The Lost View

Primer trailer de la nueva Furia de Titanes Espectaculares imágenes del remake

2009-11-12T07:38:00.002Z

Gracias a Dred Central disponemos del teaser trailer de la revisitación de Louis Leterrier (El Increíble Hulk, Transporter 2) del clásico de aventuras mitológicas Clash of the Titans, protagonizado por el Terminator Sam Worthington como un Perseo con menos rizos que el original, Liam Neeson como Zeus y Ralph Fiennes como Hades, entre otros.

¿En España? Para marzo del 2010. Para abrir boca, el trailer en cuestión:

El origen de los Gremlins Una aproximación al mito

2009-11-09T11:23:00.004Z

Al escuchar la palabra Gremlin a más de una generación le vendrá a la memoria esa horda de pequeños demonios verdes que disfrutaban haciendo maldades y esparciendo el caos a su paso, según los imaginó Joe Dante allá por 1984... Pero, ¿cúal es la verdadera historia detrás de estos pequeños seres?¿qué esconde verdaderamente el mito de los gremlins?

Podemos encontrar el origen de las criaturas en la tradición del folklore sajón, que describía a éstas como diablillos con afición a la mecánica, estrechamente ligados al mundo de la aviación. En efecto, cuando algún problema afectaba a los aviones, recaía la responsabilidad sobre estos pequeños saboteadores. De hecho, el origen de su nombre según apuntan algunas fuentes deriva del antiguo término británico "gremian"(reventar, fastidiar, enojar), aunque otras apuntan al verbo germano "griemelen/ grimmelen/ gremelen" ( ) o a la palabra de origen gaélico "gruaimin" (pequeño malhumorado). También se acuñó en 1961 en el argot del surf el término Gremlin para referirse al joven inexperto que es un completo incordio para otros surfistas. Orígenes etimológicos aparte, si que es cierto que desde la Segunda Guerra Mundial estas fantásticas entidades han sido avistadas por muchos...

Un poco de historia

El término "gremlin" se comenzó a utilizar en el argot de los aviadores de la Royal Air Force (RAF) en Malta, Oriente Medio e India, y la primera referencia escrita que existe de ellos aparece en un poema publicado en el diario Aeroplane, en Malta (abril de 1929).

La creencia de los pequeños engendros saboteaban los artefactos aéreos se popularizó durante la Segunda Guerra Mundial entre los hombres de la RAF británica, en concreto entre el personal de las Unidades de Reconocimiento Fotográfico (PRU) de la RAF Benson, RAF Wick y RAF St Eval. Las criaturas eran responsables de todas aquellos accidentes inexplicables que ocurrían durante el vuelo, y se les suponía cierta afinidad con el enemigo, hecho que era discutible, ya que las investigaciones revelaron que la flota antagonista sufría similares percances. En esta carta fechada en noviembre del 43 un piloto bromea al escribir a su novia con un curioso dibujo de un gremlin chino (ya que solo blasfemaba una de cada cuatro palabras) que tenía la intención de enrolarse en el ejército de tierra...

Como tales, los gremlins ocasionaban de igual manera problemas a ambos frentes, no tomando partido en el conflicto, actuando sólo según sus propios intereses, aunque la mayoría de las veces era la manera más fácil de escurrir el bulto o la excusa perfecta, como bien apuntó el experto en folklore John Hazen cuando dijo "el gremlin ha sido producto de la época de la maquinaria aérea." Muchos de los pilotos comenzaron a llevar consigo pequeños muñecos de trapo emulando "gremlins bondadosos" como protección ante los dañinos ataques de los malévolos seres.

Una referencia temprana al Gremlin es un artículo de Hubert Griffith en la publicación quincenal de la RAF del 18 de abril de 1942, donde testimonios de pilotos los describían como seres que "aparecían de entre las nubes y caían en picado sobre el morro del avión", incluso estableciendo diferentes tipos de gremlins (los comunes y los de altura, que actuaban a la altitud de 10.000 pies, siendo los más peligrosos). Si bien el texto pone de manifiesto la existencia de esas historias, su existencia se conocía desde largo tiempo atrás y que ya se recogían en la batalla de los spitfire británicos allá por 1940. Otras fuentes aseveran que los testimonios se remontan a la Primera Guerra Mundial, pero no existe constancia gráfica alguna.

La siguiente historia de John Larming, piloto de la época, es ilustrativa de la relidad tras del "mito" de las criaturillas:

"Comencé a oir hablar sobre los Gremlins cuando tenía ocho años. Corría el año 1940 y la batalla de Inglaterra se disputaba sobre Kent. Mi viejo tío Alf me habló sobre ellos. La historia se la había contado un piloto de la RAF en el pub de nuestro pueblo que se hallaba recuperando de un accidente causado por los gremlins que habían saboteado su sistema de combustible de spitfire.

Los gremlins aparentemente eran un fenómeno británico, aunque como veremos después existen evidencias de que algunos habrían viajado a Australia tras la guerra. Curiosamente parecía que sentían cierta predisposición por lo aparatos británicos, ya que no existían informes de gremlins americanos que causasen problemas.

Su descubrimiento se produjo por los pilotos de las Unidades de Reconocimiento Fotográfico de la RAF que tripulaban Spitfires y Mosquitos desarmados a gran altitud en misiones sobre territorio enemigo. Su presencia causaba gran alarma, y una señal se transmitía a todas las unidades de la RAF, y se publicó en sus boletines en forma de verso que se fue convirtiendo en una melodía familiar para todos, algo como esto:

Esta es la historia de los Gremlins

como la cuenta la PRU

en Benson y Wick y St Eval-

y créeme, patán, es cierta.

Cuando estés a siete millas de altura en el cielo,

(Lo que es un infierno de soledad)
y estés a cincuenta bajo cero,
lo que no es precisamente calor.

Cuando estés congelado y azul como tu Spitfire,
y tu miedo como un Mosquito rosado.
Cuando estés a miles de millas de ninguna parte,
y no haya nada más debajo que la bebida.

Entonces verás a los Gremlins,

Verdes, amarillentos y dorados,
masculinos, femeninos, asexuados,

Gremlins jóvenes y también viejos.

No es bueno intentar esquivarles,

lo que has aprendido en la base

no te ayudará a librarte de un Gremlin,
aunque te eleves, bajes o zigzaguees.

El blanco meneará la punta de tus alas,

los machos removerán tus mapas,
los verdes se beberán tu anticongelante,
las hembras agitarán tus alerones.

Los rosas se subirán a tu impermeable,

y harán piruetas sobre tu hélice,

hay un gremlin redondo de mediana edad,

que girará sobre tu cola como una peonza.

Congelarán los objetivos de tu cámara,

Masticarán los cables de tu alerón,

doblarán, romperán y destrozarán,

meterán horquillas de tostar entre tus llantas.

Y esa es la historia de los Gremlins,

como la cuenta la PRU,
(P)robablemente (R)ara e in(U)sual para muchos,
pero un hecho, a pesar de todo, para unos pocos.

Cuando crecí y me hice un hombre en la RAAF aún arrastraba esas infantiles creencias. Hasta aquel día en las pistas de Townsville. Sería por 1960, y me encontraba sirviendo en el décimo escuadrón pilotando un Lincoln, además de ser instructor cualificado del escuadrón. Lo que en la jerga aérea de 1997 se considera un capitán de Instrucción y Control. El Lincoln era una versión más potente y voluminosa del bombardero Lancaster británico. Estaba equipado con cuatro motores Rolls Royce Merlin refrigerados, y en los que volábamos teníamos una sección de morro que contenía operadores de radio para localizar submarinos extranjeros.

En esos días era una prioridad localizar tu submarino. Una vez lo localizabas identificando su periscopio (los radares eran inútiles a más de cinco millas) lo siguiente era dejar caer unos mecanismos de escucha llamados sonobalizas cerca del submarino, e intentar determinar su rumbo bajo el océano. Para ese entonces el submarino ya se había sumergido e intentábamos arruinarles el día lanzándoles un carísimo torpedo detector de sonido. Los últimos submarinos rusos se ganaron la fama de escapar a nuestros torpedos.

Como la mayoría de los aviones multi-motor, el Lincoln poseía cuatro hélices totalmente funcionales para minimizar los problemas por si un motor fallaba, existiendo cuatro botones de encendido en los controles, uno para cada motor. Durante los test en tierra antes del despegue, cada botón se activaba momentáneamente para comprobar que el sistema funcionaba. Una vez la hélice perdía velocidad indicando su correcto funcionamiento, el piloto podía interrumpir la prueba pulsando nuevamente el botón. La hélice se activaría de nuevo y el test se repetía con el resto de motores. El proceso completo llevaba unos 15 segundos.

Una mañana se me acercó un mecánico que se quejaba de que, durante una inspección periódica, había pulsado uno de los botones de arranque de uno de los motores para comprobar su funcionalidad, encendiéndose todos los impulsores a la vez.

Si esto era cierto, las implicaciones serían temibles. Suponía que si un motor fallaba durante el vuelo y el piloto tenía que activar las hélices, existía la posibilidad de que un fallo eléctrico pudiese provocar que los cuatro motores se parasen - al pulsar un sólo botón. Este gremlin sin duda era la más peligrosa de las criaturas de la que no tuvimos conocimiento alguno en Australia.

Pensé que el mecánico se estaba quedando conmigo hasta que se apostó 10 libras a que podía reproducir el fallo. Fuimos hasta la línea de despegue donde el Lincoln nos esperaba, y pude oir los suaves chasquidos emitidos por el sistema refrigerador bajo las toberas del motor, ya que se encontraban enfriando desde las pruebas previas. Allí estaba el habitual olor del refrigerante caliente, y bocanadas de calor emanaban de lo alto de los plateados ventiladores.

Superábamos los cuarenta grados en pista, e incluso hacía más calor en la cabina acristalada del piloto. Las calzas estaban en su sitio y subimos por la escala hasta la trampilla del morro - la entrada principal para la tripulación. El enorme cárter diesel vomitó una nube de humo negro tan pronto el mecánico encendió el motor de estribor interno (el número 3), luego el externo, seguido de los otros dos motores de babor. Con los cuatro Merlins a 1500 revoluciones por minuto vimos que todo estaba conforme para revisar el sistema de impulsión.

Entonces el mecánico comprobó el sistema de impulsión de cada motor encendiéndolo momentáneamente presionando cada botón de encendido y posteriormente apagándolo. hasta ahí todo era normal. Entonces me dijo que escogiese cualquier botón de arranque y lo pulsase - pero con la condición de que una vez el despliegue de las hélices hubiese comenzado, el botón habría de ser presionado hasta 3 milímetros de su posición normal. Elegí el botón y lo pulsé.

La hélice comenzó a desplegarse normalmente. Tras el reinicio, con la hélice volviendo a su posición de descanso, aligeré la presión del botón suavemente apenas una pizca - como el mecánico me había dicho. Nada ocurrió y mirándole le dije, "¿y ahora qué?". Me dijo entonces que desplegase cualquiera de otras las hélices. Cerrando los ojos apreté al azar uno de los botones.

Para mi sorpresa las hélices de los cuatro motores comenzaron rápidamente a desplegarse. "Son diez libras, por favor" solicitó el mecánico...

Intentamos varias combinaciones pulsando el botón y en algunas se reproducía el fallo.

Los botones de rearme de las hélices estaban protegidos contra la más mínima vibración por un entramado metálico que cubría el panel de rearme. Cada botón poseía además una luz de aviso de encendido situada encima de él, que podía cubrirse por la noche con una pequeña barra deslizante. Probando, nos dimos cuenta de que si la barra entraba en contacto con el entramado protector, podíamos desplegar las cuatro hélices con un solo botón. No pudimos reproducir el mismo fallo en los otros Lincolns, así que claramente un gremlin habitaba el sistema de despliegue del primer Lincoln. O en los otros permanecían dormidos, ¿sólo para propiciar el caos en una oscura noche?

Por lo pronto me encontraba 10 libras más pobre, así que decidí visitar la oficina del Comandante para apostarle que por 20 libras sería capaz de apagar cuatro motores de un soplido. A punto estuvo de llamar a los loqueros para que se me llevasen cuando se dio cuenta de que hablaba en serio.

Después de explicarle lo que había visto, me acompañó al Lincoln para una demostración. Para nuestra desilusión, ni el mecánico ni yo pudimos repetir el fallo. Conseguimos, no obstante, que una llamarada saliese de la tobera del exhausto motor interior de babor, debido a mi insistencia sobre el ya recalentado motor. Como el comandante estaba sobre la cabina a diez pies de las llamas, comenzó a ponerse nervioso y se dispuso a abandonar el avión por la trampilla del morro, cuando el motor arrancó extinguiendo el fuego.

El mecánico hizó un último intento con los botones, cuando un repentino sonido apagado procedente de los motores reveló que las revoluciones estaban reduciéndose rápidamente. Como rápidamente me embolsé aquellas 20, desapareciendo el comandante al instante para concertar una apresurada entrevista con el oficial de ingeniería.

Semanas más tarde, mientras se llevaba a cabo la investigación, se descubrió que una seria corrosión afectaba al armazón principal de las alas de todos los Lincolns de la flota RAAF. La decisión fue la de retirarlos. La mayoría se vendieron como chatarra, mientras que algunos se utilizaron para prácticas de tiro. la investigación se canceló y por lo que a mi se refería eso fue el final de la historia. ¿Lo fue?

En abril de 1996, 35 años después de que los Lincoln cayesen en desuso, hojeando el diario de Sydney mientras esperaba un corte de pelo, encontré la historia del único superviviente de un accidente de un Lancaster en tiempos de guerra en el año 1942. Recordando su experiencia, contaba:

"Era una noche con poca densidad de vuelos en Alemania, pero surgió un problema al norte de Francia. Por alguna razón un motor se paró. El piloto le dijo al ingeniero que lo rearmase. Pulsó el botón para reactivar la hélice y los cuatro motores se apagaron. Sin más que un depósito repleto de combustible nos precipitamos al vacío.

Me lancé con el paracaídas a través de la escotilla... el avión se precipitó sobre una pequeña colina y se estrelló".

Tiempo después contacté con el superviviente, Chris Jarrett, que vivía en Nuevo Gales (Australia) en una casita de campo. Me confirmó la veracidad de la historia de la revista. Cuatro días antes del fatídico vuelo el Lancaster había aterrizado de panza, y el compartimiento del depósito había resultado dañado. Después de las reparaciones se buscó un nueva nueva bomba de combustible para el Lancaster, pero muchas fallaron. Obviamente existía un problema eléctrico, y Jarret pensó que el fallo del rearme de las hélices en ese vuelo fue debido a un fallo en el cableado debido a aquella reparación.

Unos meses después de hablar con el superviviente del Lancaster leí un libro titulado "El vuelo del Halifax" (el Halifax fue otro bombardero de la RAF) escrito por el capitán Geoff Wikner que había tripulado 67 tipos de avión durante la guerra.

En la página 144 me sorprendió leer la siguiente descripción de un vuelo de traslado que el capitán Wikner realizase a bordo de un Lancaster:

"El 3 de agosto de 1944, tuve el encargo de entregar un Lancaster No.13/455/c (un número que nunca olvidaré) de Strathaven a Scampton, con el ingeniero jefe Gillespie. Sus funciones incluían la revisión del instrumental de navegación, el cambio de los depósitos de combustible y asegurarse de que las hélices se desplegasen y desarmasen cuando fuese necesario. A veces el interruptor que controlaba el despliegue de las hélices de los motores se solía atascar haciendo que el motor se revolucionase en exceso. Para corregir esto el ingeniero situaba dos dedos bajo el botón de rearme empujándolo hasta alcanzar las revoluciones adecuadas. También estaba allí para desplegar cualquier hélice que se parase.

Todo fue como la seda durante el comienzo del vuelo. Con el cielo despejado y buena visibilidad creí que era buen momento para comprobar las rutinas de hélices con el ingeniero.

Volábamos a una altura de 3000 pies y nos aproximábamos a nuestro destino. La hélice de estribor, la No.4, estaba armada de acuerdo al procedimiento. Los motores No.1 y 2 se aceleraron hasta 2600 rpm y siete libras de potencia. La hélice del No.3 se encontraba desplegada correctamente con la aeronave inclinada al máximo hacia babor. Volabamos en ese momento con dos motores.

En menos de un minuto ordené a Gillespie que replegase la hélice del No.3 sin quitarle ojo de encima. Conectó la bomba principal de combustible y puso su pulgar sobre el botón del No.3, presionándolo. Me observaba el contador de las revoluciones cuando sentí un brusco vaivén a babor. Miré hacia fuera justo a tiempo para ver como las hélices se desplegaban parándose. El No.3 seguía sin armarse y tampoco se encendía. Entonces Gillespie rearmó el No.4, el motor funcionó durante unos momentos hasta que se interrumpió con una sonora explosión debido a la falta de combustible. Mientras sucedía esto el No.3 se desplegó por propia voluntad. La situación: no tener ningún motor funcional y controlar un enorme planeador de cerca de 30 toneladas. El viento silbaba a nuestro alrededor y el timón de poco servía.

Replegué las hélices del No.1 y el 2 y pedí a Gillespie que conectase las bombas del inyector de combustible y cambiase los depósitos. Mientras hacía esto se me ocurrió que Gillespie intentase replegar las hélices del No.3 y el No.1. se desplegó solo. Sumado a todas estas maniobras intentaba difícilmente mantener un rumbo fijo, virando el timón a un lado y al otro para equilibrar nuestra dirección. Finalmente conseguimos replegar el motor No.1 haciéndole funcionar- lo que me daba dos motores operativos en babor y dos completamente muertos en estribor.

El aeródromo de Skellingthorpe estaba ya cercano. Decidí dejar las hélices como estaban ya que temíamos que se desplegasen de nuevo a la vez, y nos dispusimos a aterrizar. Me aproximé desde considerable altura y a bastante velocidad, balanceando la cola del avión intentando así reducir nuestra velocidad, para finalmente tomar tierra sin percances. Cuando el avión frenó, los cuatro motores se encontraban apagados. Me aproximé hasta el área de revisión donde comprobé cada motor que funcionaba a la perfección. Más tarde el personal de tierra realizó las mismas maniobras de despliegue que yo había practicado durante el vuelo sin encontrar defecto alguno. El avión se puso bajo vigilancia, y un piloto de pruebas de la A.V.Roe, el fabricante, fue enviado para realizar la entrega. Tan pronto escuché todas aquellas buenas noticias respondí que poco me importaba si el mismo Jesucristo tripulaba ese avión pero que nunca me volvería a subir allí.

Nunca supe que causó el problema así que supuse que se silenció. Después de mi experiencia, sabía que cuatro Lancasters se habían estrellado en épocas distintas y que todos sus tripulantes habían muerto, y que los investigadores encontraron las hélices desplegadas.

Devolví el libro a la librería donde lo había tomado prestado y adquirí una copia de "Flight International". Encontré un artículo sobre el único Lancaster en uso, tripulado por en homenajes por la RAF Battle Britain Memorial en Coningsby (Lincolnshire). Comencé a fantasear sobre los gremlins que una vez habitaron los sistemas de encendido de los Avro Lincolns y Lancasters. Sabía que ambos modelos habían sido fabricados por la misma empresa inglesa, al igual que los Lincolns que había tripulado en Melbourne. De seguro esos gremlins llevaban muertos y enterrados hace tiempo - después de todo había pasado más de medio siglo desde que aquellas mortíferas criaturas llegasen ha Inglaterra, y 35 años desde mi propia experiencia en Townsville.

Decidí escribir a la Comandancia de la batalla británica sobre mi experiencia con el funcionamiento de los cuatro motores del Lincoln en 1960. Sentí que si no les avisaba, por mi conocimiento, el misterio nunca se resolvería. Como el suyo era el último Lancaster, quizás podrían echarle un vistazo más detallado detrás del tablero de control. Incluí la historia del único superviviente del accidente del Lancaster, más el extracto del libro del capitán Wikner y su vivencia con el Lancaster No. 13/455/c. Decidí no mencionarle mi sospecha acerca de los gremlins. De todas maneras no me creería, ya que era demasiado joven para saber de aquello, y aparte temí que se viese obligado a llamar a esos amable jóvenes de batas blancas para que me internasen.

El 7 de agosto de 1996, recibí la siguiente carta dirigida al Jefe de Escuadrón John Laming AFC RAAF (Retirado):

" Estimado Jefe de Escuadrón,

Gracias por su carta del 24 de julio sobre los impulsores de los motores del Lancaster. El Jefe de Escuadrón Paul Day, OC BBMF me ha remitido su misiva para que le conteste. Pensé que sería mejor comunicarle la recepción de la misma, ya que nos llevará tiempo el recibir las opiniones de nuestros mecánicos, electricistas y personal aéreo, ya que algunos de ellos pertenecen a otras unidades.

Entretanto, le envío una copia de nuestro número de 1996. Gracias por su interés y me pondré en contacto de nuevo en una semana o así."

Atentamente, L.Sutton (Oficial Warrant).

Y han pasado más de seis meses desde que esa carta llegase y no he tenido aún noticia alguna.

Pero, un momento... hay una ambulancia ante mi casa y unos simpáticos jóvenes vestidos de blanco se acercan a mi puerta..."

Roal Dahl y los Gremlins

Se considera que el escritor Roald Dahl, autor después de conocidas historias para todos los públicos (Charlie y la Fábrica de Chocolate, James y el melocotón Gigante, Matilda...) fue el primero en dar a conocer a estos bichejos fuera del entorno de las fuerzas aéreas. Según se sabe entró en contacto con el mito cuando cumplía su servicio militar en el 80º escuadrón de la RFA en Oriente Medio, de hecho tuvo la poca fortuna de experimentar un aterrizaje forzoso en el desierto libio. En enero del 42 fue trasladado a Washington, D.C. como ayudante adjunto, donde escribió la novela Los Gremlins, en la que llamaba a los gremlins masculinos "widgets" y a los femeninos "fifinellas", estas últimas adoptadas como mascota por la división aérea femenina (WASP) durante la Segunda Guerra Mundial. Dahl mostró el manuscrito finalizado a Sidney Bernstein, jefe del servicio de noticias inglés, que a su vez tuvo la idea de mandárselo a Walt Disney.

La historia llegó a manos de Disney en julio de ese mismo año, y éste consideró hacer una película con dicho material. La película nunca se realizó pero Disney consiguió que la fábula se publicase a finales de ese 1942 en la revista Cosmopolitan. Medio año después una versión revisada se editó como libro ilustrado por la Random House (que 63 años después, en 2006, Dark Horse recuperase en su re-edición). Gracias principalmente a Disney la historia tuvo amplia publicidad, con lo que se consiguió extender el término al gran público. Los números #33-#41 de los comics de Walt Disney's publicados entre junio del 43 y febrero del 44 incluían una serie de 9 historias mudas que tenían como protagonista a Gus, el gremlin. La primera historia fue dibujada por Vivie Risto, ya el resto de la serie por Walt Kelly, acercando a la criatura a los aficionados al cómic.

Mientras Roald Dahl recibía los honores por haber revelado a los gremlins al mundo entero, muchos de los pilotos que regresaban comenzaron a mencionar avistamientos de dichos seres trasteando con sus aparatos. Un tripulante juró haber visto uno antes de que una avería hicise perder altura a su bombardero B-25 Mitchell, provocando su regreso a la base. El mencionado folklorista Hazen asimismo da su testimonio en una reconocida publicación, describiendo como en una ocasión encontró "un cable partido con visibles marcas de dientes en una avería ubicada en la parte más innaccesible del avión". En este punto asegura haber escuchado una voz cavernosa que decía: "¿cuántas veces debo decirte que obedezcas órdenes y no te metas en lo que no sabes hacer? - Así es como se hace." Momento en el que se oyó un nuevo ruido y otro cable partirse...

Los críticos a estas manifestaciones argumentaron que el estrés del combate y las vertiginosas altitudes causaron tales alucinaciones, a menudo creídas por ser un mecanismo mental válido para explicar muchos de los problemas que se presentaban en combate.

Bugs Bunny

En 1943, Bob Clampett dirigiría Falling Hare (Liebre en Picado), un episodio de las Merrie Melodies protagonizado por Bugs Bunny, que recogía la inspiración del libro de Dahl y la idea del proyecto de Disney, siendo una de las primeras historias que presentaron al público al gremlin. En esta historia, Bugs tiene problemas con nuestro travieso gnomo malvado en un campo de aviación. A esta historia le siguió Russian Rhapsody (1944), otro corto animado con Hiltler como protagonista, tripulando un avión que es atacado por numerosos gremlins rusos (Gremlins from the Kremlin).

