / Regent Capital / Motion Investment Group
GENERO: Terror. WEB OFICIAL: www.matadorpictures.com/completed_dread.html




ARGUMENTO

Otra de las adaptaciones de los 'Libros de sangre' escritos por Clive Barker, que cuenta la terrorífica historia de un estudiante de filosofía obsesionado con sus propias pesadillas, que está llevando a cabo una serie de experimentos en la gente, para observar sus reacciones a lo que teme la mayoría. Pero pronto descubre que estos experimentos le conducirán otra vez a sus peores pesadillas.

TRAILER

CRÍTICA




Anthony DiBlasi, productor de varias adaptaciones de los Libros de Sangre (en concreto El Vagón de la Muerte y Book of Blood) se atreve en esta ocasión, además, a implicarse en labores de dirección, y no saliendo para nada mal parado.

Porque si bien es cierto que su revisión de la historia de Barker no se ciñe de manera fidedigna a la misma, bien es cierto que la esencia del relato está contenida y delimitada en la interpretación realizada por su director, incluso yendo más allá que lo hiciese el escritor originalmente en una cinta que explora los rincones más oscuros del alma humana.

Dos estudiantes de filosofía intentan a través de su tesis ahondar en los mecanismos del miedo, por lo que comienza a realizar una serie de entrevistas en video donde cada individuo deja constancia de sus temores más profundos e inexplicables. Pero para uno de ellos el trabajo no es suficientemente bueno, no refleja la esencia del terror, terror que conoce muy bien ya que experiementa cada vez con más frecuencia pesadillas que tienen su origen en un terrible suceso de su pasado. Es entonces cuando decide terminar el estudio por su cuenta a través de medios menos ortodoxos y más oscuros y expeditivos...

Tremendo el trabajo de los principales protagonistas del film, con especial mención no para el reconocido Jackson Rathbone (Eclipse), sino más bien para su compañero Shaun Evans, que construye un retrato obsesivo, degenerado y vicioso en todo momento creíble, un ser amoral que concentrado en su único objetivo, fruto de su enfermedad degenerativa, hace válida la expresión "el fin justifica los medios", incluso la crueldad más intolerable esta justificada siempre que obedezca a la consecución de su fin.

Y es el planteamiento y la ejecución de la trama simple, pero por ello incluso más efectiva, dejando a un lado efectismos hemoglobínicos (salvo un par de golpes de efecto inevitables), concentrándose únicamente en el plano psicológico y las relaciones entre los personajes, cada uno con un secreto vergonzoso que esconder, cada uno con un miedo oculto que le atenaza en soledad. Y es que a todos en cualquier momento de nuestra existencia nos ha atemorizado algo, más en los tiempos que corren en los que los terrores más insospechados acechan en cada esquina, miedos que si por alguna razón nos son desconocidos ya se encargarán los medios de grabarlos en nuestro subconsciente; miedos cercanos, demasiado humanos, miedos que hacen que instantáneamente empaticemos con sus filias y sus fobias, con su sufrimiento. En ese planteamiento es donde DiBlasi se gana a su audiencia, repito, gracias a un más que correcto, brillante en momentos, trabajo interpretativo de su joven elenco y dos escenas, dos momentos cumbre, dos terribles instantáneas de la enfermiza depravación obsesiva del método científico empleado a la sazón: el experimento vegetariano y la denigración del individuo por sus defectos físicos, esto último por desgracia demasiado cercano para muchos desde que el mundo es mundo, cada vez más deshumanizado, por cierto... Y esa deshumanización queda reflejada en las acciones del falso filósofo del terror, de un Mesias con ínfulas de Mengele, investigador humanista con ansias de divinidad.

A eso juega Dread, a la búsqueda del lado más perverso y oscuro del ser humano, un juego extremadamente peligroso y mortal, que nos plantea una pregunta: ¿estamos preparados para enfrentarnos al conocimiento de según que cuestiones? La respuesta... en cada uno de nosotros.

Pedro García










Crítica: Edén Al Oeste Interesante e insuficiente tratamiento de la inmigración ilegal




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Eden à l'Ouest
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Francia
DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras
GUIÓN: Constantin Costa-Gavras, Jean-Claude Grumberg
MUSICA: Armand Amar
REPARTO: Riccardo Scamarcio, Ulrich Tukur, Juliane Köhler, Eric Caravaca, Jean-Christophe Folly, Anny Duperey, Ieroklis Mihailidis, Annie Loulou, Dina Mihailidou, Constatinos Markoulakis, Antoine Monot, Florian Martens, Murali Perumal
PRODUCTORA: KG Productions
GENERO: Drama

WEB OFICIAL: www.edenalouest-lefilm.com

ARGUMENTO

Edén al Oeste es un recorrido por los contratiempos de un joven emigrante tentado de entrar ilegalmente en la Unión Europea. Al igual que en "La Odisea", el Mar Egeo es el escenario donde discurren las aventuras de Elías, nuestro protagonista. En esas mismas aguas, bajo el mismo sol y los mismos cielos como en el amanecer de la civilización. Después de innumerables incidentes y accidentes, una escala en el paraíso y una estancia en el infierno, el mágico final de su periplo se desarrolla en París.

TRAILER

CRÍTICA

Director de obras de denuncia política como las interesantes Z, Desaparecido o Amen, Costa-Gavras siempre se ha caracterizado por no evitar cualquier tipo de polémicas que trasladar a la gran pantalla. En esta ocasión el realizador de origen griego, con una veintena de títulos a su espalda y 76 años en sus hombros nos trae una obra sobre la inmigración ilegal en Francia.

La historia gira en torno a Elías, un inmigrante que vive todo tipo de situaciones en su misión de llegar a Paris, el prometido Edén del título donde presupone, encontrará la vida de plenitud y esperanza que no pudo encontrar en su país de origen (que en ningún momento es citado). Durante su odisea homérica, se encontrará con una serie de extravagantes personajes, algunos humildes, otros altaneros, que intentarán bien ayudarle por todos los medios, bien aprovecharse de su ignorancia sobre nuestro país vecino.


No cabe duda que lo más interesante de la proyección se resume a las diferencias y antagonias entre los individuos más pobres y los más ricos, como se desvela durante la primera media hora, desarrollada competentemente en un campo de golf, y donde resulta especialmente reseñable (y al mismo tiempo deleznable), el instante donde encuentran dos inmigrantes fallecidos en la arena de la playa. Observar la reacción de esos ricachones repugnantes desmembra el corazón y transmite un odio irracional contra todo chovinismo materialista.

Sin embargo, un logro tan loable como el citado, cae en saco roto frente a la dolencia principal de toda la película, y no es otra que su indefinición.

Porque el mayor problema de Costa-Gavras es no saber decidirse por el drama o la comedia. Durante los 105 minutos que dura el filme, juega constantemente con ambos géneros, discurre entre ambos intentando mezclarlos con poca fortuna, logrando que el drama no se intensifique tanto como debiera ante un tema tan espinoso y que la comedia no pasen de breves pinceladas para despertar una simpatía y una sonrisa en el espectador que lamentablemente nunca llegan. Así, el viaje entre ambos mundos, la indecisión del realizador, se convierte en una profunda losa que no termina de apuntillar una obra que aspiraba a mucho mas y que podría haber sido mucho mejor.

Todo hubiera cambiado en el filme, si en lugar de esos temibles saltos de altura, se hubiera decantado mayoritariamente por el drama o la comedia, máxime cuando tiene un personaje principal ciertamente interesante y prometedor, cuyo actor, Ricardo Scamarccio, sabe trabajar con cierta holgura y sensatez, aunque sin llegar a apoderarse como nos gustaría de la función. A pesar de la falta de ambición del intérprete de origen italiano, es cierto que sabe jugar con ambos géneros, con lo que Costa-Gavras, como he dicho hasta la saciedad, debería haberle permitido profundizar en uno de ellos y confiar ciegamente en sus posibilidades, caóticas por la falta de claridad de ideas de un director que con los años, por desgracia, viene a menos.