Gremlins modernos

Un episodio de 1963 de En los Límites de la Realidad ( The Twilight Zone), "Pesadilla a 20.000 pies" (Nightmare at 20.000 feet) dirigido por Richard Donner, mostraba a un gremlin atacando a un avión. este mismo episodio se adaptó en una de las historias contenidas en En Los Límites de la Realidad: La Película (1983). En el episodio original, un pasajero (William Shatner, capitan Kirk en la conocida saga Star Trek) observa aterrorizado como una criatura de aspecto simiesco comienza a destrozar uno de los motores del ala del avión en el que vuela. En el realto de la película, el atormentado pasajero es interpretado magistralmente por John Lightgow, quien finalmente, al igual que Shatner en el original, es considerado demente cuando destroza una de las ventanillas en pleno vuelo para ahuyentar de un disparo a la repulsiva criatura... Esta historia se ha parodiado después en distintas ocasiones:

Un gremlin hace aparición en uno de los especiales de Halloween de Los Simpsons homenajeando al relato de Cuentos Asombrosos (The Twillight Zone) "Pesadilla a 20.000 pies" (de hecho el nombre del episodio es "Terror a cinco pies y medio"), en el que la criatura intenta destrozar la rueda del autobús escolar de Bart.

Otro especial de los Tiny Toon titulado Night Ghoulery (un juego de palabras con Night Gallery, serial por episodios de corte fantástico presentado al igual que The Twillight Zone por Rod Serling) incluye una historia titulada "Gremlin en un ala" que parodia asimismo al mencionado episodio, con una criatura similar a la que aparecía en el corto Falling Hare de 1943.

En Madagascar 2, Alex tiene un sueño en el ve a su pequeño amigo lémur Mort (Alex le llama gremlin) manipulando el ala del avión en el que viajan.

En Ace Ventura 2, el personaje de Jim Carrey parodia a William Shatner en la conocida escena del avión asegurando que "hay algo en el ala" (there is something on the wing).

También en un episodio de la serie de animación Extreme Ghostbusters (Grease) tienen que capturar a un gremlin que está provocando el mal funcionamiento de las máquinas neoyorkinas, y existe una mención directa al episodio de En los Límites de la realidad.

No todos los retratos de estos diablillos se asocian a la aviación. Joe Dante en su película Gremlins y su secuela en los noventa, Gremlins 2: La Nueva Generación nos trajo una imagen de un tierno animalillo de peluche, el mogwai Gizmo, que por contravención de determinadas reglas se reproduce en una serie de criaturas malévolas cuyo único fin era el de provocar el caos, ya fuera en una pequeña ciudad nevada o en un rascacielos de Nueva York.

Posteriormente estos mismos personajes, elevados a la categoría de iconos, han protagonizado múltiples comerciales y han suscitado numerosos homenajes, al igual que poblado todos los rincones de nuestros hogares en formas algunas inimaginables.

Porque, a fin de cuentas, eso es lo que ansiaban estos pequeños engendros, hacerse con el mundo y provocar el caos, antes incluso que el Joker de Nolan.

Así que, no lo olvides, cumple las normas y evitarás el desastre:

-El mogwai no soporta las luces brillantes y no debe recibir luz del Sol, que lo mataría.

-Nunca debe mojar al mogwai.

-Nunca se debe alimentar al mogwai después de la media noche.

Pedro García

Steve Johnson lanza su canal en YouTube

2009-11-06T08:33:00.004Z

Internet como medio de comunicación e interrelación global no conoce fronteras, es cada día más una ventana abierta a múltiples visiones que de otra manera ni llegaríamos tan siquiera a imaginar.

Sirva este prefacio para ilustrar el anuncio de uno de los artistas de maquillaje y efectos especiales más reconocido pero de los menos galardonados en el mundillo, el mago Steve Johnson, discípulo adelantado de otro grande, el maestro Rick Baker, responsables de los efectos de, por poner algún ejemplo, The Abyss, Poltergeist II, Los Cazafantasmas, Pesadilla en Elm Street 4, Blade 2..., que recientemente ha presentado su nuevo canal en YouTube, Steve Johnson's Rubber rules, donde compartirá con todos sus seguidores y aficionados al mundo de los fx su experiencia y más de, atención al dato, más de 100.000 fotografías y 10.000 horas de making of y tomas de prueba, test de iluminación, elaboración de prostéticos, mecánicos, etc.., una auténtica joya y una gran iniciativa por parte de este gran artista (claro que seguramente todo ello derivará del desafortunado cierre de EdgeFx, su criatura).

Os dejamos con el video presentación del canal para abrir boca:

Y en primicia, ya que hace escasas horas se ha publicado, el primero de los videos, la primera parte de la creación de los efectos de Abyss:

Estrenos de la semana: 6 de noviembre

2009-11-05T11:16:00.008Z

Otro jueves, más películas para un fin de semana con bastantes propuestas atractivas, entre las que destacaremos un par: la española Celda 211, que ya se presentón en Sitges y que fue muy gratamente recibida por crítica y público, y The Box, el nuevo trabajo del director de la cult movie Donnie Darko, Richard Kelly. Lasse Hallström, Ventura Pons, Nora Ephron y Jesús Garay completan el resto de la oferta de novedades, junto a, como no, Pandorum, que finalmente decide estrenarse. Pasen y vean.

A la Deriva

Género: Drama Director: Ventura PonsNacionalidad: España Reparto: María Molins, Roger Coma, Fernando Guillén, Marc Cartes, Albert Pérez, Anna Azcona, Mercè Pons, Óscar Rabadán, Oriol Tramvia, Boris Izaguirre

Argumento: Anna es una enfermera de vuelta de un duro trabajo en una ONG en África. Ahora trabaja de noche como guarda de seguridad en un exclusivo centro de salud, un lujoso hotel spa situado en Can Mora de Dalt en Sant Vicenç de Montalt, en el Maresme.

Celda 211

Género: Drama.Thriller Director: Daniel Monzón Nacionalidad: España Reparto: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Manuel Morón, Félix Cubero

Argumento: El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta. El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino...

Eloïse

Género: Drama Director: Jesús Garay Nacionalidad: España Reparto: Diana Gómez, Ariadna Cabrol, Laura Conejero, Bernat Saumell, Carolina Montoya, Miranda Makaroff, Núria Hosta, Eduard Farelo, Jaume Madaula, Pau Herrero

Argumento: Asia, una chica de 18 años, está en el hospital en estado de coma. Su madre y su novio, Nathaniel, la cuidan. Poco a poco iremos viendo los acontecimientos que llevaron a Asia hasta el hospital, sus relaciones con su madre, sus amigas y su novio, y, sobre todo, con Eloïse, una enigmática chica que la introducirá en un mundo de nuevas sensaciones. Con ella, Asia revivirá un doloroso episodio de su pasado, que su madre no está dispuesta a que salga a la luz.

Julie & Julia

Género: Comedia Director: Nora Ephron Nacionalidad: EEUU Reparto: Amy Adams, Meryl Streep, Jane Lynch, Vanessa Ferlito, Lindsay Felton, Dave Annable, Stanley Tucci, Mary Lynn Rajskub, Chris Messina

Argumento: Basada en dos historias reales, la última película de Nora Ephron (Sleepless in Seattle) narra la historia de Julie Powell (Amy Adams), una joven que siente que está desperdiciando su vida y que decide dedicar un año a preparar todas las recetas de “Dominando el Arte de la Cocina Francesa” (Mastering the art of french cooking), clásico libro de cocina de la célebre cocinera Julia Child (Meryl Streep). Así, Julie decide aprender a cocinar a su manera con la legendaria cocinera Julia. Durante el año que supone su experiencia como alumna de Child, escribe cada día sus experiencias en un blog que ganará múltiples adeptos.

Pandorum

Género: Drama Director: Christian Alvart Nacionalidad: EEUU Reparto: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet, Norman Reedus, Cung Le, Niels-Bruno Schmidt, Yangzom Brauen, Alessija Lause

Argumento: Dos miembros de la tripulación de una nave espacial, el Teniente Payton (Dennis Quaid) y el Cabo Bower (Ben Foster), se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes. Conforme se adentren en las zonas más profundas de la nave, descubrirán que no están solos, y desvelarán el terrible misterio que rodea la desaparición del resto de la tripulación y de los pasajeros. Pronto se darán cuenta de que mantenerse con vida es mucho más importante de lo que puedan imaginarse: es el único modo de evitar la extinción de la raza humana.

Siempre a tu lado (Hachiko)

Género: Terror Director: Lasse Hallström Nacionalidad: EEUU Reparto: Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer, Jason Alexander, Cary-Hiroyuki Tagawa, Erick Avari, Davenia McFadden, Robert Capron, Kevin DeCoste, Bates Wilder

Argumento: Remake de la película japonesa Hachiko monogatari, dirigida en 1987 por Seijirô Kôyama. Basada en una historia real, narra la historia de un profesor de universidad que acoje a un perro vagabundo en una estación. Tras recabar información sobre el animal, el profesor descubre que el perro iba a los andenes a diario, desde hacía semanas, para esperar el regreso de su amo, pero éste había muerto en un accidente en la ciudad. Hachiko empezará una nueva vida al lado de su nuevo amo, pero a éste también le cambiará la vida al descubrir los lazos que se pueden crear entre un animal y una persona...

The Box

Género: Drama Director: Richard KellyNacionalidad: EEUU Reparto: Cameron Diaz, James Marsden, Frank Langella, James Rebhorn, Holmes Osborne, Sam Oz Stone, Gillian Jacobs, Celia Weston, Deborah Rush, Lisa K. Wyatt

Argumento: Estamos en el año 1976. Norma Lewis (Cameron Diaz) es profesora en un instituto privado y su marido, Arthur (James Marsden), es ingeniero de la NASA. Son, en todos los aspectos, una pareja normal que lleva una vida normal en las afueras de la ciudad con su hijo Walter, de 9 años... hasta que un hombre misterioso con un rostro horrible y desfigurado aparece en su puerta y presenta a Norma su propuesta de vida alternativa: la caja. Norma y Arthur, que sólo tienen 24 horas para decidirse, se enfrentan a un dilema moral imposible. Lo que no saben es que, decidan lo que decidan, ya han empezado a desencadenarse terribles consecuencias. Pronto descubren que no pueden controlar las ramificaciones de su decisión y que éstas se extienden mucho más allá de su destino.

Y tras ver el piloto de V...Venimos en Paz. Siempre

2009-11-05T07:52:00.003Z

... sólo podemos decir que desde ahora ya nos tiene de seguidores!!!

Cierto es que albergábamos grandes esperanzas con los previos que ya habíamos visto, y ese adelanto de 8 minutos nos había dejado muy buen sabor de boca, pero tras estos primeros casi 50 minutos quedamos expectantes del próximo episodio.

Expectantes, sí, porque han sabido condensar el espíritu de la serie original, reinventarlo y crear un nuevo comienzo a la altura de lo que todos atesorabamos en nuestro recuerdo.

Tras el estupor inicial por la llegada de los Visitantes a bordo de su espectacular nave nodriza (o los Vis como se les denomina en la serie), con un mensaje de paz y amor universal, promesas de compartir sus adelantos médicos y tecnológicos a cambio de agua y la explotación de un indeterminado mineral que se encuentra en cantidades ingentes en nuestro planeta, pasamos por un paulatino proceso de conversión humana a través de los programas de reclutamiento para la difusión de su caúsa, la adhesión al advenimiento de los "amigos" del espacio, a través de los que su embajadora Anna (exótica y enigmática belleza la de la brasileña Morena Baccarin que muchos recordarán de la serie Firefly) transmite su mensaje de salvación, mensaje que se ve reforzado tras una entrevista que el ambicioso periodista Chad Decker (Scott Wolf. Cinco en Familia, La Tormenta Blanca) le realiza en directo a nivel mundial.

Pero lo que casi toda la Humanidad desconoce es que la manipulación no ha hecho más que comenzar. El mismo Chad es testigo del manejo de los Visitantes cuando es censurado en su encuentro con la embajadora. Y al igual que el propio Chad un reducido grupo de personas comienza a sospechar de las intenciones de estos extraños interplanetarios, un reducido grupo que se reúne en secreto para comunicar la verdad sobre estos seres de falsa apariencia humana, introducidos clandestinamente tiempo atrás en nuestra sociedad, provocando guerras innecesarias, caos económico, extendiendo la semilla de la confusión para maquillar su supuesta primera llegada con las orlas de la cuasidivinidad, apariencia que oculta otras intenciones mucho más oscuras. Entre ese reducto rebelde que empezará a organizarse tenemos ya a los primeros cabecillas de la resistencia: Erica Evans (Elizabeth Mitchell, de Perdidos), experta en terrorismo del FBI, madre separada y preocupada por la simpatía de su hijo Tyler (Logan Huffman) hacia el ideario visitante, profundamente influido por su atracción por Lisa (la atractivísima Laura Vandervoort), encargada del programa de embajadores humanos; por otro lado tenemos al padre Jack Landry (Joel Gretsch, Los 4400), reticente a la aceptación del mensaje salvador extraterrestre, mensaje que hace poner en duda hasta sus propias convicciones enfrentándolas con las enseñanzas de la Iglesia (cuyos responsables religiosos reciben con los brazos abiertos a estas nuevas "criaturas de Dios"), y que pronto se une a la causa de insurrección humana, que se verá apoyada también por Ryan (Morris Chestnut, Bones, Anaconda 2), que ve peligrar su reciente compromiso con su adorada Valerie (Lourdes Benedicto, 24, La Zona Muerta) por un pasado oculto y su particular condición...

Renovada parcialmente en lo argumental y también en el aspecto visual, con atractivos diseños para la nave nodriza, suerte de megaciudad flotante (y cuyos pasillos evocan vividamente la estructura del parisino aeropuerto de Orly) y remozado aspecto para las naves lanzadera, que sin embargo no pierden ese aire retro de transbordador espacial del diseño original, y para los uniformes de los alienígenas, modernizando y simplificando sus lineas con colores sólidos.

En resumen, todo dispuesto para el comienzo de lo que se prevee (apostamos por ello) una de las series más interesantes del panorama televisivo actual (con dispensa de Javier Moreno y su Battlestar Galáctica).

Y recordad, los Visitantes cuentan con el arma más poderosa de todas: nuestra Devoción.

Sitio oficial ABC

Scream 4, ¿por qué no? Luz verde para la que podría ser la primera entrega de una nueva trilogía

2009-11-05T07:33:00.000Z

Vía Shock Till You Drop nos llega el primer teaser poster que se ha podido ver en el AFM (American Film Market).

Con Neve Campbell, Courtney Cox y David Arquette confirmados en el reparto, Kevin Williamson está haciendo horas extras para finiquitar el guión de esta cuarta entrega (que parece que es del agrado de Wes Craven) y pensar hasta en una quinta parte (contractualmente obligado por los de la Weinstein).

Planeada como una nueva trilogía y aún sin director, esta primera entrega "tendrá lugar en la actualidad, 10 años después, en Woodsboro (la ciudad natal de Sidney Prescott). Estarán los tres personajes principales y se introducirán bastantes nuevos..." O sea, que decir nada y menos se aproxima bastante a las declaraciones del creador Williamson. Para los que pensamos que la fórmula ya se agotó con la primera película, dicho queda todo...

Fuente: ShockTillYouDrop

V, el regreso Los Visitantes retornan a la Tierra

2009-11-03T20:25:00.008Z

Bueno, no es una primicia ni demasiada novedad, pero si hace unos días la ABC nos adelantaba 8 minutos del episodio piloto del remake televisivo de una serie emblemática y mítica de los ochenta, V, hoy emiten el episodio piloto de la esperada (por bastantes) revisitación de la invasión televisiva que los integrantes de nuestra generación recuerda (esas inolvidables pegatinas de la revista Tele Indiscreta que forraban las carpetas y los libros del cole cuando eramos jóvenes...)

¿Estará a la altura? Pues... eso no lo podemos adelantar, ya que poco se deja entrever en ese pequeño avance, aparte de la aparición de una de las naves invasoras en el centro de la ciudad al estilo Independence Day (eso sí, parece que los visitantes seguirán siendo reptiloides). Esperemos a las primeras reacciones que vendrán mañana...

Y para abrir boca... seamos originales y echemos una mirada nostálgica (y un tanto bizarra) al furor que causó en esa década... ¡cancionero popular incluído! (aviso: no apto para personas que se precien de tener gustos exquisitos).

Fantastic Mr. Fox, Wes Anderson se pasa a la animación Adaptando un relato de, como no, Roald Dahl

2009-11-03T19:17:00.005Z

Producida por la Fox y adaptación del relato El Superzorro (Fantastic Mr. Fox) escrito en 1970 por uno de los autores de literatura infantil más visitados en la gran pantalla, Roald Dahl, este cuento para adultos narra la historia de un tímido zorro llamado Fox, que con nocturnidad roba las gallinas, los patos y los pavos de los granjeros Boggis, Bunce y Bean, con la única intención de alimentar a su familia. Cansados de esta situación, los granjeros dedicen poner remedio al asunto y cazar a su oponente y a sus seres queridos.

Curiosa combinación la de este proyecto en stop-motion, que de seguro resultará cuando menos interesante dado el particular estilo de Anderson, director de marcianadas como Los Tenenbaums, The Life Aquatic o la más reciente Viaje a Darjeeling. En el reparto de voces original un importante reparto: George Clooney, Meryl Streep, Willem Dafoe, Brian Cox o Michael Gambon, así como sus habituales, Bill Murray, Owen Wilson y Jason Schwartzman. Su estreno en España: abril del 2010.

A Emmerich le acongoja el Islam Y se lo piensa dos veces...

2009-11-03T11:04:00.004Z

Eso es lo que manifiesta abiertamente el realizador a resultas de su 2012, que está a punto de estrenarse en nuestro país.

Parece ser que el germano planeaba incluir entre sus planos de destrucción masiva (aquí tenía que haber buscado Bush) una escena en la que la Kabba, el lugar sagrado de peregrinación más importante del Islam, era también pasto de la demoledora compulsión del director, pero...

...con los hijos de Mahoma hemos topado. Cuando les sobrevino la genial idea rápidamente la desecharon: no querían ser objeto de las iras del fundamentalismo islámico. Es decir, mandan al garete a la Ciudad del Vaticano, se ceban también con los pequeños saltamontes budistas y se cohiben a la hora de hacerle un cariñoso rasguño a un icono musulmán.

Bueno, tomense un momento para la reflexión y el debate, que da para ello...

Leer de Cine: Amphigorey, inspirando a Tim Burton Valdemar reedita lo más significativo de su obra

2009-11-02T22:36:00.010Z

Que el artista y creador Tim Burton posee un estilo fácilmente reconocible e identificable es obvio, pero lo que no muchos saben es que su particular diseño se sustenta férreamente en la obra de uno de los ilustradores y dibujantes más peculiares del siglo XX: hablamos, como no, de Edward Gorey.

Edward Gorey, nacido en Chicago en 1925 y fallecido en abril del 2000, ha sido, sin lugar a dudas, uno de los autores e ilustradores norteamericanos más personales, originales e interesantes de la segunda parte del siglo xx. Paradigma de lo macabro y de lo bizarro, es autor de un centenar de libros ilustrados e ilustrador de otros sesenta.

Autodidacta y excéntrico -vivió la mayor parte de su vida completamente solo, rodeado de sus gatos, libros y discos, y cultivando su gran pasión por el ballet-, Edward Gorey comenzó trabajando como director artístico en la editorial neoyorquina Doubleday y dedicando las noches a trabajar con gran empeño en sus propios libros. No obstante, debido al rechazo de los editores, hubo de fundar su propia editorial, Fantod Press, y hasta distribuir y vender sus propios libros ilustrados. Su primera y peculiar mininovela, The Unstrung Harp (El arpa no encontrada) apareció en 1953. A ella le seguirían The Listing Attic (El desván del listado, 1954) y The Object Lesson (El ejemplo práctico, 1958). Sin embargo, sus creaciones no alcanzaron al gran público hasta que en 1972 la editorial Putnam publicó la antología de la que hablamos hoy aquí, Amphigorey, cuyo éxito propició la aparición posterior de otros dos excelentes recopilatorios: Amphigorey Too (1974) y Amphigorey Also (1983), y elevó a su autor a la categoría de ilustrador de culto.

Uno de los más claros ejemplos de la influencia de Gorey en el estilo visual de Burton lo hallamos primeramente en su corto animado Vincent, homenaje al gran actor de género Vincent Price. La utilización de los textos rimados para acompañar el contenido visual de los extraños dibujos de Burton fue llevada poco después a su máxima expresión en la que es hasta el momento la única obra literaria propiamente dicha del director, el libro de cuentos que escribió en 1997 "La melancólica muerte de Chico Ostra". A partir de aqui la influencia del de Chicago gana peso: el tono infantil de las historias, infantil pero de personajes deformes, excluidos de la sociedad, no integrados a veces en su estatus de popularidad, hasta esa especie de halo oscuro y Victoriano tan presente siempre después en la obra de Burton .

Es esta edición de su recopilatorio Amphigorey una excelente ocasión para revisar uno de los trabajos más significativos del autor, 15 obras en edición bilingüe, un completo acierto para poder seguir la particular rima y juegos de palabras de los que era aficionado el artista. En definitiva, un libro obligado para todo amante o aficionado a la ilustración y el humor macabro.

Título: Amphigorey
Autor: Edward Gorey
Editor: Valdemar
Publicación: 2003
Colección: Avatares
Págs.: 384

Fallece José Luis López Vázquez Y una época de oro del cine español se va con él

2009-11-02T20:02:00.004Z

A los 87 años y después de padecer una larga enfermedad nos abandona el prolífico actor, una de las figuras clave y bastión del cine español de una época, que como acertadamente pronunciaba la ministra de Cultura, González-Sinde (para una vez que atina) "su legado artístico es un regalo imborrable que perdurará en la retina de los españoles: hay papeles interpretados por López Vázquez que no se conciben en nuestra memoria colectiva sin el rostro y la voz de este maravilloso actor".

Más de dos centenares de películas en su haber y numerosas obras teatrales, una carrera profesional envidiable que le valió numerosos reconocimientos, entre los que destacaron la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1985, el Premio de Teatro José Isbert en 1996 y, el Premio Nacional de Teatro en 2002, por no mencionar el Goya de Honor que la Academia de Cine Española le otorgase en 2005.

Actor versátil, intuitivo y extraordinariamente dotado, sus inolvidables papeles tanto dramáticos (Mi querida Señorita, La Cabina, El bosque del Lobo) como cómicos (Atraco a las tres, Peppermint Frappé, la trilogía Nacional de Berlanga) le han hecho merecedor de un lugar en nuestro corazón como en la memoria colectiva de la cinematografía ya no española, sino internacional.

Su capilla ardiente quedará abierta mañana a partir de las 15.00 hrs. en el teatro María Guerrero, teatro que le viese nacer como actor allá por el año 1946.

Descanse en paz.

¿Tendremos Bruja de Blair por tercera vez? Todo hace suponer que sí

2009-11-02T19:37:00.005Z

Y es que el oportunismo no conoce límites...

Nos llega calentito el rumor de que el señor Eduardo Sánchez, uno de los artífices de ese fenómeno llamado El Proyecto de la Bruja de Blair, en vista del éxito de producciones del ramo como Paranormal Activity (de la que parece que tendremos secuela), trabajo con su secuaz Daniel Myrick en la tercera entrega de esta agreste nigromante. Según sus palabras parece que obviarán la detestable El Libro de las Sombras (la convencional continuación de El Proyecto) para centrarse en los hechos acaecidos en el rodaje original con pequeños papeles del reparto original, "utilizando una técnica mixta de cámara en primera persona" que le otorgará un estilo diferente a lo que ya vimos... Algo de ese particular estilo se podrá ver en el próximo estreno de Sánchez, Possesed, pelicula de bajo presupuesto que nos ofrecerá "cosas no vista anteriormente", claro está, según su autor.

Crítica: Millenium 2 - La Chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina El Regreso de Lisbeth

2009-11-02T14:24:00.003Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Flickan som lekte med elden (The Girl Who Played with Fire)
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Suecia
DIRECTOR: Daniel Alfredson
GUIÓN: Stieg Larsson
MUSICA: Jacob Groth
REPARTO: Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto
PRODUCTORA: Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television
GENERO: Thriller. Intriga.
WEB OFICIAL: www.millennium2.es

ARGUMENTO

Lisbeth Salander es la mujer más buscada del país. Dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia, han sido brutalmente asesinados y las huellas de Lisbeth están en el arma homicida, lo que añadido a su historial de comportamiento vengativo e impredecible, la convierten oficialmente en un peligro para la sociedad. Sin embargo, nadie puede encontrarla. Mientras, Mikael Blomkvist, editor jefe de Millennium, no cree lo que se dice en las noticias y sabiendo que Salander es feroz cuando se siente amenazada, está desesperado por encontrarla antes de que la acorralen...

TRAILER

CRÍTICA

Cuando intentamos disertar sobre una adaptación al lenguaje cinematográfico de una obra literaria, cualquiera que esta sea, a menudo se plantean las mismas cuestiones: si tal traslación es fiel al texto original y se incluye toda la información o los pasajes allí narrados , si la elección de los personajes y los entornos es la adecuada, etc., incluso a veces cayendo en el purismo y en el integrismo filológico más recalcitrante…

Voy a dejar todo este tipo de consideraciones aparte por una sencilla razón: aunque soy lector frecuente y en su momento adquirí dos de los voluminosos volúmenes de la susodicha trilogía (decidí posponer la compra del tercero hasta finiquitar aquel par) aún no he tenido el placer de haber leído ni una sola línea de la prosa de Larson, así que no sería menester hacer apreciaciones en tal sentido.

Comencemos con el argumento del film: la historia comienza tal y como la dejamos en la anterior entrega, con Lisbeth desaparecida tras estar viajando por medio mundo y haber establecido su residencia en una localización caribeña. Roto cualquier contacto con Mikael Blomkvist, decide retornar a Estocolmo para saldar cuentas con su detestable tutor de la condicional y reencontrarse con una antigua relación, su amiga Mimi. Mikael, por otro lado, sigue su exitosa carrera profesional con Millenium, al que se incorpora un joven periodista con un importante reportaje sobre una oscura red de prostitución que implicará a relevantes nombres de la sociedad sueca.

Dag Svensson, el joven reportero, junto con su novia Mia, repentinamente son encontrados muertos en su apartamento por Blomkvist, y poco después el tutor de su antigua amiga Salander es localizado en parecidas circunstancias. Todo apunta a que Lisbeth puede ser la autora de los crímenes, hecho que Mikael niega hasta la saciedad y que le hace ponerse a investigar el suceso para exonerar a su amiga del trance; mientras, Lisbeth desde su escondite decide también localizar a quienes están tratando de implicarle en tales asesinatos, investigación que le llevará a recordar oscuros sucesos de su pasado, un pasado de pesadilla y un sueño recurrente: ella intentando acabar con la vida de su padre arrojándole gasolina y prendiéndole fuego con una cerilla…

En una trama que aúna acción, drama, intriga y mucho thriller, el realizador Alfredson (sí, seguro que el apellido os suena familiar, ya que su buen hermano fue el encargado de dirigir esa maravilla que es Déjame Entrar) condensa un capítulo que sirve de transición entre la presentación de su personaje clave, Lisbeth Salander, digna heredera en carácter a todos esos roles femeninos fuertes, resueltos e independientes (habría que ver a Maureen O'Hara y Katharine Hepburn en su tesitura), y el final que se prevee (y así se anuncia) espectacular desenlace de la saga. Y es que Noomi Rapace, Lisbeth ya para los amigos, es Millenium, es la piedra bascular donde se sustenta la trama, una heroína resuelta, impasible, guerrera, independiente, dura, traumatizada por su pasado pero no bloqueada por el mismo, leal pero no afectuosa y siempre pragmática y natural y explícita en sus relaciones (también sexualmente hablando, sexualidad que en todo el transcurso de la historia se muestra descarnada y visceralmente realista).

La trama funciona sin problemas cuando ahondamos en el oscuro pasado de Lisbeth, de sus motivaciones, de los sufrimientos que la han marcado en el devenir de su existencia, pero flojea en cuanto entramos en el terreno del thriller más convencional, dejando a un lado la profundización en los personajes para centrarse en la acción en si, acción en partes demasiado dilatada (la incursión nocturna final de nuestra tatuada guerrera en el escondite de la granja se ve ralentizada en exceso por largos planos vacios en exceso, quizás la hieráticamente pausada mirada sueca sea responsable de ello), pero que en términos generales es correcta sin llegar a aburrir en ningún momento. Por útimo destacar las luces en toda la historia, un estupendo trabajo de iluminación por parte del responsable de fotografía Peter Mokrosinski.

En resumidas cuentas, un correcto thriller, acicate para finiquitar una más que interesante saga. Pero para eso habrá que esperar. Mientras soñaremos con muchachas con dragones tatuados en la espalda...

Pedro García

Crítica: Moon Yo, yo mismo y Selene

2009-11-02T00:19:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Moon
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Duncan Jones
GUIÓN: Duncan Jones, Nathan Parker
MUSICA: Clint Mansell
REPARTO: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
PRODUCTORA: Sony Pictures Classics / Liberty Films UK
GENERO: Ciencia-Ficción
WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Moon está ambientada en un futuro no muy lejano, y nos presenta a un astronauta (Sam Rockwell) que se encuentra aislado en la luna durante un periodo de 3 años en una excavación minera. Su contrato está a punto de finalizar, pero algo empieza a ir mal y descubrirá un terrible secreto que le concierne.

TRAILER

CRÍTICA

Desde siempre el ser humano, por su condición, valga la redundancia, humana se haya planteado el origen de su existencia y el sentido de la misma, el fin último y sus designios, ya fuera de creencias ideológicas, filosóficas o religiosas. En este primer largometraje del realizador británico Duncan Jones, hijo del prolífico artista David Bowie, se plantea básicamente esa misma cuestión, la de la existencia del ser y su devenir, el enfrentamiento con tal pregunta y su demoledora respuesta en el aislado escenario de una estación minera ubicada en la luna en un futuro no tan lejano, que pone aún más de manifiesto la soledad universal del individuo.

Sam Bell es un trabajador que ve transcurrir sus días en su confinamiento en una de las plantas mineras que Lunar Industries mantiene ubicada en el satélite lunar. Como única compañía cuenta con Gerty, un mecanismo robótico que se ha convertido en su único amigo en Sarang (nombre de la planta, "Amor" en coreano) y que vela por él en todo momento. Pero la excitación de Sam va en aumento, su contrato de tres años en la estación está próximo a su fin, podrá volver a la Tierra y reencontrarse con su esposa y su pequeña de casi tres años de edad, con las que mantiene un precario contacto a base de vídeos pregrabados, ya que las comunicaciones están restringidas a su uso en diferido. Pero días antes, en un reconocimiento rutinario a la explotación de Helio-3 sufre un accidente, despertando horas después aturdido en la enfermería, desorientado, torpe. No conforme con las explicaciones de Gerty y escuchando lo que parece una comunicación en directo con los responsables de la compañía, finge una falsa emergencia para abandonar la planta y encaminarse al lugar del accidente, donde encuentra en el vehículo siniestrado y en su interior la impactante e increíble realidad, realidad que cambiará todos sus esquemas, una verdad que acabará con todo su mundo y lo que creía conocer...

Narrada con un ritmo pausado e intimista, esta parábola con tintes de ciencia-ficción clásicos (se respira Alien, 2001, Solaris en cada uno de sus decorados, en sus diseños, en su desolación, su tristeza) está confeccionada a mayor gloria de su protagonista, un Sam Rockwell en una doble (o múltiple) interpretación que conmueve en momentos, angustia en otros, pero que da una auténtica lección de contención y minimalismo en su trabajo, haciendo buena la máxima de "menos es más", un Rockwell casi recién llegado de los textos de Palahniuk en Asfixia, allí con una razón existencial esencial y básica, su adición al sexo; aquí con otra búsqueda, la de su yo individual, la de su propósito, la de su fin. La alienación que supone descubrir su papel, mero engranaje industrial que ya adelantó Chaplin con su genial Tiempos Modernos, se une a su fundamental mensaje humanista, un mensaje de amor, ya que nuestro protagonista vive por amor, por el amor de una familia que anhela, por unos recuerdos que le aguardan, recuerdos que comienzan siendo su esperanza para convertirse en su tormento, en el tormento de una mentira de bienestar inteligentemente urdida por la Corporación, ese Gran Hermano (en clara referencia al 1984 de Orwell) que controla sus actos, su vida, una vida efímera y cronometrada, una existencia con fecha de caducidad al igual que la del Roy Baty de Blade Runner, existencia que será finalmente salvaguardada por el menos sospechado, el elemento menos humano y carente de humanidad de esta historia, el robótico Gerty (con voz de Kevin Spacey en el original), en oposición a la deshumanización del elemento empresarial, claro que, friamente analizando, Gerty obedece a una mala programación ya que, no nos engañemos, sus órdenes son proteger a Sam, todo lo demás son consideraciones de nuestra todavía humanamente sensible condición...

Una hermosa parábola de lo que es la vida, la esperanza del mañana, la alegría de estar vivos, la eterna pregunta del devenir de nuestro gran viaje: de dónde venimos, hacia donde nos dirijimos... Todo eso y mucho más en Moon. Y no esperéis más, id a verla.

Pedro García

Crítica: Truco o Trato Piruletas letales

2009-10-31T19:38:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Trick r' Treat
AÑO: 2008
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Michael Dougherty
GUIÓN: Michael Dougherty
MUSICA: Douglas Pipes
REPARTO: Quinn Lord, Brian Cox, Dylan Baker, Leslie Bibb, Rochele Aytes, Anna Paquin, Moneca Delain, Tahmoh Penikett, Lauren Lee Smith
PRODUCTORA: Coproducción Canadá-EEUU; Bad Hat Harry Productions / Little Sam Films / Legendary Pictures / Warner Bros. Pictures
GENERO: Terror. Thriller. Comedia
WEB OFICIAL: trickrtreat-movie.warnerbros.com

ARGUMENTO

Truco o Trato nos relata cuatro terroríficas historias de Halloween interrelacionadas: un director de colegio (Dylan Baker) que por la noche se convierte en un brutal asesino en serie, una joven (Anna Paquin) que busca perder su virginidad con alguien especial con horribles consecuencias, un grupo de adolescentes que llevan a cabo una cruel gamberrada con terribles resultados y un anciano cascarrabias (Brian Cox) que libra una espeluznante batalla contra un descarado demonio de Halloween...

TRAILER

CRÍTICA

En esta noche en la que es menester reunirse en torno al fuego del hogar y contarse historias tenebrosas sobre seres que se arrastran reptando de sus tumbas reclamando venganza, donde criaturas de la noche aúllan a la oscura noche festejando su victoria sobre los vivos... Pero que digo... todo aquella tradición la han sustituido los nuevos medios, vías que difunden aquellos miedos ancestrales, pesadillas y leyendas que se citan en las redes internautas y en múltiples vídeos y películas a la sazón.

Pues bien, un título que de seguro se convertirá en un clásico de esta víspera de difuntos en el que hoy traemos, la oscuramente divertida Truco o Trato que, finalmente, llega a nuestro país después de la desidia de su productora, la poderosa Warner Bros, que tuvo a bien posponer indefinidamente la distribución de la cinta según se rumorea en pago a los servicios del ejecutivo Brian Singer, que no funcionó con su Superman todo lo bien que se esperaba, y que, como decía, llega a nuestras tierras como un directo a dvd, castigo inmerecido para una historia que hubiese merecido un mejor tratamiento con un lanzamiento para su exhibición en salas... En fin, caprichos de las productoras / distribuidoras...

Volviendo a la cinta en cuestión y su argumento en la línea de producciones como el Creepshow de George Romero, formado por una serie de historias cuyo nexo común es el marco en el que suceden, la misma noche de difuntos en el mismo lugar, un pintoresca ciudad que no tiene nada que envidiar al Haddonfield de Carpenter, y en la que pululan por sus oscuras esquinas seres incluso más temibles que el mismo Myers.

Cuatro historias que si bien acontecen en un principio desordenadas y sin concierto alguno, al transcurrir de la historia se van encontrando argumento, ligando tramas hasta conformar unos deliciosos cuentos de terror, macabros, destilando un gratificante sentido del humor negro. Y en todas ellas se respira ese aire de cuento de terror gótico y añejo que nos gustaba oir cuando eramos niños, gracias sobre todo a un cuidado diseño de producción del artista, además de director, Michael Dougherty, dejando bien patente su firma en los ambientes del film.

Con una presentación propia de, como mencionaba, Creepshow o la controvertida Repo, The Genetic Opera, a modo de viñetas y globos del cómic, nos adentramos en la oscura magia de la fiesta pagana del Samhaïn y las consecuencias que tendrá para cada uno de nuestros protagonistas: un director de escuela que en esta noche adopta unas costumbres de lo más sádicas; una joven que se ve apremiada por sus atrevidas amigas a perder su inocencia; unos niños que aprenderán una lección al gastar una pesada broma y, por último, la encarnizada lucha que un desagradable anciano sostendrá con Sam (¿diminutivo de Samhaïn?), un malvado diablillo guardián de la tradición de Halloween, estupendo personaje icónico salido de la pluma del realizador y protagonista del corto "Season's Greetings" que sirviese de germen para este largo, que le dará su justo merecido.

Vampiros, Hombres-Lobo, Zombies irredentos, demonios, todos ellos se dan cita en los rincones de una deliciosa Trick r Treat, donde todos su protagonistas realizan un trabajo de lo más correcto (hasta la inexpresiva Anna Paquin está soportable), todo sumado al dinamismo de su montaje y a lo cautivador de sus ambientes hace que estemos ante un clásico instantáneo, un clásico que nos abre el apetito de más historias oscuras, de más divertidos diablillos vengativos, en definitiva, de encender con renovada fuerza nuestro espíritu de Halloween.

Pedro García

Diez Terrores Para Halloween Para una noche... de miedo

2009-10-31T17:58:00.017Z

¿Cine de terror para la noche de Halloween? En un alarde de originalidad también os proponemos nuestro decálogo de títulos para pasar una velada terroríficamente divertida...

La Noche de Halloween (Halloween, John Carpenter 1978)

Una cinta obligada, tradición en esta jornada, es la del asesino con máscara que abrió el camino a muchos otros. El pequeño Michael Myers apuñaló a su hermana con tan solo 6 años en la noche de Halloween. Ahora 15 años más tarde ha huido del psiquiátrico en el que estaba recluido con sed de sangre, regresando a Haddonfield, su ciudad natal, saciando su sed de venganza...

Pesadilla Antes de Navidad (Nightmare Before Christmas, Henry Sellick 1993)

Un clásico de la animación por méritos propios. Jack Skellington, señor de Halloween, descubre la Navidad y queda prendado de ella. Por ese motivo decide mejorarla, aunque su versión de la festividad sea totalmente opuesta. Para su nueva idea secuestra a Santa Claus y lo sustituye; todos sus sicarios deben trabajar en el nuevo proyecto de Navidad, que resulta bastante macabro. Sólo Sally, enamorada en secreto de él, ve el error que está cometiendo.

Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven 1984)

Otro de los iconos del cine de terror que pronto será revisitado, esperemos que con acierto. Un grupo de jóvenes sueña con un horrible individuo con el rostro quemado y cuchillas en sus dedos que va asesinándolos a medida que entran en su mundo, a todos excepto a una joven que le podrá hacer frente.

Braindead, tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, Peter Jackson 1991)

El toque de humor y gore que siempre hay que añadir a una noche así, aunque Mal Gusto del Jackson primerizo también le sigue de cerca.En los años 50, una expedición científica descubre un ratticus. Confinado el ejemplar en una jaula del zoológico, el animal escapará pasado un tiempo y morderá a la madre de Lionel. Eso sólo será el principio del horror…

La Cosa (The Thing, John Carpenter 1982)

O la estupenda adaptación del maestro John Carpenter del relato "Who goes there?" de John W. Campbell, ya llevado anteriormente al cine por su idolatrado Howard Hawkes.En una estación experimental de la Antártida, un equipo de investigadores descubre a un ente extraño venido del espacio, que ha permanecido enterrado en la nieve durante más de 100.000 años. Al descongelarse el ser..... se provoca el caos y el terror al mudar de forma y convertirse en uno de los investigadores.

Un Hombre Lobo Americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis 1981)

Otro clásico y la mejor transformación licántropa hasta la fecha, esperando ver el trabajo de Rick Baker en The Wolfman.David Kessler y Jack son dos jóvenes estadounidenses que, con sus mochilas a la espalda, van a pasar tres meses es recorriendo Europa. En Inglaterra, en una zona rural desolada, la gente les da unos consejos escalofriantes: "no os apartéis del camino y no os acerquéis a los páramos", y "cuidado con la luna". Los jóvenes emprenden la marcha en la oscuridad, y oyen un aullido terrorífico procedente de los páramos, sin saber que les persigue una bestia mítica sedienta de sangre. Las personas que mata esa criatura se convierten en muertos vivientes, que deben vagar por la Tierra eternamente, pero aquél que escapa con vida tiene reservado un destino diferente...

Noche de Miedo (Fright Night, Tom Holland 1985)

Esos míticos años ochenta y sus revisitaciones del género dieron sin duda bastantes títulos relevantes e inolvidables para los aficionados. En esta Noche de Miedo, Charley Brewster es el típico adolescente americano. Su madre cree que ve demasiadas películas de terror. La vida de Charley es muy tranquila, hasta que se convence que su nuevo vecino, Jerry Dandridge, es un vampiro. Nadie, y menos aún la policía, está dispuesto a creer que Dandridge es responsable de un montón de extraños asesinatos. Charley encuentra un aliado en Peter Vincent, un antiguo actor de películas y presentador de programas de terror en la televisión. Peter intentará salvar a Charley y a su amada de los mortales colmillos de Jerry.

Al final de la escalera (The Changelling, Peter Medak 1980)

Una clásica historia de fantasmas con un estupendo trabajo interpretativo del gran George C. Scott. Una noche, el compositor John Russell se despierta bañado en sudor como consecuencia de una pesadilla, y vuelve a oír el extraño ruido procedente de una de las habitaciones del piso de arriba. Desde la terrible muerte de su familia, John ha estado viviendo en esa casa solitaria a la que se trasladó con la esperanza de recuperar la paz interior, pero paz es algo que no ha hallado, pues en numerosas ocasiones ha creído ver el cadáver de un joven. Cuando empieza a creer que ha perdido el juicio, registra la casa y descubre una entrada secreta a un antiguo cuarto infantil olvidado desde hace mucho, donde encuentra una silla de ruedas y una caja de música. John siente que allí ha sucedido algo terrible e intenta establecer contacto a través de un médium. La siniestra sesión de espiritismo revela que un espantoso crimen ha quedado sin vengar. Hasta ahora...

Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Paura nella città dei morti viventi, Lucio Fulci 1981)

Uno de los mejores trabajos del maestro italiano. En la ciudad de Dunwich, en Nueva Inglaterra, el suicidio de un cura convierte en realidad una vieja maldición. Las puertas del Infierno se abren de par en par y liberan una horda de zombies que salen de sus criptas en busca de carne fresca...

Truco o Trato (Trick r Treat, Michael Dougherty 2008)

Una recién llegada que se convertirá en un título imprescindible para la Noche de Difuntos. Cuatro historias en la noche de Halloween. Una de las historias se centra en un director de instituto que se convierte en un vicioso asesino en serie con la luna llena. Otra trata de una virgen en edad universitaria que se reserva para el hombre de su vida, a quien cree que acaba de conocer. La tercera versa sobre una mujer cuyo odio hacia Halloween sólo es superado por el amor que le tiene su marido a esta festividad. Por último, un grupo de adolescentes despiadados llevan a cabo una broma imperdonablemente cruel.

Cult Movie: La Noche de Halloween Ideal para un día como hoy

2009-10-31T13:02:00.001Z

Diez años después de que George A. Romero revolucionara el género de terror con La Noche de los Muertos Vivientes, un novato llamado John Carpenter, que venía de triunfar con su puesta al día de Rio Bravo de Howard Hawks en Asalto a la Comisaría del Distrito 13, aterrorizaba a las audiencias de medio mundo y definía el slasher con La Noche de Halloween. 31 años después, en pleno 31 de Octubre (curioso paralelismo), está considerada como una de las grandes obras maestras del cine.

Es por ello, que en un día como hoy, revisitamos una de las obras maestras del realizador, una película a visitar una y otra vez en este festivo anglosajón, película de culto por excelencia que sigue tan vigente como siempre y cuyo reciente remake a manos de Rob Zombie, no hace más que engrandecer ese aura de monstruo magistral que arrastra desde entonces, porque en 1978, John Carpenter, reescribió el cine de terror, y lo hizo de tal manera que ni el mismo es consciente del impacto que tuvo en generaciones venideras. Acompañadnos en esta Noche de Halloween.

La Noche de Halloween: El monstruo interior

“No se fie de ese ser”

En la noche de Halloween de 1963, un terrible crimen azota la pequeña y tranquila localidad de Haddonfield. El pequeño Michael Myers, ataviado con un disfraz de payaso y un cuchillo, asesina con crueldad a su hermana Judith Myers. Nunca se supieron sus motivaciones.

15 años después, el Dr. Loomis, que lleva desde entonces el caso de Michael Myers, conduce con una enfermera al psiquiátrico donde el asesino se encuentra recluido. Es un día de profusa lluvia, y en mitad de la carretera descubren que algunos enfermos están sueltos. Loomis se baja del coche y la enfermera es atacada por Myers, que logra echarla del interior, coger el coche y huir. Loomis sabe a dónde se dirige el monstruo y decide seguirle.

Mientras tanto, en Haddonfield, ajenos a los hechos que van a suceder, Laurie Strode se encuentra con Tommie, el niño al que esa noche va a cuidar. Mientras caminan por las desiertas calles de la población, pasan por delante de la casa de los Myers donde Laurie deja la llave de ese hogar, porque su padre, asesor inmobiliario, está a punto de venderla. Tommie le advierte de que no se acerque, porque allí reside el hombre del saco, pero Laurie no le hace caso, y desde la ventana, es observada con odio por alguien.

Laurie llega a clase y desde la ventana observa que alguien la está mirando, gira dos veces la cabeza y ve que ha desaparecido. Michael ha comenzado a acosarla.

Tommy por su parte, cuando sale de clase, es insultado y golpeado por sus compañeros sin saber que Myers también le sigue a él.

“Ha vuelto a casa”

Loomis, en su viaje a Haddonfield, detiene su coche frente a una cabina y pide refuerzos. A lo lejos ve una camioneta abandonada y se acerca, allí descubre las ropas del psiquiátrico de Michael ajeno al hecho de que a pocos metros, hay un hombre muerto tirado entre los arbustos.

Mientras tanto, Laurie camina a casa junto a dos de sus amigas: Annie y Linda, y se percata que Michael las sigue. Sus amigas creen que está loca cuando se lo dice, pero cuando llega a casa y ve desde la ventana nuevamente a ese individuo, el terror comienza a apoderarse de ella y la inquietud le arrebata la tranquilidad.

Tras echarse un rato en la cama, Laurie sale de casa a la espera de que Annie la recoja, para ir a cuidar a los dos niños esa noche. Los más pequeños del pueblo comienzan a salir de sus hogares para hacer el ritual del truco o trato.

Loomis por su lado, llega al cementerio de la población para buscar la tumba de Judith Myers, pero esta ha desaparecido. Decide dirigirse junto al sheriff local, al que le cuenta todo, al hogar de Myers con la esperanza de encontrarlo allí, pero Michael no se encuentra. El sheriff decide irse mientras que Loomis decide quedarse allí, porque sabe que Michael tarde o temprano volverá a su hogar.
“Lo que había tras los ojos de ese niño era simple y pura maldad”

Es de noche y Laurie, en casa de Tommie, recibe una llamada de Annie. El perro de la casa donde se encuentra Annie comienza a ladrar, Tommie ve a través de la ventana que Michael está fuera de la casa, se lo dice a Laurie, pero ella no ve nada. Myers comienza a acechar a Annie, y cuando el perro localiza a Myers y comienza a ladrar, el asesino lo mata.

Tras colgar el teléfono, Annie se dirige al cuarto de la lavadora, y allí es encerrada por Michael, que tiene intención de matarla, pero no lo consigue al llegar antes la niña de la que cuida Annie, que la libera.

Annie decide llevar a la niña con Laurie, porque ha quedado con un chico. Después de dejarla con ella, Annie se monta en el coche, pero en la parte de atrás está Michael, que la mata.

Tommie vuelve a ver por la ventana a Michael, esta vez llevando el cadáver de Annie, pero una vez más, Laurie no le hace caso.

Mientras tanto, Linda y su novio llegan a la casa donde está Annie y Myers comienza a acecharlos. No hay nadie en el interior y deciden subir al cuarto de arriba a hacer el amor. Tras ello, el chico baja a por una cerveza donde es asesinado. Myers sube al piso de arriba y mientras Linda intenta hablar con Laurie por teléfono, es ahogada con el cable por Michael.

Loomis, cansado de esperar, descubre el coche robado y comienza a correr por las calles de Haddonfield buscando al asesino.

Laurie en cambio se dirige a la otra casa inquieta. Solo descubre una entrada. Todo está en silencio, llama a Annie y a Linda pero no recibe respuesta por parte de ninguna. Sube al piso de arriba y se encuentra con el cadáver de Annie a los pies de la lapida de Judith Myers, aterrorizada, los otros dos cadáveres hacen aparición. Laurie intenta huir de esa casa y Michael empieza a perseguirla. Cuando consigue salir al exterior, pide ayuda, pero nadie la escucha.

Vuelve al hogar de Tommie, intenta llamar a la policía, pero no hay línea. Michael entra dentro de la casa, Laurie coge una aguja de hacer punto y se la clava en el cuello, Michael cae al suelo, pero no está muerto. Busca a los dos niños, aparece de nuevo Michael, oculta a los niños y se encierra en un armario. Michael la descubre y ella coge una percha y se la clava en el ojo, el cuchillo de Michael cae y Laurie aprovecha para asestarle una puñalada en el estomago y salir del armario. Michael ha vuelto a caer al suelo, pero la pesadilla no habrá terminado.