En cualquier caso, dentro de sus graves problemas, todos atribuibles al guión y a la realización, Edén al Oeste es una película ciertamente estimable, con sus buenos detalles que no pesan en el espectador y que mantiene el interés suficiente como para no cerrar los ojos en la sala de cine o en el sofá de casa, pero no nos engañemos, si buscamos una buena producción europea que trate con justicia el drama de la inmigración ilegal, existen opciones muy superiores, especialmente algunos documentales españoles, que retratan con enorme definición y claridad de ideas un problema tan serio como este y que no merece ser banalizado como Costa-Gavras lo hace. Desgraciadamente el director está mayor, y si en obras anteriores era capaz de emitir un juicio justo sobre los temas que nos mostraba en pantalla, en esta ocasión no ha sido capaz de trasladarnos como debiera un tema de tan candente actualidad. Una pena.

Javier Moreno










Crítica: Grace Maternidad Sangrienta




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Grace
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Paul Solet
GUIÓN: Paul Solet
MUSICA: Austin Wintory
REPARTO: Jordan Ladd, Gabrielle Rose, Samantha Ferris, Malcolm Stewart, Stephen Park, Serge Houde, Evan Lanier, Shelly Gant
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Canadá; Indigomotion / ArieScope Pictures
GENERO: Terror. Thriller. Drama WEB OFICIAL:




ARGUMENTO

Madeline está embarazada de 8 meses y le queda muy poco para dar a luz. Su hijo se llamará Grace. Sin embargo, un imprevisto accidente mata al bebé dentro de la madre. Los médicos quieren estirparle el cadáver, pero Madeline insiste en seguir la gestación hasta el final. Cuando llega a los 9 meses, milagrosamente, el bebé vuelve a la vida y nace. Pero la criatura guarda un horrible secreto: no será un ser humano normal...

TRAILER

CRÍTICA



El debutante Paul Solet adapta a modo de largo su anteriormente premiado cortometraje, Grace, una particular mirada al tema de la maternidad analizando desde una perspectiva oscura y morbosa las estrechas relaciones materno-filiales, claro está, llevadas a sus últimas consecuencias, ya que para algo estamos hablando de cine de género.

Con su historia original como base, el director construye un relato donde se entrelaza un atípico triángulo, por llamarlo de algún modo, enfermízamente "amoroso": por una parte se nos presenta a Madeleine, que tras esforzados intentos consigue quedarse encinta y cuya obsesión final es la de llevar a término su embarazo, algo que a todas luces parece poco probable al sufrir un accidente de coche en el que, trágicamente, fallece su marido y que, lamentablemente, afecta irremediablemente al feto, dándosele por muerto (aunque, aún así, ella insiste en esperar las escasas tres semanas que restan para dar a luz)...

En otro vértice de este particular romance se encuentra Vivian, suegra dominante, manipuladora y adicta al control, traumatizada hasta tal punto por la muerte de su hijo que intenta recuperar la maternidad perdida arrebatando a su nuera el fruto de sus entrañas, sin que en su enfermiza obsesión repare en cuestiones éticas de índole alguna.