Obliga a los niños a salir fuera para que pidan ayuda, Loomis ve a los niños salir y descubre donde está Michael. Justo en el momento en el que intenta ahogar a Laurie, Michael recibe varios balazos de Loomis y cae desde la terraza del segundo piso. Loomis se acerca a la terraza y descubre con pavor que el cuerpo de Myers no está, ha escapado, y por su mirada sabemos, que tendrá que perseguirle hasta acabar con él.

El mal habita entre nosotros

Nadie en su sano juicio cuestionaría a estas alturas que la película de Carpenter es una obra maestra mayúscula. Lo que sí es cuestionable son los motivos que convierten a La Noche de Halloween en una obra tan diferente a sus coetáneas carnicerías de serial killer y víctimas con nula representación cerebral en su interior.

Porque es evidente que a pesar de ser la película mitocondrial del subgénero, pocas películas han sido capaces de acercarse a la grandeza que atesora esta obra, que va mas allá de ser una obra acerca de un tipo que se pone una máscara y empieza a matar jovencitos siguiendo un criterio más o menos selectivo.

Más allá de esas secuencias panorámicas con las que Carpenter nos describe un Haddonfield tan desolado como fantasmal e incluso irreal, convirtiéndolo en el segundo gran personaje de la historia junto a Myers, más allá de su mitológica banda sonora, convertida por derecho propio en icónica del género, más allá de su vigencia como espectáculo de terror, La Noche de Halloween permanece tan vigente desde el primer día por su certero y secular análisis del mal.

Y es que, a diferencia de los Jason Vorhees, Freddy Krueger y demás fauna psicopática del celuloide, Michael Myers, al menos en esta primera película, no es solo un asesino en serie del montón, es el mal que llevamos en nuestro interior.

La secuencia con la que abre el filme es toda una declaración de intenciones. Narrarla de manera subjetiva, a través de los ojos del asesino, siendo nosotros participes directos del crimen, estando en primera línea, y no observándolo desde la distancia, nos implica emocionalmente con el criminal y deja a las claras que ese asesino fantasmal, ese niño que todos llevamos dentro, puede ser al mismo tiempo un criminal visceral si las circunstancias acompañan. Cierto es que en ningún momento conocemos las motivaciones de Myers para matar, pero pensemos por un momento si Carpenter no lo hizo a propósito para dejar bien claro que el mal no necesita un motivo para matar, que la cualidad principal del crimen es que la excusa es simplemente eso, una excusa, y que el bien y el mal, que habitan en nosotros, son parte de nuestra herencia animal pasada y puede salir a relucir en cualquier momento, siendo el ser humano un criminal en potencia. ¿Podría ser esa la intencionalidad del autor?, ¿definir al ser humano como un ser malvado por naturaleza mediante la creación de Michael Myers?. Una definición de la humanidad a todas luces discutible que probablemente ocasionaría más de un debate en cualquier clase de filosofía, pero un excelente debate en cualquier caso el que presenta el maestro. No solo eso, sino que la idea de otorgarle una máscara blanca, más allá de la casualidad que narran de la preproducción, con sus facciones humanas, le convierten en un asesino tan anónimo como identificable, identificable con el propio espectador, porque el impoluto y sesgado rostro que representa la máscara, es una fiel parábola del asesino anónimo, aquel que todos llevamos dentro, que desconocemos, y que ocultamos tras esa mascara tan indefinida pero que al mismo tiempo resulta tan aterradora y espeluznante.

Aún más, la idea de que Michael Myers no muera a pesar de los disparos que recibe, a pesar de las puñaladas y las caídas, ejemplifican claramente que el mal nunca muere. El mal como concepto global, como concepto abstracto que representa, siempre estará ahí, dispuesto a acechar en el momento menos oportuno. Es por ello, que ese final, acertado en toda su amplitud, más allá de los deseos del productor de convertirse en carne de secuela, refleja con claridad pasmosa la idea de que el mal siempre ha estado ahí, siempre estará ahí y siempre puede tomarse un descanso para volver posteriormente.

Considero plenamente circunstancial ambientar la película en una fecha como 31 de Octubre, pues la historia perfectamente podría haberse circunscrito en otra época del año, pero es innegable que la idea de trasladarla a la noche de las brujas enfatiza el argumento del hombre del saco con el que el pequeño Tomie insiste a lo largo de toda la película. No es circunstancial sin embargo la descripción visual que Carpenter realiza de ese Haddonfield semi fantasmal, cuasi fantástico, solitario, quizás resultado del crimen de 1963, que se convierte en el caldo de cultivo idóneo para un criminal como el que se nos presenta.

Un criminal cuyas necesidades y motivaciones perfectamente podrían ser analizadas por cualquier psiquiatra, pero no por un cinéfilo que carece de una visión médica para realizar un diagnóstico apropiado del personaje, personaje que Loomis describe como el mal en estado puro, y quizás no haga falta ningún tipo de argumento médico para señalar la psicología interna de Myers: Simplemente es malvado, no tiene un motivo, es así, y no hay más vueltas que darle.

Sea como sea, Michael Myers se ha convertido en la definición perfecta de lo que significa el mal, y podríamos teorizar acerca de ello durante interminables mesas redondas e interminables charlas que no nos pondrían de acuerdo, en lo que si estaríamos de acuerdo todos sería en que Carpenter construyó uno de los pilares fundamentales del género, una película digna de recuperar cada x tiempo, y si es en una noche como la de hoy mejor que mejor, porque no hay película más apropiada para Halloween, que la propia La Noche de Halloween. Feliz día de las brujas y demás criaturas nocturnas.

Javier Moreno

Especial Halloween 09: Cortos Animados

2009-10-31T12:15:00.002Z

No está en nuestro ánimo apropiarnos de tradiciones ajenas a nuestro acervo cultural, pero si resulta estimulante en este día tan señalado recordar esas maratones de allende los mares al estilo Fright Night que se suelen programar la noche de difuntos.

Y como cualquier momento es bueno para pasar un poco de miedo, a nuestro decálogo indispensable (que no imprescindible) de recomendaciones para la noche más terrorífica del año, gracias a la magia de servidores como YouTube hemos creado una selección de cortos de animación clásicos (y no tanto), desde principios de los años 20 hasta la actualidad, que guardan relación, algunos más cercana que otros, con esta oscura onomástica de Halloween. Un interesante viaje en el tiempo que esperemos que disfrutéis tanto como nosotros a la hora de confeccionarlo.

Esta selección contiene cerca de 60 vídeos, desde Fleischer, pasando por Disney, animaciones de la UPA, una de las primeras versiones animadas de El Jinete sin Cabeza, aparte del clásico Disney que todos conocemos. pequeñas joyas como la versión de un de los cuentos de Poe de Svankjamer... y muchas más sorpresas.

Y un extra, una adaptación excelente de "El pozo y el Péndulo" del maestro de lo macabro, Edgar Allan Poe, conmemorando su aniversario. Que lo disfrutéis...

Charlize Theron en la cuarta entrega de Mad Max Mel Gibson no confirma su presencia

2009-10-30T06:45:00.003Z

Mad Max: Fury Road. Ese será el título de la cuarta entrega de la saga creada por George Miller y que mandó directo al estrellato a Mel Gibson, actualmente mas preocupado con los judios que con el cine.

Un Mel Gibson que ha dicho por activa y por pasiva que no participará en esta entrega, aunque está por ver los ceros del cheque que le pongan sobre la mesa.

De momento si se ha confirmado que la actriz y ex-modelo sudafricana Charlize Theron, aparecerá en la película junto al actor británico Thom Hardy, al que hemos visto en Black Hawk Derribado.

La película actualmente se encuentra en preproducción, y Miller está compaginando la puesta a punto de este rodaje con la secuela de Happy Feet.

En cualquier caso... ¿Mad Max sin Mel Gibson?, ¿están de broma?, él era Mad Max.

Anthony Hopkins se convierte en dios Será Odin en Thor

2009-10-30T06:38:00.003Z

Sí, era una licencia creativa de cara a despertar vuestro interés por esta noticia.

Se ha confirmado que Sir Anthony Hopkins interpretará el papel de Odin (dios nórdico) en la monumental película que prepara Kenneth Branagh sobre el Thor de Marvel. Desde luego, solo faltan unas imagenes de las caracterizaciones para rematar la faena, o algún behind the scenes, porque esto promete muchisimo. Espero que no se quede en un Iron Man del montón.

Segundo trailer de Avatar Con subtítulos en tailandés

2009-10-30T06:33:00.003Z

Ayer se desveló el segundo trailer de la esperadisima Avatar de James Cameron, con subtítulos en tailandés eso sí. Sin más dilación os dejamos con él.

Personalmente mi entusiasmo cae en picado a medida que voy conociendo mas material de la película, y es que la historia no termina de... agradarme.

Crítica: DreadEl juego del Terror

2009-10-29T20:57:00.003Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Dread
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Anthony DiBlasi
GUIÓN: Anthony DiBlasi (Historia corta: Clive Barker)
MUSICA: Theo Green
REPARTO: Jackson Rathbone, Shaun Evans, Hanne Steen, Laura Donnelly, Jonathan Readwin, Vivian Gray
PRODUCTORA: Matador Pictures / Midnight Picture Show / Seraphim Films / Cinema Three / Entertainment Motion Pictures (E-MOTION) / Regent Capital / Motion Investment Group
GENERO: Terror. WEB OFICIAL: www.matadorpictures.com/completed_dread.html

ARGUMENTO

Otra de las adaptaciones de los 'Libros de sangre' escritos por Clive Barker, que cuenta la terrorífica historia de un estudiante de filosofía obsesionado con sus propias pesadillas, que está llevando a cabo una serie de experimentos en la gente, para observar sus reacciones a lo que teme la mayoría. Pero pronto descubre que estos experimentos le conducirán otra vez a sus peores pesadillas.

TRAILER

CRÍTICA

Anthony DiBlasi, productor de varias adaptaciones de los Libros de Sangre (en concreto El Vagón de la Muerte y Book of Blood) se atreve en esta ocasión, además, a implicarse en labores de dirección, y no saliendo para nada mal parado.

Porque si bien es cierto que su revisión de la historia de Barker no se ciñe de manera fidedigna a la misma, bien es cierto que la esencia del relato está contenida y delimitada en la interpretación realizada por su director, incluso yendo más allá que lo hiciese el escritor originalmente en una cinta que explora los rincones más oscuros del alma humana.

Dos estudiantes de filosofía intentan a través de su tesis ahondar en los mecanismos del miedo, por lo que comienza a realizar una serie de entrevistas en video donde cada individuo deja constancia de sus temores más profundos e inexplicables. Pero para uno de ellos el trabajo no es suficientemente bueno, no refleja la esencia del terror, terror que conoce muy bien ya que experiementa cada vez con más frecuencia pesadillas que tienen su origen en un terrible suceso de su pasado. Es entonces cuando decide terminar el estudio por su cuenta a través de medios menos ortodoxos y más oscuros y expeditivos...

Tremendo el trabajo de los principales protagonistas del film, con especial mención no para el reconocido Jackson Rathbone (Eclipse), sino más bien para su compañero Shaun Evans, que construye un retrato obsesivo, degenerado y vicioso en todo momento creíble, un ser amoral que concentrado en su único objetivo, fruto de su enfermedad degenerativa, hace válida la expresión "el fin justifica los medios", incluso la crueldad más intolerable esta justificada siempre que obedezca a la consecución de su fin.

Y es el planteamiento y la ejecución de la trama simple, pero por ello incluso más efectiva, dejando a un lado efectismos hemoglobínicos (salvo un par de golpes de efecto inevitables), concentrándose únicamente en el plano psicológico y las relaciones entre los personajes, cada uno con un secreto vergonzoso que esconder, cada uno con un miedo oculto que le atenaza en soledad. Y es que a todos en cualquier momento de nuestra existencia nos ha atemorizado algo, más en los tiempos que corren en los que los terrores más insospechados acechan en cada esquina, miedos que si por alguna razón nos son desconocidos ya se encargarán los medios de grabarlos en nuestro subconsciente; miedos cercanos, demasiado humanos, miedos que hacen que instantáneamente empaticemos con sus filias y sus fobias, con su sufrimiento. En ese planteamiento es donde DiBlasi se gana a su audiencia, repito, gracias a un más que correcto, brillante en momentos, trabajo interpretativo de su joven elenco y dos escenas, dos momentos cumbre, dos terribles instantáneas de la enfermiza depravación obsesiva del método científico empleado a la sazón: el experimento vegetariano y la denigración del individuo por sus defectos físicos, esto último por desgracia demasiado cercano para muchos desde que el mundo es mundo, cada vez más deshumanizado, por cierto... Y esa deshumanización queda reflejada en las acciones del falso filósofo del terror, de un Mesias con ínfulas de Mengele, investigador humanista con ansias de divinidad.

A eso juega Dread, a la búsqueda del lado más perverso y oscuro del ser humano, un juego extremadamente peligroso y mortal, que nos plantea una pregunta: ¿estamos preparados para enfrentarnos al conocimiento de según que cuestiones? La respuesta... en cada uno de nosotros.

Pedro García

Crítica: Edén Al Oeste Interesante e insuficiente tratamiento de la inmigración ilegal

2009-10-29T16:21:00.002Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Eden à l'Ouest
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Francia
DIRECTOR: Constantin Costa-Gavras
GUIÓN: Constantin Costa-Gavras, Jean-Claude Grumberg
MUSICA: Armand Amar
REPARTO: Riccardo Scamarcio, Ulrich Tukur, Juliane Köhler, Eric Caravaca, Jean-Christophe Folly, Anny Duperey, Ieroklis Mihailidis, Annie Loulou, Dina Mihailidou, Constatinos Markoulakis, Antoine Monot, Florian Martens, Murali Perumal
PRODUCTORA: KG Productions
GENERO: Drama

WEB OFICIAL: www.edenalouest-lefilm.com

ARGUMENTO

Edén al Oeste es un recorrido por los contratiempos de un joven emigrante tentado de entrar ilegalmente en la Unión Europea. Al igual que en "La Odisea", el Mar Egeo es el escenario donde discurren las aventuras de Elías, nuestro protagonista. En esas mismas aguas, bajo el mismo sol y los mismos cielos como en el amanecer de la civilización. Después de innumerables incidentes y accidentes, una escala en el paraíso y una estancia en el infierno, el mágico final de su periplo se desarrolla en París.

TRAILER

CRÍTICA

Director de obras de denuncia política como las interesantes Z, Desaparecido o Amen, Costa-Gavras siempre se ha caracterizado por no evitar cualquier tipo de polémicas que trasladar a la gran pantalla. En esta ocasión el realizador de origen griego, con una veintena de títulos a su espalda y 76 años en sus hombros nos trae una obra sobre la inmigración ilegal en Francia.

La historia gira en torno a Elías, un inmigrante que vive todo tipo de situaciones en su misión de llegar a Paris, el prometido Edén del título donde presupone, encontrará la vida de plenitud y esperanza que no pudo encontrar en su país de origen (que en ningún momento es citado). Durante su odisea homérica, se encontrará con una serie de extravagantes personajes, algunos humildes, otros altaneros, que intentarán bien ayudarle por todos los medios, bien aprovecharse de su ignorancia sobre nuestro país vecino.

No cabe duda que lo más interesante de la proyección se resume a las diferencias y antagonias entre los individuos más pobres y los más ricos, como se desvela durante la primera media hora, desarrollada competentemente en un campo de golf, y donde resulta especialmente reseñable (y al mismo tiempo deleznable), el instante donde encuentran dos inmigrantes fallecidos en la arena de la playa. Observar la reacción de esos ricachones repugnantes desmembra el corazón y transmite un odio irracional contra todo chovinismo materialista.

Sin embargo, un logro tan loable como el citado, cae en saco roto frente a la dolencia principal de toda la película, y no es otra que su indefinición.

Porque el mayor problema de Costa-Gavras es no saber decidirse por el drama o la comedia. Durante los 105 minutos que dura el filme, juega constantemente con ambos géneros, discurre entre ambos intentando mezclarlos con poca fortuna, logrando que el drama no se intensifique tanto como debiera ante un tema tan espinoso y que la comedia no pasen de breves pinceladas para despertar una simpatía y una sonrisa en el espectador que lamentablemente nunca llegan. Así, el viaje entre ambos mundos, la indecisión del realizador, se convierte en una profunda losa que no termina de apuntillar una obra que aspiraba a mucho mas y que podría haber sido mucho mejor.

Todo hubiera cambiado en el filme, si en lugar de esos temibles saltos de altura, se hubiera decantado mayoritariamente por el drama o la comedia, máxime cuando tiene un personaje principal ciertamente interesante y prometedor, cuyo actor, Ricardo Scamarccio, sabe trabajar con cierta holgura y sensatez, aunque sin llegar a apoderarse como nos gustaría de la función. A pesar de la falta de ambición del intérprete de origen italiano, es cierto que sabe jugar con ambos géneros, con lo que Costa-Gavras, como he dicho hasta la saciedad, debería haberle permitido profundizar en uno de ellos y confiar ciegamente en sus posibilidades, caóticas por la falta de claridad de ideas de un director que con los años, por desgracia, viene a menos.

En cualquier caso, dentro de sus graves problemas, todos atribuibles al guión y a la realización, Edén al Oeste es una película ciertamente estimable, con sus buenos detalles que no pesan en el espectador y que mantiene el interés suficiente como para no cerrar los ojos en la sala de cine o en el sofá de casa, pero no nos engañemos, si buscamos una buena producción europea que trate con justicia el drama de la inmigración ilegal, existen opciones muy superiores, especialmente algunos documentales españoles, que retratan con enorme definición y claridad de ideas un problema tan serio como este y que no merece ser banalizado como Costa-Gavras lo hace. Desgraciadamente el director está mayor, y si en obras anteriores era capaz de emitir un juicio justo sobre los temas que nos mostraba en pantalla, en esta ocasión no ha sido capaz de trasladarnos como debiera un tema de tan candente actualidad. Una pena.

Javier Moreno

Estrenos de la semana: 30 de Octubre This Is It - Mi Vecino Totoro - Destino Final 4 - Adam y muchos mas

2009-10-29T09:03:00.004Z

Fin de mes y con el día de los difuntos a la vuelta de la esquina. Y hablando de difuntos, el gran estreno de la semana es el documental sobre Michael Jackson que falleció hace pocos meses y del que algunos pretenden seguir haciendo dinero. El segundo gran estreno de la semana llega con 21 años de retraso, nos referimos a Mi Vecino Totoro, la obra maestra de Miyazaki que en un gran movimiento por parte de Aurum, llega a los cines antes de ser editada en DVD por primera vez en España. Otros estrenos son Destino Final 4, la nueva entrega de la cual nuestro compañero Pedro Garcia hizo la crítica a cuenta de su preestreno en Sitges, un puñado de dramas nacionales como Petit Indi y Castillos de Carton, cine mexicano de manos de Cary Fukunaga con Sin Nombre, cine indie norteamericano con Adam y la última tontería de los hermanos Wayans ademas de Home, ¿Dulce Hogar?, que se ha visto retrasado su estreno tras avanzarse la semana pasada.

This Is It

Género: Documental Director: Kenny Ortega Nacionalidad: EEUU Reparto: Documental, Michael Jackson

Argumento: Película documental realizado con el material grabado durante los últimos ensayos del "rey del pop" Michael Jackson (29 de agosto de 1958-25 junio de 2009), que preparaba su regreso a los escenarios cuando murió por consumo de pastillas, en circustancias todavía no del todo claras. La mayor parte del montaje del film fue rodado en junio de 2009 en el Staples Center de Los Ángeles y The Forum en Inglewood, en California, cuando Michael preparaba su 'This is it', la serie de 50 conciertos que iba a ofrecer en el O2 Arena de Londres.

Destino Final 4

Género: Terror Director: David R. Ellis Nacionalidad: EEUU Reparto: Krista Allen, Nick Zano, Richard T. Jones, Shantel VanSanten, Stephanie Honore, Andrew Fiscella

Argumento: Nick O’Bannon y unos amigos acuden a un circuito de carreras para presenciar una prueba del Nascar. Durante ésta tiene lugar un terrible accidente que conlleva desastrosas consecuencias para el estadio. Pero Nick descubre que se trata de sólo una visión de algo que está a punto de suceder, y junto con otras doce personas consigue salir del recinto y escapar de una tragedia segura. Pensando que han burlado a la muerte, el grupo continúa con su vida, pero desafortunadamente para Nick, Lori y sus amigos sólo es el principio, ya que la muerte no deja cabos sueltos, y regresará para llevarse a los supervivientes de una manera brutal.

Petit Indi

Género: Drama Director: Marc Recha Nacionalidad: España Reparto: Marc Soto, Eduardo Noriega, Eulàlia Ramon, Sergi López, Pere Subirana

Argumento: rnau, un adolescente que vive en su imaginario de papel e inmerso en una frágil realidad, viaja inconscientemente a la deriva. Sus compañeros de aventura son un zorro y unos cuantos pájaros cantores: pinzones, verderones, pardillos y un jilguero que es la esperanza de su vida. Ningún otro canta como él, gracias a muchas horas de trabajo paciente y minucioso adiestramiento. Sin embargo, Arnau vive apenas sin respirar porque algo mucho más intenso le devora por dentro.

Mi Vecino Totoro

Género: Animación Director: Hayao Miyazaki Nacionalidad: Japón Reparto: Animación

Argumento:Relata la historia de una familia japonesa que se traslada al campo, en los años 50. Las dos hijas, Satsuki y Mei, tropiezan con un espíritu del bosque: Totoro, con el que entablan amistad. El padre es un profesor universitario que aviva la imaginación de sus hijas con fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital. Un día, Satsuki recibe un telegrama...

Dance Movie: Despatarre en la Pista

Género: Comedia Director: Damien Wayans Nacionalidad: EEUU Reparto: Keenen Ivory Wayans, Shawn Wayans, Damien Wayans, Craig Wayans, Marlon Wayans, Chris Elliott, Amy Sedaris, David Alan Grier, Chelsea Makela, Brennan Hillard

Argumento: Parodia de las películas de bailes de adolescentes en la que un joven bailarín de street dance, Thomas Uncles (Damon Wayans Jr.), con tendencia a ir por el mal camino, y una joven muy hermosa, Megan White (Shoshana Bush), se unen gracias a su pasión hacia el baile y son puestos a prueba en la competición de baile más divertida.

Castillos de Cartón

Género: Drama Director: Salvador Garcia Ruiz Nacionalidad: España Reparto: Adriana Ugarte, Nilo Mur, Biel Durán, Pepa Pedroche, Alfonso Torregrosa, Cristian Magaloni, Álvaro Aguilar, Fernando Ripio

Argumento: Cuenta el triángulo amoroso de tres estudiantes de Bellas Artes. María José, Jaime y Marcos compartirán su pasión por la pintura y algo más; una historia de amor que durará hasta que la época de aprendizaje termine y deban enfrentarse al mundo real.

Home, ¿Dulce Hogar?

Género: Drama Director: Ursula Meier Nacionalidad: Suiza Reparto: Isabelle Huppert, Olivier Gourmet, Adélaïde Leroux, Madeleine Budd, Kacey Mottet Klein, Renaud Rivier, Kilian Torrent, Nicolás Del Sordo, Hugo Saint-James, Virgil Berset

Argumento: Un matrimonio y sus tres hijos viven felices en las proximidades de una autopista abandonada desde hace diez años. Cuando las obras de la autopista terminan y empiezan a circular por ella los primeros coches, deciden no quedarse quietos. Pero poco a poco este insoportable tráfico trastornará el equilibrio de lo que hasta ahora había sido una familia unida. Su empeño por quedarse en su pequeño paraíso les llevará a perder progresivamente la razón.

Sin Nombre

Género: Thriller Director: Cary Fukunaga Nacionalidad: México Reparto: Paulina Gaitan, Edgar Flores, Karl Braun, Kristian Ferrer, Diana Garcia, Tenoch Huerta, Héctor Jiménez, Damayanti Quintanar, Guillermo Villegas

Argumento: Sayra (Paulina Gaitan), una adolescente hondureña, se reúne con su padre para viajar con él a los Estados Unidos; a partir de Chiapas, viajan en el techo de un vagón de carga, en donde son vulnerables a la naturaleza y a la violencia. Mientras tanto, en un grupo de maras uno de sus miembros se separa y huye en un tren de carga.

Adam

Género: Drama Director: Max Mayer Nacionalidad: EEUU Reparto: Hugh Dancy, Rose Byrne, Frankie Faison, Peter Gallagher, Amy Irving, Mark Linn-Baker, Peter Gallagher

Argumento: El amor puede ser arriesgado, desconcertante y estar lleno de los peligros provocados por errores de comunicación. Y eso, aunque uno no sea ADAM, cuya vida es exactamente así. Hugh Dancy protagoniza esta comedia romántica rebosante de sentimiento, dando vida a Adam, un guapo aunque enigmático joven que ha vivido toda su vida a cubierto de cualquier contingencia, hasta que conoce a su nueva vecina, Beth (Rose Byrne), una bella y cosmopolita joven que lo saca a rastras al mundo exterior, con resultados divertidos, conmovedores y totalmente inesperados.

Crítica: Grace Maternidad Sangrienta

2009-10-28T23:49:00.000Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Grace
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Paul Solet
GUIÓN: Paul Solet
MUSICA: Austin Wintory
REPARTO: Jordan Ladd, Gabrielle Rose, Samantha Ferris, Malcolm Stewart, Stephen Park, Serge Houde, Evan Lanier, Shelly Gant
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Canadá; Indigomotion / ArieScope Pictures
GENERO: Terror. Thriller. Drama WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Madeline está embarazada de 8 meses y le queda muy poco para dar a luz. Su hijo se llamará Grace. Sin embargo, un imprevisto accidente mata al bebé dentro de la madre. Los médicos quieren estirparle el cadáver, pero Madeline insiste en seguir la gestación hasta el final. Cuando llega a los 9 meses, milagrosamente, el bebé vuelve a la vida y nace. Pero la criatura guarda un horrible secreto: no será un ser humano normal...

TRAILER

CRÍTICA

El debutante Paul Solet adapta a modo de largo su anteriormente premiado cortometraje, Grace, una particular mirada al tema de la maternidad analizando desde una perspectiva oscura y morbosa las estrechas relaciones materno-filiales, claro está, llevadas a sus últimas consecuencias, ya que para algo estamos hablando de cine de género.

Con su historia original como base, el director construye un relato donde se entrelaza un atípico triángulo, por llamarlo de algún modo, enfermízamente "amoroso": por una parte se nos presenta a Madeleine, que tras esforzados intentos consigue quedarse encinta y cuya obsesión final es la de llevar a término su embarazo, algo que a todas luces parece poco probable al sufrir un accidente de coche en el que, trágicamente, fallece su marido y que, lamentablemente, afecta irremediablemente al feto, dándosele por muerto (aunque, aún así, ella insiste en esperar las escasas tres semanas que restan para dar a luz)...

En otro vértice de este particular romance se encuentra Vivian, suegra dominante, manipuladora y adicta al control, traumatizada hasta tal punto por la muerte de su hijo que intenta recuperar la maternidad perdida arrebatando a su nuera el fruto de sus entrañas, sin que en su enfermiza obsesión repare en cuestiones éticas de índole alguna.

Cierra la relación a tres Patricia (Samantha Ferris, ahora popular gracias a la conocida serie Sobrenatural), obstetra de Madeleine y amiga personal, preocupada por ella hasta límites más allá de la mera amistad, una relación más estrecha en su pasado que queda sugerida en el transcurso de la historia pero que, finalmente, no termina en definirse…

Eje central del relato, elemento cohesionador, tenemos a Grace y su especial filia, nacida muerta y milagrosamente devuelta a la vida contra cualquier pronóstico racional, y es aquí donde entran en juego los conflictos de las protagonistas: el de una obsesionada madre (estupenda interpretación de Jordan Ladd), dividida entre preservar sus convicciones éticas y morales o preservar y proteger la existencia de su ansiada hija y su particular apetito; el de Vivian, cuya obsesión es la de apropiarse de la niña sin reparar en consideración alguna; por último, el instinto de protección de la amiga/amante de la recién parida, cuya implicación se revela al final de la cinta con un particular relevo de roles.

Con un ritmo pausado, tanto que a veces raya en lo desesperante (la inacción imperante puede llevar a la conclusión a más de algún impaciente espectador y aficionado al género de que en esta historia poco o nada ocurre), su realizador nos construye un interesante relato de mujeres, sus historias interrelacionadas, sórdidas, atípicas, malsanas, en una extraña pero estimulante fábula que de seguro (y así lo está haciendo) no dejará indiferente a nadie, tanto para bien como para mal. El argumento, próximo a otro título memorable dentro del género, Baby Blood, si bien a priori puede evocar dichas imágenes pronto se aleja de dicha base para entrar en una visión bastante más personalista, más íntima, menos provista de humor y, por qué no decirlo, con aires de pretenciosidad (propios de una ópera prima, pero que sería de muchas carreras cinematográficas sin ese poco de ambición)...

Cómo apunte final, y gracias al equipo de ShockTillYouDrop.com os traemos un extra: el corto galardonado de Solet de mismo título que sirvió de inspiración al entrañable largo de su realizador, un director a quien tendremos que seguir muy de cerca a partir de ahora.

Pedro García

Crítica: 500 Dias Juntos Una de las 10 mejores películas del año

2009-10-28T16:29:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: (500) Days of Summer
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Marc Webb
GUIÓN: Scott Neustadter, Michael H. Weber
MUSICA: Mychael Danna, Rob Simonsen
REPARTO: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz, Matthew Gray Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher, Rachel Boston, Minka Kelly, Charles Walker
PRODUCTORA: Fox Searchlight Pictures
GENERO: Comedia Romantica.

WEB OFICIAL: www.500diasjuntos.es

ARGUMENTO

El protagonista de la película es Gordon-Lewit (Tom), un joven que se enamora perdidamente de una chica (Zooey Deschanel). Lamentablemente para él, ella no cree en el amor...

TRAILER

CRÍTICA

Chico conoce chica. Chico se enamora de la chica. Y aquí acaba cualquier paralelismo con la clásica comedia romántica a la que Hollywood nos tiene acostumbrados. Porque 500 Días Juntos, es una comedia romántica sí, pero una comedia romántica atípica.

Nunca he sido partidario de este género más allá de los clásicos de Billy Wilder y de obras más recientes como Algo Para Recordar, por eso me produce un cosquilleo penetrante encontrarme con una producción tan diferente que derrumba los convencionalismos del género mediante una historia tópica que se desvela grandilocuente, rompedora y sensible a medida que pasan los minutos.

Porque 500 Días Juntos no nos habla de cómo surge el amor entre un hombre y una mujer, nos habla de porqué no funciona esa relación, y nos lo dicen desde el principio. Resulta arriesgado comenzar una película desvelando el final, pero ahí está su gran logro, darnos el postre de la función desde el principio para luego ir ofreciéndonos el resto de platos que le preceden, y lo hace de manera original.

Mediante continuos flashbacks y flashfowards, Marc Webb nos desmenuza cautelosamente pero sin ningún tipo de engaños la hermosa pero al mismo tiempo complicada relación amorosa entre Tom y Summer. Dos personajes completamente opuestos, con un sentido de la vida único y una visión del amor absolutamente antagónicas que terminan por deconstruir el mito de un sentimiento tan humano.

Y lo hace con profundidad, sin movimientos tramposos, con sinceridad, sin engañar al espectador y de una manera tan natural que duele. No le cuesta al director pasar de la comedia más entrañable al drama más lacrimógeno sin que por ello el conjunto se resienta, y eso es algo muy difícil en un género tan propicio a caer en banalidades que poco o nada aportan al argumento general del filme.

Cuanto odio pero amor hay guardado en el guión, que maneja algunas perlas impecables dentro de este mar tan trillado y que no guarda sorpresas mayúsculas pero que resulta entrañable y por momentos brillante.

La calidad que el realizador atesora se manifiesta desde los títulos de crédito, donde demuestra que sabe manejar el material que tiene entre manos, y lo más importante, sabe dirigir a dos actores, Joseph Gordon-Levitt y Zoey Deschannel que están más impecables que nunca y que confirman una vez más su talento a pesar de los traspiés que han dado en el cine más comercial (GI JOE él, El Incidente ella). Un talento que sería justo ser reconocido mediante las oportunas nominaciones al Oscar, nominaciones más que justas y necesarias para reconocer la enorme labor que realizan, una labor de actores clásicos, de conocimiento mútuo, que se reproduce en la pantalla con una química tan desbordada y desbordante, que convierten cada plano que comparten en un halo de realidad ilimitada.

Pero sería injusto no citar al excelente reparto de secundarios que los acompañan, especialmente la niña Chloe Moretz, una especie de psicóloga que nos regala algunos de los momentos más divertidos del filme.

No nos engañemos, esta no es una historia para reírse a carcajada limpia, tampoco es una historia que busque sacar los kleenex a las primeras de cambio, esta es una historia, para sentirla, una historia que acaricia tu piel y se queda en la memoria como un pequeño goce intemporal. Esta es una película independiente que a uno le hace recuperar la fe en ese cine que tiene algo que contarnos, pero principalmente, que tiene algo que transmitirnos, porque lo que transmite 500 Días Juntos, hacía años que no lo transmitía una película de similares características.

Es por ello que debemos concluir que estamos ante una de las obras más sensibles y refrescantes del año, una de las mejores películas del 2009, que con justicia enamoró en el festival de Sundance, una pequeña revelación que debe ser degustada como las grandes películas, con pasión, con paciencia y sobre todo con amor, porque 500 Días Juntos es la comedia romántica que necesitábamos. Una pequeña maravilla que se engancha en el corazón para no soltarlo. Lo dicho, una de las 10 mejores películas del año. Imprescindible.

Javier Moreno

Nuevo trailer de Shutter Island Lo nuevo de Martin Scorsese

2009-10-28T08:03:00.003Z

Hoy la cosa parece que va de trailers. En esta ocasión os presentamos el nuevo trailer de Shutter Island, la nueva película que reune a Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese (pobre hombre, conoció épocas mejores) que se estrenará el 19 de febrero de 2010.

La historia está basada en una novela de Dennis Lehane y nos cuenta la historia de dos Marshalls enviados a una isla de la costa de Massachussets donde hay una especie de fortaleza-hospital psiquiatrico en el cual deben investigar una serie de crímenes. Junto a DiCaprio nos encontramos a Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Patricia Clarkson y el eterno Max Von Sidow.

Teaser trailer de "La Victoria de Úrsula"

2009-10-28T07:54:00.006Z

Finalmente el avance del cortometraje más esperado ve la luz. Y si ya el material del que disponíamos prometía, este adelanto, a pesar de su brevedad, nos ha dejado con la miel en los labios.

Sin más preámbulos os dejamos con él. ¡¡¡Que lo disfrutéis!!!

Seguid a "La Victoria de Úrsula" en:

La Victoria de Úrsula

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Trailer de Invictus Vuelve Clint Eastwood

2009-10-28T07:46:00.003Z

Segunda ración del dia Matt Damon, esta vez de la mano de Invictus, la nueva obra de Clint Eastwood que le une a Morgan Freeman que interpreta a Nelson Mandela.

La historia nos narra el periodo en el cual Nelson Mandela salió de la carcel y empleó la selección de rugby de Surafrica y a su capitán para dar el cierre definitivo al Apartheid. La película está basada en la novela de John Carlin El Factor Humano, y si Eastwood sigue tan en forma como en los últimos años, la película será su enésima obra maestra. El trailer lo podeis ver a continuación.

Trailer de The Green Zone Con Matt Damon

2009-10-28T07:31:00.003Z

Ya tenemos el trailer de la nueva película de Greengrass, ese tipo que hizo maravillas con Jason Bourne y que homenajeó de manera impecable a las victimas del 11-S y del domingo sangriento irlandés (Bloody Sunday).

En esta ocasión vuelve con Matt Damon en The Green Zone, un Thriller que fue rodado en España y que se centra en el area considerada como zona internacional en Bagdad donde se encuentran todas las embajadas. Damon interpreta a un hombre al que se le encarga la tarea de buscar armas de destrucción masiva en Irak.

Nominaciones a los BIFA Premios del cine independiente británico

2009-10-27T15:09:00.004Z

Los BIFA, para quien no lo sepa son los BAFTA del cine independiente británico. Los galardones que se otorgan el 6 de Diciembre ya tienen nominados. Hay que recordar que el pasado año, la gran ganadora de estos premios, Slumdog Millionaire, se llevó el Oscar a la mejor película.

Mejor película independiente británica:

An Education.
Fish Tank.
In The Loop.
Moon.
Nowhere Boy.

Mejor director:

Andrea Arnold por Fish Tank.
Armando Iannucci por In The Loop.
Duncan Jones por Moon.
Jane Campion por Bright Star.
Lone Scherfig por An Education.

Mejor dirección novel:

Armando Iannucci por In The Loop.
Duncan Jones por Moon.
Peter Strickland por Katalin Varga.
Sam Taylor Wood por Nowhere Boy.
Samantha Morton por The Unloved.

Mejor guión:

An Education de Nick Hornby.
Fish Tank de Andrea Arnold.
In The Loop de Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci y Tony Roche.
Moon de Nathan Parker.
Nowhere Boy de Matt Greenhalgh.

Mejor actriz:

Abbie Cornish por Bright Star.
Carey Mulligan por An Education.
Emily Blunt por La Reina Victoria.
Katie Jarvis por Fish Tank.
Sophie Okonedo por Skin.

Mejor actor:

Aaron Johnson por Nowhere Boy.
Andy Serkis por Sex & Drugs & Rock & Roll.
Peter Capaldi por In The Loop.
Sam Rockwell por Moon.
Tom Hardy por Bronson.

Mejor actriz de reparto:

Anne-Marie Duff por Nowhere Boy.
Kerry Fox por Bright Star.
Kierston Wareing por Fish Tank.
Kristin Scott Thomas por Nowhere Boy.
Rosamund Pike por An Education.

Mejor actor de reparto:

Alfred Molina por An Education.
Jim Broadbent por The Damned United.
John Henshaw por Looking for Eric.
Michael Fassbender por Fish Tank.
Tom Hollander por In The Loop.

Mejor revelación:

Christian McKay por Me & Orson Welles.
Edward Hogg por White Lightnin’.
George MacKay por The Boys Are Back.
Hilda Péter por Katalin Varga.
Katie Jarvis por Fish Tank.

Mejor producción:

Bronson.
Bunny & The Bull.
The Hide.
El Imaginario del Doctor Parnassus.
Katalin Varga.

Premio Radiance:

Colin.
The Disappearance of Alice Creed.
Down Terrace.
Exam.
They Call It Acid.

Mejor contribución técnica:

Bright Star. Fotografía de Greig Fraser.
Bunny & The Bull. Diseño de producción de Gary Williamson.
Fish Tank. Fotografía de Robbie Ryan.
Moon. Música de Clint Mansell.
Moon. Diseño de producción de Tony Noble.

Mejor documental:

The Age of Stupid.
The End of The Line.
Mugabe and The White African.
Sons of Cuba.
Sounds Like Teen Spirit.

Mejor cortometraje británico:

Christmas with Dad.
Leaving.
Love You More.
Sidney Turtlebaum.
Washdays.

Mejor película extranjera:

Il Divo.
The Hurt Locker.
Déjame Entrar.
Sin Nombre.
El Luchador.

Fish Tank, Moon y An Education son las películas que acaparan mayor número de nominaciones con 8,7 y 6 respectivamente.

Bruckheimer nos trae una guerra civil Otro videojuego al cine, y van...

2009-10-27T14:58:00.004Z

Bajo el mando atlántico de la Disney.

Y es que tras haber imaginado cientos de veces como se destruye el mundo, a Hollywood solo le faltaba plantear una guerra civil en Estados Unidos en la actualidad, pero como parece que a los guionistas de las grandes productoras, eso de pensar no va con ellos, han tirado por lo más facil y han decidido llevar al cine el videojuego de 2K Games Shattered Union.

El videojuego, publicado hace 4 años, era un juego de estrategia en el cual una guerra civil se ha desatado en EEUU. ¿El motivo?, basicamente dos, el auge del terrorismo y la detonación de un arma nuclear en Washington que ha descabezado el gobierno y ha divido el pais en diferentes facciones en lucha.

El guión corre a cargo de J. Michael Straczynski, que ya ha escrito el guión de la próxima Ninja Assasin, y que actualmente anda escribiendo el spin off de Silver Surfer, el del remake de Planeta Prohibido (se puede probar a lincharle) y tiene pendiente la adaptación del libro Guerra Mundial Z, la asombrosa obra de Max Brooks sobre zombies.

Sobre el productor poco hay que decir que no sepais ya, este tio sabe hacer blockbusters, y sobre el director.... muy poco, aún no hay.

¿Fecha de estreno?, quien sabe.

Cortocircuito el remake, ya tiene directorBenditos ochenta, maldito siglo XXI

2009-10-27T14:47:00.003Z

Oh, maldita nostalgia ochentera para aquellos que crecimos en aquella dulce decada. Iron Maiden, Judas Priest... y el cine familiar se componía de maravillas como Cazafantasmas, Gremlins, Solos con Nuestro Tio, Loca Academia de Policia, Cortocircuito... en lugar de porquerias como High School Musical, Hannah Montana y demás paridas para retardeds alienados.

Y toca precisamente hablar de Cortocircuito, con el mítico Johnny Nº5, que por si no lo sabiais va a ser objeto de un remake, y ya tiene director: Steve Carr. ¿Y que ha dirigido este tio?, Dr. Dolittle 2 y cosas semejantes.

Produce Dimension Films y escribe el guión Dan Milano, que se dió a conocer en la magnífica y recomendable serie Robot Chicken, pero eso no quita para que el remake sea inecesario.

Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2009

2009-10-27T08:49:00.042Z

Otro año más, otra cita obligada con el Fantástico y el Terror de la mano de la gente de la organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que ya cumple la friolera de 20 años, lo que se dice una madurez más que interesante, y de que forma, un cártel que homenajea a un clásico del género de todos los tiempos, el Frankenstein de James Whale en una de sus míticas escenas, protagonizada sorprendentemente por un reconocible Loquillo...

La película francesa Vertige (2008), de Abel Ferry, inaugurará la XX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián en el Teatro Principal el próximo día 31 de octubre. La proyección constituirá su estreno en España.

Fanny Valette, Johan Libereau, Raphaël Lenglet, Nicolas Giraud y Maud Wyler protagonizan el espectacular debut en la dirección de Ferry, interpretando a un grupo de jóvenes aficionados a los deportes de aventura que deciden aprovechar sus vacaciones para ir a la montaña a seguir una via ferrata (vía de alpinismo marcada). Cuando parece que el mayor peligro al que se deben enfrentar es la dureza de la escalada, el riesgo de moverse a centenares de metros de altura, la adrenalina de la aventura... descubren con asombro que no están solos allá en las cumbres.

Espectacular en las imágenes de alpinismo, tremenda y rotunda en su acercamiento al género, cargada de adrenalina, aventura y tensión, Vertige es uno de los títulos europeos de género más importantes del año. Un escenario en plena naturaleza es el decorado perfecto para esta historia de suspense, cacería (humana, por supuesto) y escalada.

Otras películas que participarán este año en la Sección Oficial de la Semana, y por tanto competirán por el Premio del Público al Mejor Largometraje, dotado con 6.000 €, son:

Clive Barker’s Dread (Estados Unidos-Reino Unido, 2009). Anthony DiBlasi

Adaptación de uno de los relatos de los Libros de sangre de Clive Barker, uno de los grandes escritores de terror contemporáneos, a cargo de Anthony DiBlasi, que debuta en la dirección tras haber producido otras dos adaptaciones de relatos del mismo libro de Barker, Book of Blood (2008) y The Midnight Meat Train (2008). Un estudiante de filosofía, interpretado por Jackson Rathbone –uno de los vampiros de Crepúsculo (2008)–, prepara como trabajo de fin de estudios un documental sobre el terror. Entrevista con la ayuda de unos amigos a infinidad de personas para que cada una de ellas le diga qué le da miedo de verdad. Aterradora, sorprendente y alucinante viaje al corazón del miedo en esta película estrenada el pasado verano en el festival de Fantasia (Montreal) y que ya pudimos disfrutar en la pasada edición del festival de Sitges, como bien reflejamos en la crítica que publicamos sobre la misma.

Grace (Estados Unidos-Canadá, 2009). Paul Solet

Una de las películas más esperadas del momento. Desde su estreno a comienzos de año en el Festival de Sundance, Grace se ha convertido en la favorita de muchos aficionados al género de todo el mundo. Festivales de cine fantástico y otros no especializados han sucumbido a la fuerza de la historia de esta joven madre –interpretada por Jordan Ladd, especializada en el género, como indica su presencia en títulos como Cabin Fever (2002), Death Proof (2007) o Hostel 2 (2007)– que pese a que el hijo que lleva en su seno muere, decide quedárselo dentro. Impactante, tierna y siniestra historia de amor materno que, como tal, aterroriza y conmueve. Una cinta que no deja indiferente, tal y como nos cuenta Pedro García en la review que de ella ha hecho.

The House of the Devil (Estados Unidos, 2009). Ti West

Una de las sorpresas del año. A comienzos de los años 80, una joven estudiante universitaria acude a una extraña casa en mitad de la nada donde ha sido contratada como niñera una noche de eclipse. Una vez allí, constatará que todo es muy muy extraño. Película dirigida por el joven Ti West –director de Cabin Fever 2: Spring Fever, aún sin estrenar– que parece sin duda rodada en los 80 por el detalladísimo y poco usual cuidado de su ambientación –vestuario, casa, música, actores, pizza, walkman– y por su espíritu de otra época. Cine de terror del de siempre.

Infestation (Estados Unidos, 2009). Kyle Rankin
(ESTRENO EN EL ESTADO)

El protagonista de la película, Cooper, interpretado por Chris Marquette –Freddy contra Jason (2003), La montaña embrujada (2009), Life During Wartime (2009)– despierta mareado. No hay nadie vivo a su alrededor… hasta que ve a un escarabajo gigante. ¿Gregorio Samsa? No. Pronto se dará cuenta de que no es el único. Una raza de insectos gigantes parece haber conquistado la Tierra, mientras los escasos supervivientes humanos tratan de sobrevivir enfrentándose a ellos. Divertida y trepidante vuelta de tuerca al subgénero de “Tierra invadida por alienígenas/bichos”. Ópera prima de su director, Kyle Rankin. Una fiesta no apta para los muy exigentes, diversión pura y dura.

Mutants (Francia, 2009). David Morley

Quizá empujados por la crisis económica, quizá por cualquier otra crisis o quizá por casualidad, los zombis se han adueñado de los cines de todo el mundo este año, protagonizando en sus más diversas variantes infinidad de películas. David Morley debuta en el largo –en 2007 dirigió un estupendo corto de terror, Morsure, que se proyectó en la Semana– con esta virulenta historia de tintes apocalípticos en la que la humanidad parece condenada a su desaparición. Un virus ha contaminado y convertido en muertos en vida, en asesinos sanguinarios, a millones de seres humanos. Marco (Francis Renaud) y Sonia (Hélène de Fougerolles) tratan de sobrevivir en medio del caos, la destrucción y la muerte.

Pandorum (Estados Unidos-Alemania, 2007). Christian Alvart

Dos astronautas despiertan desorientados en una nave espacial que parece abandonada. No saben qué hacen allí, cuál es su misión, quiénes son. No recuerdan nada. Lo peor llega cuando se dan cuenta de que no están solos. El alemán Christian Alvart, que visitó hace unos años la Semana con Antikörper (2005) y que actualmente tiene en la cartelera su debut americano, Expediente 39 (2009), dirige Pandorum, protagonizada por el veterano Dennis Quaid y el emergente Ben Foster. No queremos dar más pistas, pero para los más curiosos la revisión de Javier Moreno en nuestras páginas.

Sword of the Stranger / Sutorenjia: Mukô hadan (Japón, 2007). Masahiro Andô

Un niño perseguido por la dinastía china de los Ming debe huir a Japón. Allí es salvado y protegido por un ronin llamado Nanashi (“sin nombre”), un guerrero atormentado por su pasado que había abandonado su espada… hasta ahora. Espectacular anime de aventuras, trepidante, pleno de peleas, acción, amistad, compañerismo y honor. Un espectáculo para aficionados al cine de animación japonés y para no iniciados.

Vampire Girl vs. Frankenstein Girl (Japón, 2009). Yoshihiro Nishimura y Naoyuki Tomomatsu

Delirante, incorrecta, salvaje, divertidamente sangrienta, loca… La nueva película como director del especialista en efectos especiales Yoshihiro Nishimura –responsable de los efectos en películas como Suicide Club (2002) y Love Exposure (2008), ambas de Sion Sono, y L: Change the World (2008), de Hideo Nakata–, que el año pasado presentó en la Semana Tokyo Gore Police (2008), no engaña a nadie desde su propio título. El enfrentamiento entre una vampira y una “chica Frankenstein” es el centro –pero no todo: hay científicos locos, ganguro girls (chicas japonesas que quieren ser negras), adolescentes que se cortan los brazos, enfermeras provocativas– de esta película ambientada en un instituto japonés que derrocha a partes iguales alegría, acción, metros de carne humana y litros de hemoglobina.

Viva la muerte! Autopsie du cinéma fantastique espagnol (Francia, 2009). Yves Montmayeur

El periodista, documentalista y habitual de la Semana desde sus inicios Yves Montmayeur analiza el cine fantástico español de la última década de la mano de sus protagonistas. Álex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Jaume Balagueró, Paco Plaza, Nacho Cerdá y Juan Antonio Bayona, entre otros, responden a las preguntas de Montmayeur, realizadas a lo largo de los últimos diez años en diferentes festivales, muchas de ellas en San Sebastián. ¡Pues que viva!