Cierra la relación a tres Patricia (Samantha Ferris, ahora popular gracias a la conocida serie Sobrenatural), obstetra de Madeleine y amiga personal, preocupada por ella hasta límites más allá de la mera amistad, una relación más estrecha en su pasado que queda sugerida en el transcurso de la historia pero que, finalmente, no termina en definirse…

Eje central del relato, elemento cohesionador, tenemos a Grace y su especial filia, nacida muerta y milagrosamente devuelta a la vida contra cualquier pronóstico racional, y es aquí donde entran en juego los conflictos de las protagonistas: el de una obsesionada madre (estupenda interpretación de Jordan Ladd), dividida entre preservar sus convicciones éticas y morales o preservar y proteger la existencia de su ansiada hija y su particular apetito; el de Vivian, cuya obsesión es la de apropiarse de la niña sin reparar en consideración alguna; por último, el instinto de protección de la amiga/amante de la recién parida, cuya implicación se revela al final de la cinta con un particular relevo de roles.

Con un ritmo pausado, tanto que a veces raya en lo desesperante (la inacción imperante puede llevar a la conclusión a más de algún impaciente espectador y aficionado al género de que en esta historia poco o nada ocurre), su realizador nos construye un interesante relato de mujeres, sus historias interrelacionadas, sórdidas, atípicas, malsanas, en una extraña pero estimulante fábula que de seguro (y así lo está haciendo) no dejará indiferente a nadie, tanto para bien como para mal. El argumento, próximo a otro título memorable dentro del género, Baby Blood, si bien a priori puede evocar dichas imágenes pronto se aleja de dicha base para entrar en una visión bastante más personalista, más íntima, menos provista de humor y, por qué no decirlo, con aires de pretenciosidad (propios de una ópera prima, pero que sería de muchas carreras cinematográficas sin ese poco de ambición)...

Cómo apunte final, y gracias al equipo de ShockTillYouDrop.com os traemos un extra: el corto galardonado de Solet de mismo título que sirvió de inspiración al entrañable largo de su realizador, un director a quien tendremos que seguir muy de cerca a partir de ahora.

Pedro García










Crítica: 500 Dias Juntos Una de las 10 mejores películas del año




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: (500) Days of Summer
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Marc Webb
GUIÓN: Scott Neustadter, Michael H. Weber
MUSICA: Mychael Danna, Rob Simonsen
REPARTO: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher, Rachel Boston, Minka Kelly, Charles Walker
PRODUCTORA: Fox Searchlight Pictures
GENERO: Comedia Romantica.

WEB OFICIAL: www.500diasjuntos.es

ARGUMENTO

El protagonista de la película es Gordon-Lewit (Tom), un joven que se enamora perdidamente de una chica (Zooey Deschanel). Lamentablemente para él, ella no cree en el amor...

TRAILER

CRÍTICA

Chico conoce chica. Chico se enamora de la chica. Y aquí acaba cualquier paralelismo con la clásica comedia romántica a la que Hollywood nos tiene acostumbrados. Porque 500 Días Juntos, es una comedia romántica sí, pero una comedia romántica atípica.


Nunca he sido partidario de este género más allá de los clásicos de Billy Wilder y de obras más recientes como Algo Para Recordar, por eso me produce un cosquilleo penetrante encontrarme con una producción tan diferente que derrumba los convencionalismos del género mediante una historia tópica que se desvela grandilocuente, rompedora y sensible a medida que pasan los minutos.

Porque 500 Días Juntos no nos habla de cómo surge el amor entre un hombre y una mujer, nos habla de porqué no funciona esa relación, y nos lo dicen desde el principio. Resulta arriesgado comenzar una película desvelando el final, pero ahí está su gran logro, darnos el postre de la función desde el principio para luego ir ofreciéndonos el resto de platos que le preceden, y lo hace de manera original.

Mediante continuos flashbacks y flashfowards, Marc Webb nos desmenuza cautelosamente pero sin ningún tipo de engaños la hermosa pero al mismo tiempo complicada relación amorosa entre Tom y Summer. Dos personajes completamente opuestos, con un sentido de la vida único y una visión del amor absolutamente antagónicas que terminan por deconstruir el mito de un sentimiento tan humano.