FECHAS
-Del 31 de Octubre al 6 de Noviembre de 2009

VENTA DE ENTRADAS
-A través de la Kutxa venta internet Aquí
-Telekutxa: 943 001200
(a la venta el 26 de octubre a partir de las 16:00 h)

ESPACIOS
-Teatro Victoria Eugenia
-Sala Kubo
-Teatro Principal

PROGRAMA DE MANO Y HORARIOS
(Consultar página festival AQUI)

SECCIÓN OFICIAL LARGOMETRAJES

-DEAD SNOW. Tommy Wirkola. 2009.
-DREAD. Anthony DiBlasi. 2009.
-EL SAMURÁI SIN NOMBRE. Masahiro Andô. 2007.
-EVANGELION 2.0. Hideaki Anno. 2009.
-GRACE. Paul Solet. 2009.
-INFESTATION. Kyle Rankin. 2009.
-LESBIAN VAMPIRE KILLERS. Phil Claydon. 2009.
-MUTANTS. David Morlet. 2009.
-NÚMERO 9. Shane Acker. 2009.
-PANDORUM. Christian Alvart. 2009.
-PARANORMAL ACTIVITY. Oren Peli. 2009.
-ROBOGEISHA. Noboru Iguchi. 2009.
-TETSUO: THE BULLET MAN. Shinya Tsukamoto. 2009.
-THE BOX. Richard Kelly. 2009.
-THE HOUSE OF THE DEVIL. Ti West. 2009.
-TRIANGLE. Chris Smith. 2009.
-VAMPIRE GIRL VS FRANKENSTEIN GIRL. Yoshihiro Nishimura,Naoyuki Tomomatsu. 2009. -VERTIGE. Abel Ferry. 2009.
-VIVA LA MUERTE! Autopsie du cinéma fantastique espagnol. Yves Montmayeur. 2009.

SECCIÓN OFICIAL CORTOMETRAJES

-Vicenta (WORK IN PROGRESS)
-Alma
-Arbeit für Alle
-Barbee Butcher
-Barbie Girls
-Bloody Hands / Veriset kädet
-Chick / Laska
-Else
-Flourtown
-Jaulas
-King Crab Attack
-The Last Breath
-Los que lloran solos
-Marisa
-Miracle Fish
-Paix sur la Terre
-Paris by Night of the Living Dead
-Touchdawn of the Dead

SECCIÓN OFICIAL CORTOMETRAJES ESPAÑOLES

-Amona Putz!
-Cíclope
-HeartTrack
-Lesbos Invaders from Outer Space!
-El método del doctor Alquitrán y del profesor Pluma
-Together
-Zombies and Cigarettes
-Cementerio de historias
-Svarmoder

-METAL HURLANT Y EL CINE FANTÁSTICO

Métal Hurlant fue mucho más que una “simple” revista de cómic o, por decirlo a la francesa, de bande dessiné. Fue una propuesta radical y seminal que, desde 1974 hasta 1987 aproximadamente, cambió por completo la forma de ver y hacer fantasía y ciencia ficción. Uno de los campos en los que mayor influencia tuvo fue el cine, donde su impronta sería fundamental a la hora de moldear las tendencias más modernas e importantes del género fantástico. Artistas, escritores y creadores pertenecientes a Métal Hurlant como Jean Giraud “Moebius”, Enki Bilal, Alejandro Jodorowsky, Jean-Claude Forest, Philippe Caza, H. R. Giger, Richard Corben, Juan Giménez, Marc Caro y otros se convirtieron también en decoradores, diseñadores de producción, guionistas, animadores e incluso realizadores cuya concepción visual, estética y hasta “espiritual” del fantástico sería fundamental para títulos tan significativos como Alien, Tron, Blade Runner, Mad Max 2, Heavy Metal, Dune… Un libro coordinado por Jesús Palacios se publicará acompañando el ciclo.

PELÍCULAS

Nosferatu (2002). Philippe Druillet. Francia
Alien, el octavo pasajero (Alien, 1979). Ridley Scott. Reino Unido
Kamikaze 1999 – El último combate (Le dernier combat, 1983). Luc Besson. Francia
Immortel (ad vitam) (2004). Enki Bilal. Francia-Italia-Reino Unido
Heavy Metal (Heavy Metal, 1981). Gerald Potterton. Canadá
Les maîtres du temps (1982). René Laloux. Francia-Suiza-R.F.A.-Reino Unido-Hungría The Keep (1983). Michael Mann. Reino Unido
Taxandria (1994). Raoul Servais. Bélgica-Holanda-Francia-Alemania
Barbarella (1968). Roger Vadim. Francia-Italia
El topo (1970). Alejandro Jodorowsky. México
El quinto elemento (Le cinquième élément, 1997). Luc Besson. Francia

-CINE INFANTIL

Con el patrocinio de KUTXA, la Semana proyectará dos largometrajes infantiles de género fantástico en el Teatro Victoria Eugenia.

Niko eta izarretarako bidea

Niko es un pequeño reno que nunca ha conocido a su padre. Cree firmemente, como le cuenta su madre, que es uno de los legendarios miembros de las Fuerzas Aéreas de Santa Claus, que le acompañan cada Navidad a repartir sus regalos por todo el mundo. Nadie le cree. Pero él está decidido a encontrarse con su padre e incluso a aprender a volar. Emprende un maravilloso viaje en busca de cumplir su sueño con la compañía de la patosa ardilla voladora Julius, que durante estos años lo ha estado cuidando, llegando a convertirse en una especie de padre adoptivo. Entrañable historia sobre la necesidad de luchar por los sueños, la esperanza necesaria para creer en ellos y la valentía que hace falta para atreverse a buscarlos de verdad.

-CLÁSICO RECUPERADO

Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores

O los Monty Python en Camelot. Divertida, alocada, delirante, terapéutica y mítica (algunos gags se resisten a abandonar la memoria y siguen siendo recordados en ocasiones especiales) versión realizada por Chapman, Cleese, Idle, Gilliam, Jones y Palin sobre las andanzas del rey Arturo en la ciudad de Camelot y su búsqueda del Santo Grial, encomendada por Dios, con la compañía y (poca) colaboración de sus caballeros más… ¿valientes? Poderosos rivales, brujas malvadas, bestias sanguinarias, hechiceros… intentarán impedir su objetivo. Primer largometraje de los geniales e inconfundibles cómicos británicos.

-SESIÓN ESPECIAL

La noche de los muertos vivientes. 3D

Película clave que marca la apertura de nuevos caminos para el terror moderno, considerada un punto y aparte en la evolución del género, germen de una nueva manera de abordar el horror. Sin duda uno de los grandes clásicos del cine contemporáneo, considerado como el punto de partida de lo que se ha dado en llamar American Gothic. Todo comienza en un cementerio. Y acaba desembocando en una casa asediada, rodeada por zombis hambrientos de carne y de sangre, donde unos pocos supervivientes a no se sabe exactamente qué se enfrentan a esas hordas de no-muertos que intentaban acabar con ellos en blanco y negro y ahora en color y en 3D.

-EXPOSICIONES

Un mundo en miniatura
Los decorados y personajes de CONFLICTIVOS PRODUCTIONS

Exposición de muñecos y maquetas utilizadas por Conflictivos Productions, empresa del animador Sam, en sus trabajos.

Sam empezó su carrera como profesional en el campo de la animación con plastilina de la mano del maestro Pablo Llorens a finales de los 90, trabajando en muy diferentes proyectos, como series de TV (“Doc Franky”, “Trikets”, “Capelito”, etc.), cortometrajes (Minotauromaquia, El enigma del chico croqueta, etc.), anuncios publicitarios (la campaña del euro de “los García”), etc.

Es cofundador de Conflictivos Productions junto con Ati, donde realiza proyectos como Encarna (2003) y Hermético (2004) y produce Semántica (2005). Tras trabajar un tiempo para la productora inglesa Aardman como animador y diseñador conceptual, dirige para IB Cinema El ataque de los Kriters asesinos (2007), The Werepig (2008) y recientemente Vicenta (2009).

20 ANIVERSARIO DE LA SEMANA

La Semana cumple 20 años. Gran cantidad de visitantes, acontecimientos, proyecciones, anécdotas… se han sucedido a lo largo de estas dos décadas de cine y muchas más cosas.

Esta exposición recoge 34 fotos que tratan de contar una pequeña historia de lo que ha sucedido en el Teatro Principal y demás sedes lo largo de este tiempo. Son sólo unos apuntes, unos retratos de lugares, de amigos y visitantes, de momentos que se han convertido en historia de la Semana.

Robert Englund, Santiago Segura, Peter Jackson, Guillermo del Toro, Jess Franco, Tsukamoto, Naschy, M. A. y muchos otros forman parte de esta muestra.

H. R. GIGER EN SAN SEBASTIÁN

H. R. Giger es un polifacético artista suizo (Chur, 1940), creador de un imaginario propio, un mundo impactante y cautivador, plagado de cyborgs, monstruos, demonios y diosas satánicas, fetiches y pasajes góticos. Es uno de los principales representantes del Arte Fantástico y está considerado como uno de los artistas más importantes del panorama contemporáneo. Creador difícil de encasillar, tiene muchos vínculos con el simbolismo y el surrealismo. Pero el suyo es un surrealismo oscuro y terrorífico, inquietante, proyectado a través de sus imágenes visionarias que en muchos casos tienen aspecto de pesadilla y producen desasosiego.

La figura de Giger se asocia de inmediato con su creación más famosa, el monstruo protagonista de la película Alien, el octavo pasajero (Alien; Ridley Scott, 1979), sobre la que tanto se ha escrito desde su estreno. Y es que Giger es conocido fundamentalmente como creador de atmósferas claustrofóbicas y diseñador de monstruos debido a la fama que obtuvo con este film, hecho que ha marcado significativamente su carrera. La crítica especializada señala que con su trabajo en Alien cambió el look de la ciencia ficción, la revolucionó. Abrió la puerta a nuevas posibilidades de un género menospreciado hasta los años sesenta. Su look oscuro y siniestro, que generaba de inmediato un efecto turbador, se erigió como referente, y su monstruo se convirtió en uno de los iconos más famosos del cine contemporáneo, reconocido por el público general, no sólo por los aficionados al género.

Pero ante todo Giger es un artista plástico, dibujante, escultor, y sobre todo pintor, como le gusta reconocer, que cuenta con un estilo muy personal, acuñado por él mismo como “biomecánico”, en el que sintetiza formas de origen natural (lo biológico) y artificial (lo tecnológico) con gran destreza. Esta simbiosis es tratada a nivel iconográfico por la unión de lo orgánico con lo inorgánico, anatomías y órganos con objetos industriales, de la carne con el metal. Pero de una carne enfermiza y putrefacta, y un metal corroído y sucio. No es una unión agradable, más bien es complicada e incómoda, generadora de inquietud y desasosiego. Esta es una de sus grandes aportaciones al arte moderno, un concepto con el que crea una estética inconfundible, para abordar la problemática que rodea al ser humano en la época contemporánea, particularmente en la era tecnológica, en la que el hombre se halla esclavizado por las máquinas que invaden su entorno.

-VI JORNADAS DEL CÓMIC

VI Jornadas del Cómic
JUAN GIMÉNEZ

La Semana dedica este año una exposición a Juan Giménez, uno de los dibujantes de género fantástico y ciencia ficción más importantes de las últimas décadas.

Nacido en 1943 en la provincia de Mendoza (Argentina), comienza a dibujar a los diez años, y a los dieciséis ya realiza su primer trabajo profesional como historietista.

A finales de los 70 deja Argentina y recala en Europa, donde comienza a trabajar para diversas editoriales italianas, españolas y francesas y colabora habitualmente en Métal Hurlant. En 1979 publica Estrella negra, su primer trabajo a color. Luego aparecerían Basura, Cuestión de tiempo, El cuarto poder, Leo Roa, Juego eterno, La casta de los Metabarones… trabajos que denotarían su inclinación por lo fantástico y la ciencia ficción.

La aceptación por parte del público y la crítica lo han hecho merecedor de numerosos galardones internacionales: Mejor Dibujante elegido por los lectores de las revistas 1984 y Comix Internacional en los años 1983, 84, 85 y 90; Premio al Mejor Dibujante en el Salón del Cómic y la Ilustración de Barcelona en 1984; Yellow Kid otorgado por el Salón Internacional del Cómic de Lucca en 1990; Bulle D’Or en Francia en 1994. Sus trabajos han sido expuestos en distintas ciudades del mundo, sobresaliendo la muestra realizada en el Centro Georges Pompidou de París en 1997.

Euskadi Fantastikoa V
Álex Orbe / Manu Ortega

Tratando de aportar soluciones a la consabida crisis no se nos ocurren más ideas que intentar ofrecer estímulos a nuestras retinas y para ello nada mejor que una buena dosis de color acompañada de optimismo y sentimientos a flor de piel. Así la exposición que cada año dedicamos a autores vascos se centra en dos artistas cuyo nexo común es el dibujo ágil y expresivo adornado en ocasiones de vivos colores, pero que también nos recuerdan que la vida está llena de momentos de claroscuro.

El humor y el cachondeo los aporta Álex Orbe (Barakaldo, 1973), dibujante de estilo ágil, desenfadado y divertido que ha visto su trabajo impreso en publicaciones como Xabiroi, El Balanzín, La Comictiva, El País de las Tentaciones, Evasión de El Correo, Allons-Y…

Por contra Manu Ortega (Bilbao 1971) nos demuestra que el arte, al igual que la vida, está lleno de contrastes y muestra algunos de sus trabajos editados en Anaya, Erein, Elkar, Ikastolen Elkartea, SM, Edelvives, Santillana…

Eva Conde
El bosque de silencio

“Fruto de la simbiosis entre el arte y la literatura, y a caballo de la historia, la obra aquí expuesta refleja los claroscuros de la Vida. Esas raíces del submundo en que la frágil existencia manifiesta un esplendor que ahoga la “Magia Nocturna”, cuya representante esencial es la Mujer, verdadera sacerdotisa de la Noche. Ella convoca especialmente las fuerzas elementales y da a luz a sus hijos: la Nostalgia y el Amor, que obedecen a su hermano mayor, el Terror”.

Nacida en la generación del 87, la donostiarra Eva Conde creció en un entorno lleno de cuentos y de fábulas, cosa que marcó profundamente su adolescencia y le hizo recordar ese mundo paralelo a la vida ordinaria. Cursó los estudios medios con normalidad, garabateando todos sus cuadernos de mates, física y biología, algo que, por así decirlo, la mantuvo en continuo contacto con el arte. Llegada la edad decidió cursar la carrera de Bellas Artes en Bilbao. Gracias a ello tuvo la oportunidad de estudiar en Florencia, ciudad por la que quedó fascinada. Gran acérrima del mundo del cómic y del cine de terror, la joven artista supo fusionar el profundo humanismo de la capital del renacimiento con el plano de la imagen contemporánea.

-OTRAS ACTIVIDADES

Web oficial

Crítica: 9 (Nine)

2009-10-26T20:58:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: 9 (Number Nine)
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Shane Acker
GUIÓN: Shane Acker, Ben Gluck, Pamela Pettler
MUSICA: Deborah Lurie
REPARTO: Animación
PRODUCTORA: Focus Features; Productores: Tim Burton & Timur Bekmambetov
GENERO: Animación. Aventuras. WEB OFICIAL: www.numero9-lapelicula.es

ARGUMENTO

Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización. La historia transcurre en un futuro muy próximo. El invento conocido como la Gran Máquina activa y aporta energía a las máquinas que se han alzado contra la raza humana, diezmando a la población, antes de empezar a apagarse. El mundo pronto quedará destruido, pero un grupo de pequeños seres intenta salvar lo poco que queda de la civilización. Está compuesto por nueve criaturas a las que un científico infundió vida poco antes de la catástrofe. Entre el grupo, Número 9 (voz de Elijah Wood) demuestra tener madera de líder y cualidades que quizá les ayuden a sobrevivir e incluso a prosperar. Los demás miembros del grupo son Número 1 (Christopher Plummer), un veterano de la guerra, de carácter dominante y líder del grupo hasta la fecha; Número 2 (Martin Landau), un generoso y ahora frágil inventor; Número 3 y Número 4, gemelos de una gran erudición que se comunican sin palabras y sobre todo entre sí; Número 5 (John C. Reilly), un inquebrantable ingeniero; Número 6 (Crispin Glover), un artista errático atormentado por las visiones; Número 7 (Jennifer Connelly), una valiente guerrera autosuficiente, y Número 8 (Fred Tatasciore), el musculoso y no muy listo guardaespaldas de Número 1.

Con un grupo tan reducido, estas creaciones "stitchpunk" ("residuopunk", derivado de la corriente "steampunk") deben hacer acopio de una fuerza desproporcionada a su tamaño para engañar y luchar contra las máquinas que aún funcionan, una de las cuales es una bestia mecanizada. En las tinieblas que preceden al amanecer, Número 9 debe reagrupar y animar a los suyos para hacer frente común al peligro inminente... Acker ha desarrollado este largometraje a partir de un corto suyo de idéntico título que recibió una nominación al Oscar® en 2006. Producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov.

TRAILER

CRÍTICA

Todos recordaremos un título de animación atribuido a Tim Burton aunque no estuviese directamente dirigido por él mismo (aunque su implicación en el proyecto fuese cuasi-absoluta); me refiero, claro está, a Pesadilla antes de Navidad, un clásico de la animación moderna que se constituye como una joya y obra de arte por méritos de su director, el especialista Henry Sellick (Los Mundos de Coraline, James y el Melocotón Gigante) y su estupendo equipo de stop-motion. Pues bien, de seguro este título producido asimismo por el de Burbank no será tan próximamente identificado con su imaginario sino con el de su artífice, Shane Acker, un joven animador de Illinois que finalmente vio su galardonado corto 9 transformado en largometraje de la mano de uno de los artistas visuales más relevantes del Hollywood actual (pese a quien le pese).

Su postapocalíptica historia comienza cuando el protagonista de esta fábula, un animado híbrido hijo putativo de los alegres muñecos de trapo de Little Big Planet, 9, despierta y encuentra una serie de papeles y un extraño artefacto cerca del inerte cuerpo sin vida de un anciano. Desde ese momento su único objetivo es saber cómo ha llegado allí, cuál es la razón de su existencia, entroncando con la eterna cuestión, el carpe diem vital de todo ser pensante.

En su periplo se topará con seres semejantes a él, casi todos subyugados por las imposiciones de 1 y su aguerrido guardaespaldas 8, que temen enfrentarse a las temibles criaturas que diezman al grupo. Buscando respuestas, 9 despertará al más terrorífico de los cibernéticos horrores, causante de la destrucción de su antiguo mundo, la gran máquina voraz y destructiva que extendió su plaga por la ahora baldía Tierra. ¿Descunrirá nuestro amigo de trapo el secreto que derrote a su monstruoso adversario salvaguardando su existencia y la de sus recién descubiertos aliados?

Un espectáculo de imaginación desbordante el del debutante en el territorio del largo Acker. Un cuidado diseño artístico que se deja ver en cada detalle, por simple que este sea, ampliando el espectro de personajes que ya apuntase el realizador en su corto, dotando a cada caracter de personalidad y, porque no decirlo, emulando al científico del inicio de nuestra historia, un Geppeto que insufla de vida a un hijo que emprende un viaje iniciático hacia la vida adulta, enfrentándose en su devenir con decisiones cruciales, responsabilidades, el amor, la muerte, resumiendo, todo lo que da sentido y lo que se lo quita a la misma existencia, la esencia de lo que conocemos por Vida.

Y no es casual que el autor escoja nueve personajes, nueve características, nueve entidades para narrar esta pequeña gran aventura. La conocida "música de las Esferas" que promulgó Pitágoras, la vibración planetaria, la sincronía universal poseía según el matemático y filósofo griego traducción numérica, un armónico compuesto por nueve números, nueve dígitos que poseen en si mismos un principio activo, principio que en su aspecto humano determinaría la relación de nuestra vida y mente con la naturaleza, la relación existente entre los seres y el Universo... Quizás un tema demasiado profundo para un argumento que pretende destinarse a un público amplio (y que no obstante logra parcialmente al conseguir una calificación de no recomendada para menores de 13 en su país de origen).

Es en el tempo y en las relaciones entre los personajes donde la cinta queda un tanto desangelada (quizás al ser muñecos de trapo nos sea difícil acercarnos al sentir de los personajes) y algún que otro declive en el ritmo narrativo. Con un claro mensaje naturalista, antibelicista y contrario a la mecanización e industrialización masivos y globales que entronca con la tradición de la animación nipona de Ghibli y su máximo responsable Miyazaki (7, la valerosa guerrera doblada por Jennifer Connely en su versión original recuerda en su actitud e incluso en sus movimientos a Mononoke en todo momento), 9 se vertebra como un imaginativo viaje, interesante en su planteamiento pero no así en su resolución, un tanto confusa en su desenlace, pero no así exenta de atractivos, sin olvidar sus múltiples referencias literarias y cinematográficas (aparte de la mencionada Pinocho, poderosa la influencia de La Guerra de los Mundos o, por qué no, del Toy Story del Lasseter de Pixar).

Una firme candidata para convertirse en la película de estas navidades y que merece la pena de ser disfrutada en pantalla grande. Así que papis y mamis, prescindan de la opción de cine en casa y acérquense a las salas, no se arrepentirán.

Pedro García

Crítica: Pandorum Terrorificamente nefasta

2009-10-25T12:38:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Pandorum
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Christian Alvart
GUIÓN: Christian Alvart, Travis Milloy
MUSICA:Michl Britsch
REPARTO: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet, Norman Reedus, Cung Le, Niels-Bruno Schmidt, Yangzom Brauen, Alessija Lause
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Alemania; Constantin Film Produktion / Overture Films / Alliance Films
GENERO: Terror

WEB OFICIAL: www.pandorummovie.com

ARGUMENTO

Dos miembros de la tripulación de una nave espacial, el Teniente Payton (Dennis Quaid) y el Cabo Bower (Ben Foster), se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes. Conforme se adentren en las zonas más profundas de la nave, descubrirán que no están solos, y desvelarán el terrible misterio que rodea la desaparición del resto de la tripulación y de los pasajeros. Pronto se darán cuenta de que mantenerse con vida es mucho más importante de lo que puedan imaginarse: es el único modo de evitar la extinción de la raza humana.

TRAILER

CRÍTICA

Lo mejor de Pandorum es sin duda alguna los carteles que se han ido presentando en los últimos meses.

Porque mas allá de esa intensa y atractiva promoción, la película no ofrece más que un sinfín de referencias al terror y a la ciencia ficción que podría llevarnos todo el día enumerarlas: Desde Alien hasta Horizonte Final, pasando por el videojuego Dead Space, Resident Evil, Saw, The Descent y un montón de producciones más que están pasadas por la batidora tan incompetentemente que uno siente vergüenza ajena al asistir a esta proyección.

La historia trata sobre un par de tipos que despiertan de su hibernación en la nave sin saber qué demonios ha pasado y porque no hay nadie más en ella. Y nos meten unas criaturas que dios sabe de dónde han salido y que nos importa bien poco.

Y el director pretende hacer con estos elementos una competente historia de ciencia ficción y terror y se da con un canto en los dientes ante su nula capacidad como realizador.

Porque lamentablemente Pandorum es un filme infame que prometía sus buenos momentos en un tráiler atractivo y que resulta de una bajeza moral tal, que Christian Alvart debería exiliarse en la Antartida y no volver a dirigir nunca más, o mejor, debería pedir perdón por esta película a los espectadores y devolver reverencialmente el dinero de la entrada para así redimirse de sus pecados.

Narrada con pulso epiléptico y con planos constantemente oscuros, sus pretensiones terroríficas caen en saco roto, porque la película ni mantiene la tensión, ni mantiene el interés, ni mantiene la atención del espectador, que bosteza en cada uno de los 100 interminables minutos con los que osan torturarnos.

Intenta plantearnos una historia de ciencia ficción que nos engancha los primeros cinco minutos pero por la cual perdemos cualquier interés, y nos invita vehementemente a echarnos una siesta en la butaca donde soñaremos con alguna película probablemente superior a la que intentan vendernos.

Y todo ello adornado con unos actores que nos importan bien poco, con Dennis Quaid que conoció épocas mejores y un par de jóvenes actores que levantarán la lívido de las adolescentes pero que a cualquier hombre hecho y derecho le gustaría fusilar con una M4 para descargar toda la ira acumulada durante la proyección.

Finaliza la película y uno siente el alivio de que la tortura haya terminado y que esas ansias de suicidarse hayan desaparecido, porque hacía mucho, mucho tiempo que no veíamos una obra de ciencia ficción / terror tan nefasta, tan incompetente y tan estúpida como la que nos han presentado.

Podría, quizás debería, seguir sacándole defectos a este producto, como esos monstruitos de palo en secuencias de acción mareantes e insípidas, para que todo incauto con cierto interés en verla, se piense dos veces en que gastarse su dinero, debería hablar de esa nave, ese escenario plagio de la Nostromo que ni causa claustrofobia ni causa nada que no sea sueño, pero demonios, si sigo hablando de este esperpento probablemente acabaré vomitando el desayuno, la comida y cena de los últimos dos meses. Si alguien desea verla, bajo su cuenta y riesgo, servidor no se hace responsable de los problemas mentales causados por su visión. Avisados estáis.

Javier Moreno

Crítica: Solomon Kane Entretenimiento para el verano

2009-10-25T10:12:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Solomon Kane
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Michael J. Bassett
GUIÓN: Michael J. Bassett (Personajes: Robert E. Howard)
MUSICA: John Ottman
REPARTO: James Purefoy, Max Von Sydow, Pete Postlethwaite, Rachel Hurd-Wood, Alice Krige, Mackenzie Crook
PRODUCTORA: Coproducción Reino Unido-Francia-República Checa; Davis-Films / International Production Company / Wandering Star Pictures
GENERO: Aventuras

WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Cuento épico centrado en un soldado del siglo XVI atormentado por sus actos del pasado y que busca la redención combatiendo un siniestro poder que amenaza su reino.

TRAILER

CRÍTICA

He de decir que admito mi ignorancia supina respecto a la obra de Robert E. Howard más allá de Conan y Red Sonja. Confieso con total libertad que desconocía el personaje de Solomon Kane y es por ello que no puedo juzgar la película respecto al material original.

También es cierto que la película no ofrece mucho, y no da pie para un análisis más o menos profundo que nos permita analizar hasta la médula cada uno de los argumentos que nos presenta Michael J. Basset, director de la interesante aunque fallida Deathwatch, ambientada en la primera guerra mundial, y cuyo mayor logro era un estilo visual poderoso.

El mismo logro que el de esta Solomon Kane. Porque a la película se le podrá criticar por muchos otros motivos, pero lo que es innegable es que posee un diseño de producción impecable, donde se nota la dedicación que le han puesto a la hora de recrear esa Inglaterra del siglo XVI.

Más allá de ello, Solomon Kane ofrece la clásica película de aventuras con antihéroe redimido, que visualmente se acerca más a la excelente Conan El Bárbaro de John Millius que a las orgías infográficas de Peter Jackson, y quizás ese sea su mayor logro y acierto, recuperar para la gran pantalla esa estética ochentera que tantos buenos ratos nos hizo pasar los sábados a media tarde frente al televisor y el cine.

No busca otra cosa que entretener al público, y hemos de decir con orgullo que lo consigue, porque su función era esa y la cumple perfectamente. Podríamos echar en falta miles, millones de cosas dentro de lo que nos ofrecen: Que sea más visceral (aunque sangre tiene), que dibuje mejor los personajes (todos ellos planos y arquetípicos), que busque la aventura mas allá de lo que nos muestran… Pero sería pedir demasiado a una película de estas características, donde el malo se convierte en bueno y debe acabar con los malos para salvar su alma. Quizás demasiada apología religiosa para el que este texto escribe, fiel devoto del ateísmo más radical y desmesurado, pero también es cierto, que un guión mas pulido podría haber profundizado en esa residual dualidad entre el bien y el mal que en un momento puntual nos regalan. Y es una pena, porque si lo hubieran hecho, la película probablemente hubiera ganado en profundidad y hubiera acabado siendo algo más que un mero espectáculo devora palomitas.

Al margen de esta disyuntiva, nos encontramos con un grupo de actores a cada cual peor, desde James Purefoy, émulo bastardo y versión barata de Hugh Jackman hasta Pete Postlehwaite, grandísimo actor de carácter completamente inocuo en esta obra, pasando por otro grupo de actores irrelevantes a pesar del nombre que arrastran. Pero tampoco es intención de la obra ofrecer interpretaciones celestiales, es más, hubiera sido una completa sorpresa, encontrarnos con alguna interpretación mínimamente potable en esta bacanal de espada y brujería, donde los desmembramientos están a la orden del día aunque sean más bien pocos.

Nada mas queda por añadir en la crítica de esta producción británica, exclusivamente orientada a públicos poco exigentes que simplemente buscan evadirse un sábado por la tarde mediante una entretenida película de aventuras con malos muy malos que pagarán por sus errores, mucho látex y algunos efectos visuales realmente buenos. El resto, nos liberaremos de nuestros prejuicios y nuestras filias cinematográficas para intentar pasar un agradable pasatiempo más propio del verano que de las fechas en las que estamos.

Javier Moreno

Crítica: Dogtooth (Canino) El mito de la caverna mas terrenal

2009-10-25T09:40:00.001Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Kynodontas
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Grecia
DIRECTOR: Giorgos Lanthimos
GUIÓN: Efthymis Filippou, Giorgos Lanthimos
MUSICA: ---
REPARTO: Christos Stergioglou, Michelle Valley, Aggeliki Papoulia, Mary Tsoni, Hristos Passalis, Anna Kalaitzidou
PRODUCTORA: Boo Productions / Greek Film Center / Horsefly Productions
GENERO: Drama.

WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Un padre, la madre y sus tres hijos viven en una mansión a las afueras de una ciudad. Hay un cercado muy alto que rodea la casa, y los chicos nunca han salido de ella. Están siendo educados, entretenidos, aburridos y ejercitados con los métodos que sus padres juzgan apropiados, sin ninguna influencia del mundo exterior. Creen que los aviones que pasan volando son juguetes, o que el mar es un tipo de silla forrada de cuero. La única persona a la que se le permite entrar en la casa es Christine, que trabaja como guardia de seguridad en la fábrica del padre. Éste le hace visitar la casa para saciar las necesidades sexuales del hijo.

TRAILER

Kynodontas (Dogtooth) - Trailer

CRÍTICA

El cine griego debería estar de enhorabuena con la existencia de esta Kynodontas. Si ya de por sí es casi imposible asistir a la proyección de una película de este país, más difícil aún es encontrarnos ante todo un descubrimiento como es la película de Giorgio Lanthimos.

Una película que dentro del festival de cine de Sitges quizás no encaje del todo, si no fuera por esa atmosfera pseudoirreal y parafantástica que la rodea, porque no cabe duda de que no estamos ante una película de género propiamente dicha, sino de un drama en toda regla que teoriza acerca del conocimiento, el control humano, y parafraseando al cristiano San Agustin sobre “La ignorancia es el opio del pueblo”.

La película debe calificarse como autentica sorpresa, sorpresa por la capacidad de enganchar al espectador con una historia ciertamente espeluznante: Un padre y una madre mantienen encerrados a sus hijos en una casa cercada por una valla, sin poder salir, y recibiendo una educación que podríamos calificar de fascista.

Y a partir de una premisa tan interesante, entre escenas de sexo puntuales y caracterizaciones teatrales por parte del grupo de actores (realizadas a propósito, lo cual recomienda al espectador visionarla en VOSE) nos encontramos con un análisis fehaciente y milimétrico del mito de la caverna de Platón rodeado de humor negro, muy negro.

Porque Kynodontas no deja de versar sobre la alegoría del filósofo griego. Donde otros, americanos para más señas, necesitan una trilogía, millones de dólares y una historia ciberpunk para escribir sobre lo mismo, Lanthimos se basta y se sobra de 5 personajes, una casa y mostrar la educación de 3 personas que perfectamente podrían habitar en esa caverna, atados de pies y manos para no alcanzar el verdadero conocimiento, y viviendo un perpetuo engaño donde las cosas no son como realmente se muestran, y como en el famoso mito, uno de los personajes se liberará de sus ataduras (y dará sentido al título) para ver más allá de lo que su microcosmos forzado le ofrece.

Pero más allá de los valores filosóficos mostrados, Lanthimos da buena cuenta de cómo se crean los estados de represión del pensamiento y de la libertad del ser humano mediante esta historia de deconstrucción familiar, donde traslada lo que puede suceder en un futuro no muy lejano a esta vastedad minúscula, forzando a creer a sus personajes en lo increíble y obligándoles a crecer en una mentira permanente en un sistema aparentemente perfecto, donde todos son felices, pero que como en todos los casos, acaba haciendo aguas ante la innata curiosidad del ser humano por saber.

Para dar argumentos que sustenten cada una de sus teorías, el realizador nos ofrece una serie de escenas, de sobria ejecución, simplismo planteamiento pero eficaz a todas luces. Escenas que provocan la carcajada en el espectador, pero que se torna en inquietud ante la veracidad mostrada en imágenes. Y es que su mayor logro es que todo el conjunto adquiere un tono de realismo extremo que inquieta en la butaca y que por encima de todo nos hace plantearnos si realmente es tan difícil que eso suceda.

Una inquietud que no finaliza tras la proyección, sino que ayuda al espectador, lo obliga a reflexionar sobre ello para buscar las vías necesarias que eviten algo tan terrorífico y plausible como el control de las masas en el siglo XXI. Desconozco plenamente si Lanthimos ha leído La Rebelión de las Masas de Ortega y Gasset, pero sea afirmativa o no la respuesta, las inclusiones de algunas teorías expuestas por nuestro filósofo patrio son identificables en muchos segmentos del metraje.

Metraje arriesgado, que quizás podría ser más visceral por su propia concepción, pero que huye de la sangre y la fantasía más radical para presentar ideas universales e ineludibles. Una película con encanto que seduce más por lo que transmite que por lo que muestra. Excelente.

Javier Moreno

Crítica: Mr. Nobody Complejamente bella, humanamente arrebatadora

2009-10-25T08:10:00.002Z

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Mr. Nobody
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Bélgica
DIRECTOR: Jaco Van Dormael
GUIÓN: Jaco Van Dormael
MUSICA:
REPARTO: Jared Leto, Diane Krueger, Sarah Polley, Rhys Yfans, Juno Temple
PRODUCTORA: Somebodies Productions
GENERO: Ciencia Ficción

WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Un hombre lleva una vida normal junto a su mujer y sus 3 hijos. Un día, da un salto en el tiempo y, como por arte de magia, se convierte en el hombre más viejo del mundo, en el año 2092. En un futuro donde nadie muere, se ha convertido en el único mortal. Ahora sólo quiere averiguar qué ha pasado, y recuperar su vida cotidiana junto a su mujer y sus hijos.

TRAILER

CRÍTICA

Para el que escribe estas líneas, la mejor película del festival de Sitges no fue la excelente Moon del debutante Duncan Jones, sino esta pequeña pero gran producción belga titulada Mr. Nobody, posiblemente una de las películas más memorables que nos haya dejado la edición del 2009.

Debo decir que vi la película sin conocer nada del argumento y solo teniendo constancia de su duración, nada menos que 137 minutos, pero debo añadir, que durante los créditos finales, una lágrima casi recorre mis sentidos al haber disfrutado como pocas veces con esta bellísima historia.

Historia cuyo argumento es difícil definir. Y es que Mr. Nobody es una película compleja, el argumento facilitado por la productora no hace verdadera justicia a lo que nos ofrece, porque es difícil discernir en qué consiste este puzzle donde viajes en el tiempo, realidades paralelas, fantasías futurísticas y amores imposibles se funden en uno solo para construir una hermosa apología sobre lo maravilloso que es vivir.

Me gustaría poder decir realmente de que va Mr. Nobody, pero Jaco Van Dormael, tal y como hicieron anteriormente Darren Aronofsky en la magistral The Fountain o Stanley Kubrick en 2001 deja esa decisión a elección del espectador, porque Mr. Nobody trata sobre lo que el espectador quiera que trate, de esta manera, nos podemos encontrar con una historia de ciencia ficción pura y dura, un drama romántico o una fantasía dentro de la mente del propio personaje, y en ello reside su grandeza, porque será el espectador quien elija el argumento de la película, algo difícil, valiente, atrevido, pretencioso dirán algunos, pero el realizador de obras como Toto El Héroe lo ejecuta de tal manera que no me queda otra que aplaudir su osadía y su brillante resolución.

Una resolución que está al alcance de pocos directores, con un presupuesto ciertamente holgado, pero del que sale más que airosamente en esta fábula digna del mejor cuento de hadas. Porque eso es Mr. Nobody, un cuento de hadas donde el espectador que se deja llevar, es encandilado a todos los niveles por la historia o historias del personaje interpretado por Jared Leto.

Un Jared Leto inconmensurable, un gran actor que siempre permanecerá a la sombra de otros más reconocidos, pero que demuestra una vez más, y van unas cuantas, que es uno de los mejores actores de su generación. A su lado, las bellísimas Diane Krueger y Sarah Polley, actriz esta última por la que siento una debilidad especial desde que la descubrí en Mi Vida Sin Mí de Isabel Coixet, vuelven a demostrar su categoría con papeles antagónicos, complicados, sensibles pero llenos de vida.

Sobre todo llenos de vida, como la película, porque cada una de las escenas que se nos pasan ante los ojos están cargadas de una vitalidad desbordante, nos sacan una pequeña sonrisa del rostro y nos recuerdan que estamos aquí para ser felices. Una felicidad que cada uno de los elementos en pantalla nos contagia y nos abraza. Y nos gustaría permanecer así largo tiempo, siendo tentados y acorralados por la satisfacción de haber asistido a una película única en su especie.

¿De qué va Mr. Nobody? que más da el argumento, lo importante es las sensaciones que impregna en el alma, y eso no tiene precio. Maravillosa, y con toda seguridad, una de las 10 mejores películas del año. Y un pequeño adelanto, se convertirá en una obra de culto y en un clásico con el tiempo, palabra, pocas películas nos dejan con un sabor de boca tan placentero y nos hacen salir del cine sabedores que no hemos visto una película más, sino una de esas películas que marcan el devenir de nuestras vidas. Un gran regalo de navidad anticipado.

Javier Moreno

Primera foto oficial del nuevo Equipo A

2009-10-24T22:41:00.004+01:00

En efecto, ya empezamos a recibir imágenes del nostálgico remake del grupo de ex-prófugos militares más famoso de todos los tiempos, el querido Equipo A. Por cortesía de Cinematical la primerísima imagen oficial de esta producción que va a dar que hablar, seguro.

Evitando las comparaciones, que siempre son odiosas, simplemente os dejamos con el antes y el después de una leyenda, para vuestra consideración. Se admiten todos los comentarios, incluso los hirientes (que de seguro los habrá). Y no, para el que tenga la duda de si van disfrazados para este próximo Halloween lo desmentimos desde ya.

Esperemos que vayan más allá de un icono fisonómico e impriman un carácter único a sus interpretaciones...

Crítica: The ChildrenLa Piel Dura

2009-10-24T16:07:00.007+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: The Children
AÑO: 2008
NACIONALIDAD: Gran Bretaña
DIRECTOR: Tom Shankland
GUIÓN: Tom Shankland (Historia: Paul Andrew Williams)
MUSICA: Stephen Hilton
REPARTO: Eva Birthistle, Freddie Boath, Raffiella Brooks, Stephen Campbell Moore, Jake Hathaway, William Howes, Eva Sayer, Jeremy Sheffield, Rachel Shelley, Hannah Tointon
PRODUCTORA: Vertigo Films / Screen West Midlands
GENERO: Terror

WEB OFICIAL: www.thechildrenmovie.com

ARGUMENTO

Una tranquilas vacaciones navideñas familiares se convertirán en una pesadilla cuando los niños empiecen a cambiar de actitud hacia sus padres y a desarrollar extrañas habilidades.

TRAILER

CRÍTICA

Seres angelicales e inocentes en apariencia, demoníacos y malvados en su interior, así es la figura del niño en el cine de terror, un recurso de lo más efectivo a la hora de sobresaltar al incauto espectador en la sala de cine. 

Si bien en los primeros años del género se prefiriese alejar a las tiernas criaturas de temas intocables como el satanismo o las posesiones diabólicas actualmente los réditos de las producciones con niño malvado son tan cuantiosos que se han convertido en el elemento básico de las más exitosas y escalofriantes producciones de terror. Pequeños posesos, mutaciones maléficas, traumas infantiles y terroríficos secretos pueblan los rincones más oscuros del celuloide.

Hace la friolera de treinta y tres años un osado autor multidisciplinar uruguayo adaptó y presentó en el cine Proyecciones de Madrid la novela "Un Juego de Niños" de Juan José Plans, donde se planteaba una demoledora cuestión: ¿Quién Puede Matar a Un Niño? La pregunta que formuló Narciso Ibañez Serrador en aquel entonces ha sido replanteada y contestada en múltiples ocasiones, y ahora el realizador Tom Shankland no se piensa dos veces el contestar: para preservar mi integridad y sobrevivir, yo podría matar, sí.

Tomando como base la anodina Abrazo Mortal (The Children, Max Kalmanowicz 1980), donde un autobús escolar de regreso al hogar se ve afectado por una nube tóxica que transforma a sus infantiles pasajeros en zombies de uñas negras que abrasan con su abrazo a los incautos adultos, la cinta británica adopta una postura que, aunque con reticencias iniciales, es pareja: la aniquilación de los niños.

Este para nada tierno cuento de navidad comienza cuando dos parejas y sus respectivos hijos se reúnen en la casa de campo de una de ellas para pasar las vacaciones. Todo parece idílico: un bello paraje natural bordeado de bosques, apacible y nevado donde disfrutar con la familia el periodo de descanso. Sólo un pero: uno de los niños parece que comienza a sentirse enfermo, quizás un simple constipado o un brote de gripe, quien sabe, de seguro se le pasará. Pronto los demás pequeños comienzan a presentar parecidos síntomas, y lo que en principio se supone dolencia se torna en una extraña conducta de los niños hacia los adultos, tan atípica como mortífera, ya que su único objetivo será acabar con ellos...

Con total naturalismo y sin concesiones Shankland narra el dilema de unos padres y una hermana mayor que pasan por un proceso de negación y de posterior defensa de su integridad, exponiendo la cuestión sin miramientos, sin medias tintas, a veces, las menos, con una total crudeza y brutalidad extremas, aunque no llegando al extremo, conteniendo su impulso y dejando entrever en lugar de ser totalmente explícito...

La cuestión que planteasen clásicos del género como El Pueblo de los Malditos (Village of the Damned, Wolf Rilla 1960), la disyuntiva entre la lucha por la supervivencia y el amor incondicional y protector de los padres hacia sus hijos. Amor o defensa, esa es la cuestión.

La asepsia de los parajes nevados, su descarnada desolación y la sensación de aislamiento que se transmite en el film son otro de sus aciertos, construyendo un clima de extraña irrealidad, los elementos de una macabra fábula que poco a poco va deslizándose hacia su macabra moraleja. Porque según transcurren los minutos la lucha se recrudece, los comportamientos y las transformaciones físicas de los pequeños van siendo cada vez más evidentes (el extraño "virus" que les afecta deja asimismo secuelas somáticas en sus delicados cuerpecitos), lo inevitable sucede, lo pragmático se impone a lo sentimental, los zombies de corta estatura, niños perdidos de un Nunca Jamás de malignidad mortal que obedecen sólo a un deseo destructivo. Y como puente entre el estadío adulto y el infantil una joven adolescente, incomprendida por sus mayores, testigo y anunciadora del desastre, que se erigirá como elemento de cordura en el desenlace del film (¿o quizás no?).

Quizás el problema de este The Children que impide que estemos ante un ejercicio redondo sea que no acabe de arriesgar, de quedarse en el filo de la inquietud y el mero desasosiego, lo que en momentos se muestra explícitamente se torna en timidez y vergüenza, quizás para contentar a una colectividad más amplia de espectadores, o evitar el obtener una calificación más restrictiva para la película que menoscabase su carrera comercial. Dando como producto final un rutinario ejercicio de género con look de telefilm de sobremesa.

"Hay cosas que no deberían", una de las frases del libro de Plans que resumen perfectamente la aberrante y enajenada historia de The Children, parábola de los conflictos generacionales en el seno familiar, con un mensaje moralista de escaso calado gracias a la falta de implicación y valentía de su realizador, de su sutileza a veces incongruente.

Por tanto, en estos tiempos que corren en los que la presunción de culpabilidad (ya no de inocencia) y, por tanto, las penas impuestas son atenuadas dependiendo de la edad del delincuente, se torna la ley del menor como instrumento salvaguardador de la impunidad de multitud de actos que, aplicando la lógica, no quedarían sin merecido castigo, ya no al extremo ni aplicando la metodología del film, pero si de una manera bastante más acorde con el daño ejercido.

Después de la anterior declaración de principios sólo me queda decir: ¿os atrevéis a jugar con Los Niños?

Pedro García

Crítica: The Final Destination La Muerte hace Horas Extras

2009-10-24T13:06:00.003+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: The Final Destination (Final Destination: Death Trip 3D) (Final Destination 4)
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: David R. Ellis
GUIÓN: David Johson, Alex Mace
MUSICA: Brian Tyler
REPARTO: Krista Allen, Nick Zano, Richard T. Jones, Shantel VanSanten, Stephanie Honore, Andrew Fiscella
PRODUCTORA: New Line Cinema / LivePlanet
GENERO: Terror

WEB OFICIAL: thefinaldestinationmovie.com/

ARGUMENTO

Nick O’Bannon y unos amigos acuden a un circuito de carreras para presenciar una prueba del Nascar. Durante ésta tiene lugar un terrible accidente que conlleva desastrosas consecuencias para el estadio. Pero Nick descubre que se trata de sólo una visión de algo que está a punto de suceder, y junto con otras doce personas consigue salir del recinto y escapar de una tragedia segura. Pensando que han burlado a la muerte, el grupo continúa con su vida, pero desafortunadamente para Nick, Lori y sus amigos sólo es el principio, ya que la muerte no deja cabos sueltos, y regresará para llevarse a los supervivientes de una manera brutal.

TRAILER

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CRÍTICA

Quien acude a las salas para disfrutar de un título de la franquicia Destino Final ya sabe sobradamente a lo que expone. Si hace unos años esperábamos la siguiente entrega de series como la del deforme Voorhees deseando ver cual sería la nueva vuelta de tuerca en la saga, cuál sería en esa ocasión la selección de técnicas homicidas que el psicokiller enmascarado utilizaría para la ocasión, en Destino Final el ente aniquilador que manipula las circunstancias para quitarse de enmedio a las, por otra parte prevenidas víctimas, es la propia Muerte, que como ya sabemos no se coje vacaciones (ni posee el aniñado rostro de Brad "Joe Black" Pitt), sino que hace horas extras para acabar una labor incompleta, cumplidora que es ella...

El esquema como en anteriores ocasiones se repite: el protagonista en cuestión sufre una visión premonitoria inicial (la espectacularidad y sanguinolencia capítulo tras capítulo va in crescendo, aquí realzada al extremo por la grandiosidad y efectismo de las técnicas tridimensionales) que evita la defunción de un número determinado de personas, amigos incluidos para, posteriormente, contemplar como se produce el bodycount sobrenatural de rigor sin poder remediar los decesos accidentales, aún previéndolos, secuela tras secuela más originales y sangrientos si cabe. La carrera es contrarreloj, intentar evitar las tragedias que se van sucediendo ganando por la mano a la Parca, que tiene más trucos en la manga de su apolillada túnica que Juan Tamariz en su chistera. El divertimento está asegurado, las cartas están sobre la mesa y lo que hay que adivinar es donde está el as ganador, cual será la treta empleada para dar matarile a la incauta víctima. Y es ahí donde radica el genio ya no diría de ésta, sino de toda la serie. Buen ejemplo de ello una escena: la de la madre que acude al centro de estética con sus hijos a darse unos retoques de urgencia, un excelente ejercicio de la utilización del mcguffin hitchcockniano y de la tensión narrativa en imágenes.

Y como es debido de tales principios y desarrollos, un final a la altura, de inexistente originalidad para no salir del esquema preestablecido, guiños al espectador incluidos (el pasaje del "inmortal" que por más que intenta acabar con su vida antes de que la cruel Huesuda le alcance no lo consigue, una extraña perversión del Phil Connors en Atrapado en el Tiempo, no deja de tener cierta gracia).

Pero bueno, se suele decir que no hay que pedir peras al olmo, y no hemos de esperar demasiado más de este entretenimiento que lo que honestamente ofrece, sin más pretensión que divertir durante poco menos de hora y media, que también es de agradecer o resultaría demasiado repetitiva, con actuaciones más bien rozando lo regular y que consumiremos y olvidaremos en menos tiempo que lo que se tarda en engullir nuestra obligada ración de palomitas y refresco durante la sesión. Y es que ya estamos prevenidos y preparados para lo que nos depara este Destino Final, para muchos Fatal...

Una última nota a destacar de la película: unos geniales títulos de crédito que nos sirven a modo de resumen de lo acontecido en las anteriores entregas. Impagable.

Pedro García

Neill Blomkamp prepara su próxima película Y no se sabe nada de ella

2009-10-23T14:27:00.003+01:00

El director de una de las sorpresas del año, Distrito 9, ya tiene su próxima película en preproducción. Se llama.... emmm, no se sabe, pero trata sobre.... tampoco lo sabemos.