Y lo hace con profundidad, sin movimientos tramposos, con sinceridad, sin engañar al espectador y de una manera tan natural que duele. No le cuesta al director pasar de la comedia más entrañable al drama más lacrimógeno sin que por ello el conjunto se resienta, y eso es algo muy difícil en un género tan propicio a caer en banalidades que poco o nada aportan al argumento general del filme.


Cuanto odio pero amor hay guardado en el guión, que maneja algunas perlas impecables dentro de este mar tan trillado y que no guarda sorpresas mayúsculas pero que resulta entrañable y por momentos brillante.

La calidad que el realizador atesora se manifiesta desde los títulos de crédito, donde demuestra que sabe manejar el material que tiene entre manos, y lo más importante, sabe dirigir a dos actores, Joseph Gordon-Levitt y Zoey Deschannel que están más impecables que nunca y que confirman una vez más su talento a pesar de los traspiés que han dado en el cine más comercial (GI JOE él, El Incidente ella). Un talento que sería justo ser reconocido mediante las oportunas nominaciones al Oscar, nominaciones más que justas y necesarias para reconocer la enorme labor que realizan, una labor de actores clásicos, de conocimiento mútuo, que se reproduce en la pantalla con una química tan desbordada y desbordante, que convierten cada plano que comparten en un halo de realidad ilimitada.

Pero sería injusto no citar al excelente reparto de secundarios que los acompañan, especialmente la niña Chloe Moretz, una especie de psicóloga que nos regala algunos de los momentos más divertidos del filme.

No nos engañemos, esta no es una historia para reírse a carcajada limpia, tampoco es una historia que busque sacar los kleenex a las primeras de cambio, esta es una historia, para sentirla, una historia que acaricia tu piel y se queda en la memoria como un pequeño goce intemporal. Esta es una película independiente que a uno le hace recuperar la fe en ese cine que tiene algo que contarnos, pero principalmente, que tiene algo que transmitirnos, porque lo que transmite 500 Días Juntos, hacía años que no lo transmitía una película de similares características.


Es por ello que debemos concluir que estamos ante una de las obras más sensibles y refrescantes del año, una de las mejores películas del 2009, que con justicia enamoró en el festival de Sundance, una pequeña revelación que debe ser degustada como las grandes películas, con pasión, con paciencia y sobre todo con amor, porque 500 Días Juntos es la comedia romántica que necesitábamos. Una pequeña maravilla que se engancha en el corazón para no soltarlo. Lo dicho, una de las 10 mejores películas del año. Imprescindible.

Javier Moreno










Crítica: 9 (Nine)




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: 9 (Number Nine)
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Shane Acker
GUIÓN: Shane Acker, Ben Gluck, Pamela Pettler
MUSICA: Deborah Lurie
REPARTO: Animación
PRODUCTORA: Focus Features; Productores: Tim Burton & Timur Bekmambetov
GENERO: Animación. Aventuras. WEB OFICIAL: www.numero9-lapelicula.es




ARGUMENTO

Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización. La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse. El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.

Con un grupo tan reducido, estas creaciones "stitchpunk" ("residuopunk", derivado de la corriente "steampunk") deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente... Acker ha desarrollado este largometraje a partir de un corto suyo de idéntico título que recibió una nominación al Oscar® en 2006. Producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov.

TRAILER

CRÍTICA




Todos recordaremos un título de animación atribuido a Tim Burton aunque no estuviese directamente dirigido por él mismo (aunque su implicación en el proyecto fuese cuasi-absoluta); me refiero, claro está, a Pesadilla antes de Navidad, un clásico de la animación moderna que se constituye como una joya y obra de arte por méritos de su director, el especialista Henry Sellick (Los Mundos de Coraline, James y el Melocotón Gigante) y su estupendo equipo de stop-motion. Pues bien, de seguro este título producido asimismo por el de Burbank no será tan próximamente identificado con su imaginario sino con el de su artífice, Shane Acker, un joven animador de Illinois que finalmente vio su galardonado corto 9 transformado en largometraje de la mano de uno de los artistas visuales más relevantes del Hollywood actual (pese a quien le pese).

Su postapocalíptica historia comienza cuando el protagonista de esta fábula, un animado híbrido hijo putativo de los alegres muñecos de trapo de Little Big Planet, 9, despierta y encuentra una serie de papeles y un extraño artefacto cerca del inerte cuerpo sin vida de un anciano. Desde ese momento su único objetivo es saber cómo ha llegado allí, cuál es la razón de su existencia, entroncando con la eterna cuestión, el carpe diem vital de todo ser pensante.

En su periplo se topará con seres semejantes a él, casi todos subyugados por las imposiciones de 1 y su aguerrido guardaespaldas 8, que temen enfrentarse a las temibles criaturas que diezman al grupo. Buscando respuestas, 9 despertará al más terrorífico de los cibernéticos horrores, causante de la destrucción de su antiguo mundo, la gran máquina voraz y destructiva que extendió su plaga por la ahora baldía Tierra. ¿Descunrirá nuestro amigo de trapo el secreto que derrote a su monstruoso adversario salvaguardando su existencia y la de sus recién descubiertos aliados?

Un espectáculo de imaginación desbordante el del debutante en el territorio del largo Acker. Un cuidado diseño artístico que se deja ver en cada detalle, por simple que este sea, ampliando el espectro de personajes que ya apuntase el realizador en su corto, dotando a cada caracter de personalidad y, porque no decirlo, emulando al científico del inicio de nuestra historia, un Geppeto que insufla de vida a un hijo que emprende un viaje iniciático hacia la vida adulta, enfrentándose en su devenir con decisiones cruciales, responsabilidades, el amor, la muerte, resumiendo, todo lo que da sentido y lo que se lo quita a la misma existencia, la esencia de lo que conocemos por Vida.

Y no es casual que el autor escoja nueve personajes, nueve características, nueve entidades para narrar esta pequeña gran aventura. La conocida "música de las Esferas" que promulgó Pitágoras, la vibración planetaria, la sincronía universal poseía según el matemático y filósofo griego traducción numérica, un armónico compuesto por nueve números, nueve dígitos que poseen en si mismos un principio activo, principio que en su aspecto humano determinaría la relación de nuestra vida y mente con la naturaleza, la relación existente entre los seres y el Universo... Quizás un tema demasiado profundo para un argumento que pretende destinarse a un público amplio (y que no obstante logra parcialmente al conseguir una calificación de no recomendada para menores de 13 en su país de origen).

Es en el tempo y en las relaciones entre los personajes donde la cinta queda un tanto desangelada (quizás al ser muñecos de trapo nos sea difícil acercarnos al sentir de los personajes) y algún que otro declive en el ritmo narrativo. Con un claro mensaje naturalista, antibelicista y contrario a la mecanización e industrialización masivos y globales que entronca con la tradición de la animación nipona de Ghibli y su máximo responsable Miyazaki (7, la valerosa guerrera doblada por Jennifer Connely en su versión original recuerda en su actitud e incluso en sus movimientos a Mononoke en todo momento), 9 se vertebra como un imaginativo viaje, interesante en su planteamiento pero no así en su resolución, un tanto confusa en su desenlace, pero no así exenta de atractivos, sin olvidar sus múltiples referencias literarias y cinematográficas (aparte de la mencionada Pinocho, poderosa la influencia de La Guerra de los Mundos o, por qué no, del Toy Story del Lasseter de Pixar).

Una firme candidata para convertirse en la película de estas navidades y que merece la pena de ser disfrutada en pantalla grande. Así que papis y mamis, prescindan de la opción de cine en casa y acérquense a las salas, no se arrepentirán.