Lo único que se sabe de momento es que volverá a ser de ciencia ficción, que el rodaje comienza a mediados del 2010 y que Blomkamp se encuentra escribiendo el guión y preparando los efectos especiales.

La verdad es que MRC , la productora, podría haberse estirado mas con la nota de prensa.

Ghost In The Shell tiene luz verde Tras varios años en el limbo

2009-10-23T14:21:00.004+01:00

Tras años acumulando polvo, el remake americano de Ghost In The Shell con actores reales por fín tiene luz verde. La película que será rodada en 3-D (como no), será producida por Dreamworks.

Actualmente no hay director elegido (y espero que no la fastidien), pero Laeta Kalogridis, guionista de la próxima película de Scorsese Sutter Island, se encuentra adaptando el texto de Masamune Shirow.

Si ha estas alturas todavia queda alguien que no conozca el manga o el anime dirigido por Mamoru Oshii merece ser encarcelado.

Saw VI no se estrenará hoy Buenavista recurre la decisión

2009-10-23T14:08:00.004+01:00

Finalmente Buenavista, propietaria de la distribución en España, ha decidido no estrenar de momento la polémica Saw VI, tras la calificación X otorgada por el ministerio de cultura.

El estreno se atrasa indefinidamente, debido a que la distribuidora española ha presentado un recurso que deberá ser valorado por el comité correspondiente, a la espera de la decisión que se adopte, Saw VI no se verá en las salas españolas, y en función de si el recurso prospera o no, tomarán una decisión u otra respecto a la película.

Según un informe interno, Saw VI iba a estrenarse con nada menos que 300 copias. Cada copia le cuesta a Buenavista 2.000 euros, con lo cual, sin contar con los costes publicitarios, Buenavista ha perdido nada menos que 600.000 euros.

Veremos como acaba todo esto, mientras tanto podeis leer nuestro editorial acerca del tema aquí.

Crítica: Paranormal Activity Fantasmas de Alcoba

2009-10-22T23:15:00.003+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Paranormal Activity
AÑO: 2007
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Oren Peli
GUIÓN: Oren Peli
MUSICA: ------
REPARTO: Katie Featherston, Micah Sloat, Amber Armstrong, Michael Bayouth, Mark Fredrichs, Randy McDowell, Ashley Palmer, Tim Piper
PRODUCTORA: Paramount Pictures / DreamWorks
GENERO: Terror. Sobrenatural

WEB OFICIAL: www.paranormalactivity-movie.com

ARGUMENTO

Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Ella es una estudiante próxima a graduarse de profesora, y él es un corredor de bolsa que trabaja desde su casa. Llevan tres años viviendo juntos en una casa que hasta ahora parecía que era todo normal, hasta que comienzan a aparecer fenómenos extraños paranormales...

TRAILER

CRÍTICA

El revuelo que a finales de los 90 causase un par de estudiantes de cinematografía con una modesta producción que no pasaba de ser un vídeo casero, falso documental de tres jóvenes que desaparecieron en extrañas circunstancias investigando el origen de una leyenda local, propiciado por una masiva campaña viral en internet, de las pioneras en aquel entonces en el medio, propició la proliferación de cintas similares que intentaron sumarse al éxito de aquella ópera prima de esos dos jóvenes que supieron utilizar inteligentemente la red de redes, un vehículo que ha ido cobrando paulatinamente más relevancia como herremienta de interacción y comunicación global. Por supuesto hablamos de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez y el t´tulo en cuestión, El Proyecto de la Bruja de Blair.

Muchos años después, con un público saturado de reality shows televisivos al estilo Gran Hermano donde la convivencia de un grupo de individuos polémicos y anodinos constituye todo el interés del espectáculo, nos llega Paranormal Activity, otro falso diario en video que, dicen las malas lenguas (o las más promocionales, mayormente) causó pavor al Rey Midas del panorama cinematográfico, Stevie "ET" Spielberg, a la postre directivo y propietario de la compañía que, oh casualidades y/o causalidades, distribuye la cinta, exhibida por primera vez ya hace dos años en el Screamfest de Los Ángeles y que circuló por festivales con relativo éxito hasta que un ejecutivo de la Paramount se fijase en ella.

¿Qué nos cuenta esta Actividad Paranormal? La historia es simple: una joven pareja comienza a experimentar una serie de extraños sucesos en el seno de su hogar, principalmente cuando la casa se halla más tranquila durante la noche: ruidos inexplicables, puertas que se mueven, objetos que caen sin motivo aparente... Es entonces cuando deciden documentar la "actividad" en video, intentando encontrar explicación a lo que allí sucede, en parte relacionados con extraños episodios que viviese la protagonista durante su juventud, unos fenómenos que paulatinamente se irán tornando más violentos...

Construida a partir de una serie de cortes caseros el ritmo de la experiencia es pausado, un ejercicio de documentación diario alternando escenas de la cotidianidad de la pareja, una interpretación sin demasiados efectismos y parafernalia que pronto provocan en el espectador una sensación de empatía y familiaridad. Es en dicho proceso en el que el film invierte la mayor parte del metraje, y en la que mucho del público asistente en la sala se pregunta "¿cuándo va a empezar a pasar algo?" para la desesperación de alguno. Pero es precisamente este período de arranque, este estadio de "normalidad" el que sirve de preparación del terreno a lo que a continuación acontece.

Es en su último tercio cuando experimentamos el terror de los sucesos que se tornan más manifiestamente agresivos, principalmente con la joven esposa, que experimenta episodios de sonambulismo, amenazas físicas (que dejan a uno totalmente aferrado a su butaca) al estilo del clásico El Ente (The Entity, Sidney J. Furie), sin aquel componente sexual, por supuesto, desembocando en un final totalmente impactante que arrancó aplausos del allí público asistente. Cierto que el argumento pierde fuelle en alguna de sus partes (básicamente en el episodio del investigador paranormal, una interpretación decididamente poco acertada), invita al desinterés sobre todo en su prolongada presentación, pero totalmente necesaria para conocer a los protagonistas de la historia, su relación y su confrontación al elemento extraño que se inmiscuye en su feliz existencia, implacable.

Cercana en el tiempo como tenemos a la fallida Arrástrame al Infierno (Drag Me to Hell, 2009), con la interesante Allison Lohman acosada por un malévolo espíritu, es ievitable encontrar analogías con aquella historia, si bien desde la perspectiva de la normalidad (y es que es verdaderamente difícil plantearse las reacciones adecuadas de tener este tipo de situación en el hogar de uno), por lo que hace que esta experiencia adquiera mayor verosimilitud según transcurren los minutos y nos metemos en la piel de los protagonistas, cazafantasmas novatos émulos de Iker Jiménez en sus correrías nocturnas en pos de documentar lo imposible.

En resumen un rato agradable pasando miedo del bueno, sin concesiones, sin efectismos, la raíz del terror en su máximo y más simple componente. Eso s´, esa noche, después de volver del cine, miren bajo sus camas, por lo que pueda pasar...

Pedro García

Crítica: Sorority Row El Asesino de la Hermandad

2009-10-22T23:05:00.004+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Sorority Row
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Stewart Hendler
GUIÓN: Josh Stolberg, Pete Goldfinger (Remake: Mark Rosman)
MUSICA: Lucian Piane
REPARTO: Briana Evigan, Rumer Willis, Carrie Fisher, Jamie Chung, Julian Morris, Leah Pipes, Margo Harshman, Audrina Patridge
PRODUCTORA: Summit Entertainment
GENERO: Terror. Slasher

WEB OFICIAL: thetapi-ordie.com

ARGUMENTO

Remake de la cinta de terror de 1983 titulada 7 Mujeres Atrapadas ("The House on Sorority Row"). La película se centra en un grupo de chicas de una hermandad que intentan ocultar la muerte accidental de una amiga de la hermandad. Ocho meses después, las chicas parecen haber olvidado el suceso y se preparan para su fiesta de graduación. Sin embargo, alguien comienza a mandarles imágenes del día en que enterraron a su compañera y son entonces perseguidas por un asesino en serie.

TRAILER

CRÍTICA

Todo es cíclico: tendencias musicales, moda, estilos literarios, incluso alternancias políticas... Un fenómeno de masas como el séptimo arte no es ajeno a este tipo de rotación, si bien es cierto que el reciclaje actual en casi la totalidad de las ocasiones obedece a una conjunción de falta de creatividad y obtención réditos sin complicaciones en la taquilla del primer fin de semana, fecha de caducidad del hit del momento en cuestión, desgraciadamente para muchos de nosotros.

Sorority Row se guía por los anteriormente citados parámetros para ofrecernos un estándar que se repite hasta la saciedad: rostros bonitos, cuerpos de escándalo, asesino en serie vengativo empeñado en hacer picadillo a los mencionados agraciados rostros y giro final "inesperado", para que se van a herniar gestando un guión original si con lo de siempre lo tienen ya todo hecho. Y no, no busquéis ningún tipo de originalidad en esta historia donde unas amigas y compañeras de fraternidad, al gastar una pesada broma se ven envueltas en el asesinato accidental de una de ellas, con el subsiguiente juego de "vamos a esconder el cadáver, somos jóvenes, guapas y mega-guays y un cadáver no pega con el color de los zapatos, osea". La menos descerebrada de ellas (que tampoco es decir mucho), aunque reticente, guarda silencio por el absurdo juramento de fidelidad de la hermandad, para años después comenzar a arrepentirse al comprobar, oh casualidades del celuloide de género, que las implicadas van cayendo como moscas quizás a manos de la supuesta fallecida (he ahí el misterio que ni Iker Jiménez se molestaría en resolver).

Tras todo ese alarde de genialidad un final a la altura de las circunstancias: giro argumental mil veces visto y descubrimiento del autor de todo el desaguisado (seguro que ni os lo esperábais). Bien podrían haber cambiado el título por el de "Cansado Estoy de Saber lo que Hiciste el Último Verano" si alguna de las glándulas mamarias (convenientemente cubiertas, no estamos en los 80, señores) que se pasean por la película hubiese sido de la últimamente desmejorada Jennifer Love-Hewitt, aunque las féminas que circulan soltando algún grito que otro y sufriendo los más horrendos castigos (achicharramientos, degolladuras varias y violentas felaciones botelliles) se las apañan suficientemente bien sin su ayuda ni la del gemelo pescador de aquel verano, aquí sustituido por una enigmática figura encapuchada armada con el aderezo customizado pertinente, en esta ocasión una llave de cruz (sí, de las de aflojar las tuercas cuando cambias la rueda del coche, instrumento asesino de la desdichada hermana del inicio de la historia) dotada de afiladas terminaciones para la ocasión homicida (los garfios se conoce que están un poco obsoletos en el siglo XXI), envidia de shurikens de asiáticos enloquecidos con uniforme ninja, ahí es nada. Pero eso no es todo: nuestro homicida es también adicto al teléfono móvil y avisa antes de actuar (y es que no hay nada peor que un psicópata con tarifa plana).

Y es que a pesar de su inspiración ochentera, puesto que la víctima del expolio es en esta ocasión 7 mujeres atrapadas (The House on Sorority Row, Mark Rossman, 1983), slasher de bajo presupuesto que comparte el nexo de la Hermandad, la broma y el asesinato, pero que transcurre por unos derroteros bastante más interesantes y enigmáticos manteniendo el suspense de manera más efectiva que la tediosa cinta actual, reitero, a pesar de esa inspiración el espíritu del Kevin Williamson de Scream, sus secuelas y de otra saga guionizada inicialmente por él, la citada de "El Último Verano" se encuentra planeando en todo momento sobre nuestras cabezas, con bastante menos gracia, eso sí, sobre nuestras aborregadas testas por tanto producto en serie made in USA, engrosando las filas de exitazos del estilo San Valentín Sangriento, que al menos presentaba como novedoso el nuevo formato tridimensional, sin aportar mucho más, la verdad. Y no es que el subgénero del slasher destaque por su notable originalidad, para nada, pero de ahí a vendernos otro producto repetitivo, tedioso y reciclado va bastante, y es justamente de lo que Sorority es buen ejemplo...

Resumiendo: si queréis pasar un rato entretenido y sin demasiadas complicaciones... que demonios, hay bastantes cosas mejores que hacer y de seguro mucho más gratificantes. así que... hacedlas. Una vez descartadas esas opciones y si aún os apetece pasar unos cien minutos de intranscendencia, bienvenidos a Sorority Row. Igual Carrie Fisher os recibe con un escopetazo, quién sabe...

Pedro García

Crítica: Summer Wars Una bellisima historia sobre el valor de la familia

2009-10-22T16:16:00.002+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Summer Wars
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: Japón
DIRECTOR: Mamoru Osoda
GUIÓN: Satoko Okureda
MUSICA:
REPARTO: Animación
PRODUCTORA: Mad House
GENERO: Animación.

WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

Summer Wars está protagonizada por el joven Kenji Koise, gran amante de las matemáticas y la informática, que tras quedar eliminado a primeras de un concurso de matemáticas a principios de verano se verá con todo el verano por delante y sin nada que hacer. Hasta que la chica más popular del instituto, Natsuki Shinohara, le invitará a pasar las vacaciones a su pueblo con su familia. La razón es que pretende hacer pasar a Kenji por su novio debido a una promesa realizada a su bisabuela. Pero las cosas se complicarán al día después de la llegada de los jóvenes, y tendrán que enfrentarse a una fabulosa aventura en un mundo de fantasía junto al resto de la familia comandados por la abuela.

TRAILER

CRÍTICA

Puede que Mad House, productora de esta Summer Wars, no tenga el reconocimiento mediático de otras productoras de anime como Gainax o Ghibli, sin embargo hay que reconocerle que en los últimos 15 años nos ha regalado un puñado de joyas, algunas de ellas calificables como obras maestras, de la talla de Ninja Scroll, Vampire Hunter D: Bloodlust, Death Note, Monster, Chobits o todas las películas dirigidas por el gran Satoshi Kon.

En esta ocasión nos traen una película dirigida por Mamoru Hosoda, probablemente estigmatizado por el gran público debido a su participación como director de algunos capítulos de la terrorífica serie Digimon, que da el campanazo con una de las mejores películas proyectadas en el festival de Sitges.

Summer Wars nos narra la historia de Kenji Koise, estudiante de instituto, verdadero cerebro de las matemáticas y colaborador de la más grande red social jamás creada en internet. Una compañera suya le pide que pase unos días con su familia, donde descubre que debe hacerse pasar por novio de ella y ser aceptada por su abuela, una anciana de 90 años que le dará el visto bueno. A partir de ahí se sucederán una serie de situaciones que reflejarán la unión de esta peculiar familia y donde Kenji disfrutará de la sensación de lo que significa ser querido por alguien.

Lo cierto es que el argumento bien podría ser el de cualquier historia de amor plasmada en otros animes como Karekano, pero Hosoda no tiene ningún interés en convertir su producto en un convencionalismo más y nos regala una obra donde habla fundamentalmente de los valores familiares.

Valores familiares descritos con humor, con ternura y con pasión, alejado del sectarismo norteamericano, especialmente cercano a la singularidad japonesa, pero cuyas ideas perfectamente podrían ser universales, ideas plasmadas a través de una comedia coral donde lo que menos prevalece es la acción, que la hay, dentro de un mundo virtual, y donde a través de los peculiares personajes de la familia de Natsuki, descubrimos todo un mundo vitalista y revitalizador que sintetiza con valentía los esquemas de cualquier familia humana. Una familia donde hasta el personaje más secundario tiene su importancia, y que denota el buen hacer del realizador, al perfilar meticulosamente y de manera asombrosa cada uno de los caracteres que se presentan a lo largo de la película.

Quizás el punto negativo del filme sea su excesivo metraje, casi dos horas para contar una historia a la que le sobraban veinte minutos, o incluso todos los segmentos relativos a la red social virtual, pero hemos de admitir que esa es la clave de la película para entender la idiosincrasia de los Shinohara, y sin ella, probablemente la película tuviese que buscar otro macguffin que nos permitiera alcanzar la premisa fundamental del filme: La familia unida jamás será vencida.

Además, es reseñable como el contraste entre tecnología punta y ambientes rurales en casa de la matriarca se diluye de tal manera que parece que Kenji está inmerso en un mundo onírico del cual no puede escapar. Este contraste se convierte en otro de los puntales de la historia, ante la dificultad del personaje inicial de encajar en un grupo parcialmente anclado en sus tradiciones más ancestrales, tradiciones que algunos personajes no dejan de repetir a lo largo del filme.

Por lo demás la película no deja de ser un viaje iniciático del protagonista principal. El viaje hacia la madurez, que tan difícil resulta reflejar, es brillantemente descrito a través de las secuencias de enorme belleza y solidez que el autor nos presenta. Debemos estar pendientes a cada detalle que se sucede a lo largo de la historia para darnos cuenta de que estamos ante una de esas películas con enorme potencial de culto, porque son los detalles en esa microscópica biosfera los que convierten este pequeño dulces para los sentidos, en una gran película. Olvidaos de Akira y similares, Summer Wars tiene más en común con Ghibli que con la propia Mad House, y eso desde luego es un punto a su favor, cualquiera diría que ha sido dirigida por Miyazaki o Takahata.

Javier Moreno

Crítica: Zombieland Una montaña rusa de carcajadas

2009-10-22T15:14:00.001+01:00

FICHA TÉCNICA

T. ORIGINAL: Zombieland
AÑO: 2009
NACIONALIDAD: EEUU
DIRECTOR: Ruben Fleischer
GUIÓN: Paul Wernick, Rhett Reese
MUSICA: David Sardy
REPARTO: Vera farmiga, Peter Sarsgaard, Isabelle Fuhrman, CCH Pounder, Jimmy Bennet, Karel Roden, Aryana Engineer
PRODUCTORA: Columbia Pictures / Relativity Media / Pariah
GENERO: Comedia. Terror. Acción. Zombies

WEB OFICIAL:

ARGUMENTO

En un mundo plagado de zombis, Columbus (Jesse Eisenberg) es un gallina, un joven que se encuentra aterrorizado por la situación, pero cuando te juegas el ser comido por los zombies, el miedo puede mantenerte vivo. De hecho su cobardía precisamente le ha permitido que sus sesos aún se mantengan en su cabeza. Sin embargo, Columbus se verá forzado a sacar el poco valor del que dispone para unirse a una banda de supervivientes a la que pertenece un cazador de muertos vivientes del que se hace amigo. Tallahassse (Woody Harrelson) es un macarra caza zombies cuya única determinación en su vida es lograr el último Twinkie (dulce americano) en la tierra. Cuando ambos unen fuerzas con Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), que también han encontrado una manera original de sobrevivir en ese caos, tendrán que elegir que es peor: si confiar los unos en los otros o sucumbir ante los zombies.

TRAILER

CRÍTICA

Hacer una comedia hoy en día, con los cientos de clásicos existentes no es tarea fácil. Hacer una película de zombies con la ingente cantidad de películas que pueblan el subgénero, mucho menos. Si además pretendemos hacer una comedia de zombies, teniendo precedentes tan interesantes como Shaun of the Dead o Fido, la aventura puede tornarse amarga si no eres capaz de sintonizar con el espectador.

A dios gracias, o deberíamos decir, a Ruben Fleischer gracias, Zombieland no solo sale airosa de esta criba, sino que además se convierte en una de las películas más divertidas de este 2009, y eso es algo que el público de Sitges supo valorar con justicia otorgándole el premio del público.

Debo decir que el tráiler engaña mucho, y engaña mucho para bien. Hacía tiempo que no veía un tráiler que ofrecía menos que la película y que guarda sus verdaderos ases para la proyección. Tan acostumbrados estábamos a que en las comedias de este estilo destriparan los mejores chistes en 2 minutos de avance, que debemos ponernos de rodillas ante los publicistas de Columbia Pictures por no destrozarnos la película antes de verla. Y es que la película es mucho más de lo que parece, mucho más y mucho mejor.

La historia es la típica historia de zombies, sin saber porque, los muertos vivientes dominan el mundo, y un grupo de personajes deben unir sus fuerzas para sobrevivir. Un argumento así, que podría haber derivado en un directo al dvd, es sazonado con dosis justas de comedia de sal gorda y niveles altos de chistes multireferenciales que la convierten en todo un gozo para el espectador que no busca otra cosa que un entretenimiento que le haga olvidar sus haceres diarios. Y eso hoy en día, pocas películas lo consiguen, y menos películas de estas características, a priori para un grupo tan selecto como el fan del fantástico pero igual de disfrutable para cualquiera con ganas de pasárselo bien y reírse durante 90 minutos.

Porque Zombieland es una gran montaña rusa que no da descanso a la mandíbula, cuando crees que te has reído demasiado, siempre viene el siguiente chiste que termina de matarte en la butaca a carcajadas. Cierto es que algunos momentos son esplendorosamente simples y previsibles, pero algunos otros son absolutamente antológicos, especialmente la memorable secuencia en la casa de Bill Murray, que se convierte con diferencia en lo mejor de la función y que provocará más de un aplauso en todas las salas de cine donde se estrene.

No vamos a negar que el argumento adolece de lagunas irreparables, que el clímax final es completamente absurdo e incongruente, pero no seamos demasiado quisquillosos con esos pequeños detalles que no minimizan la grandeza de una película que solo pretende entretener.

Y entre tanto entretenimiento nos encontramos con un grupo de actores que sabedores de su función en la película, se ríen de ellos mismos y de todo lo que les rodea con una seguridad que se transmite al espectador. Así por ejemplo, el gran Bill Murray, es objeto de uno de esos momentos que han pasado por derecho propio a la antología del género, o Woody Harrelson, que se siente como un niño con zapatos nuevos entre tanto zombie y cuya interpretación es de lo mejorcito del metraje, es más, seguro que en los premios MTV se lleva alguno al mejor personaje. Podríamos destacar también a los jóvenes Jesse Eisenberg, un piltrafilla friki antihéroe (copia del actor Michael Cera) y a la bellísima Emma Stone, algo más que un buen cuerpo en la película, acompañados de la repelente Abigail Bresslin, nominada al Oscar por Pequeña Miss Sunshine y que aquí, por primera vez, no dan ganas de matarla, demostrando que es capaz de divertirse como la que más en este parque de atracciones.

Podríamos enumerar cada uno de los glorificantes momentos que guarda la película, pero sería una pena para el espectador destripar la que puede ser el verdadero sleeper del año, una obra sin pretensiones artísticas cuyo cometido cumple con creces, y no es otro que entretener. Una gozada de película para salir con una buena sonrisa en los labios.

Y un pequeño detalle, recomendable verla en el cine y no en casa con un mal ripeo, esta película está concebida para que las risas de la sala hagan temblar sus cimientos, no para verla en solitario o con cuatro amigos y una pizza, dejad eso mejor para el dvd.

Javier Moreno

¿Cages de Dave McKean al cine? De momento solo es una idea

2009-10-22T14:35:00.003+01:00

Dave Mckean, artista multidisciplinar asociado constantemente a ese genio que tiene por nombre Neil Gaiman, y que debutó con la interesantisima epopeya fantástica Mirrormask, está pensando llevar al cine Cages, su obra mas personal publicada entre 1990 y 1996.

Cages es una obra de dificil lectura que habla de una casa en la cual un grupo de artistas intentan crear sus obras mientras habitan con otros seres extraños. Calificada unanimemente como una obra maestra del arte de la novela gráfica, su dificultad de traslación al cine ha hechado a muchos realizadores para atrás.

El propio autor dice que llevarla al cine es un proyecto muy ambicioso, y de momento solo se lo está planteando. Todavia no hay guión ni nada, con lo cual o bien puede quedarse en el limbo de las ideas perdidas, lo cual sería una verdadera lástima, o bien podemos esperar varios años mientras tiene un texto terminado, encuentra financiación y la rueda.

Espero sinceramente que pueda llevarla acabo.

Biyeolhan Geori made in USA Otro remake de una película asiatica

2009-10-22T14:27:00.003+01:00

Quizás el título no os suene, pero si os citamos A Dirty Carnival, el título occidental de esta película coreana dirigida por Ha Yu, quizás alguno la situe en el mapa.

El argumento de A Dirty Carnival era el siguiente:Byung-du es un veterano criminal que trabaja para Sang-chul y que soporta la carga de una madre enferma terminal y de su hermano pequeño. Cuando el gran jefe Hwang es acorralado por un fiscal corrupto, Byung-du se presenta voluntario para encargarse del asunto y ganarse la confianza del jefe. El verdadero problema comienza cuando su amigo Min-ho le pide un favor para su última película.

Bien, como era de esperar, Hollywood, siguiendo la senda iniciada años atrás, ha adquirido los derechos para hacer un remake con director norteamericano y actor norteamericano, algo que como muchos saben, a mi personalmente me desagrada profundamente.

Sparkler Entertainment y CJ Entertainment producen, mientras que Chris Hauty está escribiendo la adaptación. Veremos a que novato empapelan para hundirle la carrera.