Pedro García










Crítica: Pandorum Terrorificamente nefasta




FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Pandorum
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Christian Alvart
GUIÓN: Christian Alvart, Travis Milloy
MUSICA:Michl Britsch
REPARTO: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet, Norman Reedus, Cung Le, Niels-Bruno Schmidt, Yangzom Brauen, Alessija Lause
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Alemania; Constantin Film Produktion / Overture Films / Alliance Films
GENERO: Terror

WEB OFICIAL: www.pandorummovie.com

ARGUMENTO

Dos miembros de la tripulación de una nave espacial, el Teniente Payton (Dennis Quaid) y el Cabo Bower (Ben Foster), se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes. Conforme se adentren en las zonas más profundas de la nave, descubrirán que no están solos, y desvelarán el terrible misterio que rodea la desaparición del resto de la tripulación y de los pasajeros. Pronto se darán cuenta de que mantenerse con vida es mucho más importante de lo que puedan imaginarse: es el único modo de evitar la extinción de la raza humana.

TRAILER

CRÍTICA

Lo mejor de Pandorum es sin duda alguna los carteles que se han ido presentando en los últimos meses.

Porque mas allá de esa intensa y atractiva promoción, la película no ofrece más que un sinfín de referencias al terror y a la ciencia ficción que podría llevarnos todo el día enumerarlas: Desde Alien hasta Horizonte Final, pasando por el videojuego Dead Space, Resident Evil, Saw, The Descent y un montón de producciones más que están pasadas por la batidora tan incompetentemente que uno siente vergüenza ajena al asistir a esta proyección.


La historia trata sobre un par de tipos que despiertan de su hibernación en la nave sin saber qué demonios ha pasado y porque no hay nadie más en ella. Y nos meten unas criaturas que dios sabe de dónde han salido y que nos importa bien poco.

Y el director pretende hacer con estos elementos una competente historia de ciencia ficción y terror y se da con un canto en los dientes ante su nula capacidad como realizador.

Porque lamentablemente Pandorum es un filme infame que prometía sus buenos momentos en un tráiler atractivo y que resulta de una bajeza moral tal, que Christian Alvart debería exiliarse en la Antartida y no volver a dirigir nunca más, o mejor, debería pedir perdón por esta película a los espectadores y devolver reverencialmente el dinero de la entrada para así redimirse de sus pecados.

Narrada con pulso epiléptico y con planos constantemente oscuros, sus pretensiones terroríficas caen en saco roto, porque la película ni mantiene la tensión, ni mantiene el interés, ni mantiene la atención del espectador, que bosteza en cada uno de los 100 interminables minutos con los que osan torturarnos.

Intenta plantearnos una historia de ciencia ficción que nos engancha los primeros cinco minutos pero por la cual perdemos cualquier interés, y nos invita vehementemente a echarnos una siesta en la butaca donde soñaremos con alguna película probablemente superior a la que intentan vendernos.



Y todo ello adornado con unos actores que nos importan bien poco, con Dennis Quaid que conoció épocas mejores y un par de jóvenes actores que levantarán la lívido de las adolescentes pero que a cualquier hombre hecho y derecho le gustaría fusilar con una M4 para descargar toda la ira acumulada durante la proyección.

Finaliza la película y uno siente el alivio de que la tortura haya terminado y que esas ansias de suicidarse hayan desaparecido, porque hacía mucho, mucho tiempo que no veíamos una obra de ciencia ficción / terror tan nefasta, tan incompetente y tan estúpida como la que nos han presentado.

Podría, quizás debería, seguir sacándole defectos a este producto, como esos monstruitos de palo en secuencias de acción mareantes e insípidas, para que todo incauto con cierto interés en verla, se piense dos veces en que gastarse su dinero, debería hablar de esa nave, ese escenario plagio de la Nostromo que ni causa claustrofobia ni causa nada que no sea sueño, pero demonios, si sigo hablando de este esperpento probablemente acabaré vomitando el desayuno, la comida y cena de los últimos dos meses. Si alguien desea verla, bajo su cuenta y riesgo, servidor no se hace responsable de los problemas mentales causados por su visión. Avisados estáis.

Javier Moreno